La música que me gusta y comparto con amigos
50s
1. 50s - AÑOS ANTERIORES AL ROCK AND ROLL, AÑOS 20,30, 40 y 50s
2. 50s - EL NACIMIENTO Y EL PRIMER FLORECIMIENTO DEL ROCK AND ROLL
3. 50s - EL SURGIMIENTO DE ELVIS PRESLEY: EN PASOS CORPORATE AMERICA
4. 50s - ROCKABILLY IN THE WAKE OF PRESLEY
5. 50s - LA MUERTE DEL ROCK Y EL NACIMIENTO DEL FOLK, EL SOUL Y EL SUAVIZAMIENTO DEL ROCKABILLY
9. 60s. - LA INVASIÓN BRITÁNICA
10.60S. - RESPUESTAS AMERICANAS
11.60s - FOLCK ROCK (1) - DYLAN SE ENCHUFA
14. 60s - BANDAS DE GARAJE: NO SE NECESITA EXPERIENCIA /Paul Revere, The Monkees
15. 60s - MOTOWN POP Y SOUTHERN SOUL (1)
16. 60s - MOTOWN POP Y SOUTHERN SOUL (2) - LOS ARTISTAS DE MOTOWN
17. 60s - MOTOWN POP Y SOUTHERN SOUL (3) - ATLANTIC, STAX Y SOUL SUREÑO
18. 60s - MOTOWN POP Y SOUTHERN SOUL (4) - JAMES BROWN: EN EL CAMINO DEL FUNK,
19. 60s - PSICODELIA 1966/1969 (1ª parte)
20. 60s - PSICODEDIA 1966/1969 - (2ª parte) LA ESCENA DE SAN FRANCISCO Y HAIGHT-ASHBURY
21. 60S - PSICODEDIA 1966/1969 - (3ª parte) LA ESCENA DE LONDRES
22. 60s - PSICODEDIA 1966/1969 - (4ª parte) LOS ÁNGELES Y NUEVA YORK
23. 60s - PSICODEDIA 1966/1969 - (5ª parte) UNA NACIÓN WOODSTOCK: FESTIVALES, AUDIENCIAS Y RADIO
70s
24.70s - EL CRECIMIENTO DEL MONSTRUO 1970/1975 BLUES ROCK BRITANICO
25.70s - EL CRECIMIENTO DEL MONSTRUO 1970/1975 AMERICAN BLUES ROCK Y ROCK SUREÑO
26.70S - EL CRECIMIENTO DEL MONSTRUO 1970/1975 ROCK PROGRESIVO: GRANDES IDEAS Y GRANDES AMBICIONES
27.70S - EL CRECIMIENTO DEL MONSTRUO 1970/1975 FUSIÓN DE JAZZ-ROCK Y ROCK CON INFLUENCIA DEL JAZZ
28.70s - EL CRECIMIENTO DEL MONSTRUO 1970/1975 GLAM ROCK ROCK TEAATRAL: PERSONAJES IMPACTANTES
29 70s - EL CRECIMIENTO DEL MONSTRUO 1970/1975 LOS CANTAUTORES Y EL COUNTRY ROCK
30. 70s - - MÚSICA NEGRA, REGGAE Y EL AUGE DE LA MÚSICA DISCO - LA MÚSICA NEGRA EN LOS 70s
32. 70s - MÚSICA NEGRA, REGGAE Y EL AUGE DE LA MÚSICA DISCO - EL ATERRIZAJE DEL REGGAE
33. 70s - MÚSICA NEGRA, REGGAE Y EL AUGE DE LA MÚSICA DISCO - EL SURGIMIENTO DE LA MÚSICA DISCO
34. 70s - MAINSTREAM ROCK, PUNK Y NEW WAVE - MAINSTREAM ROCK: 1975–1980
35. 70s - MAINSTREAM ROCK, PUNK Y NEW WAVE - LAS RAÍCES DEL PUNK EN ESTADOS UNIDOS, 1967–1975
36. 70s- MAINSTREAM ROCK, PUNK Y NEW WAVE - EL ASCENSO DEL PUNK EN EL REINO UNIDO, 1974-1977
37. 70s - MAINSTREAM ROCK, PUNK Y NEW WAVE - EL SURGIMIENTO DE NEW WAVE, 1977–1980
39. 80s - MTV / Michael Jackson / Prince y Janet Jackson.
40. 80s - LOS NUEVOS TRADICIONALISTAS
41. 80s - EL PUNK SE VUELVE HARDCORE
El proyecto fue iniciado por los ejecutivos de Rhino, John Hughes y Mark Pinkus, quienes estaban entusiasmados con el álbum del 50 aniversario de los Monkees. [1] Adam Schlesinger de Fountains of Wayne fue contratado para producir el álbum, con pistas de los tres Monkees supervivientes, canciones inicialmente inéditas de los compositores que utilizaron durante su ejecución inicial, incluidos Neil Diamond , Carole King & Gerry Goffin , Harry Nilsson y Tommy. Boyce & Bobby Hart y los compositores de rock contemporáneo Schlesinger, Rivers Cuomo , Andy Partridge , Ben Gibbard , Noel Gallaghery Paul Weller . [2] Schlesinger le había pedido a su compañero de banda de Fountains of Wayne, Jody Porter, que escribiera una canción para el álbum, pero no la usó porque era demasiado similar a la canción principal. [3]
La canción principal fue escrita por Harry Nilsson , y se utilizó una demo de finales de la década de 1960 incorporando póstumamente la voz de Nilsson en un "dueto" con Micky Dolenz . Davy Jones interpreta la canción con la pluma de Neil Diamond "Love to Love" que fue grabada en 1967 para el tercer álbum de los Monkees en una sesión supervisada por Don Kirshner mientras el grupo intentaba independizarse musicalmente de Kirshner. Una vez que fue removido, la canción fue descartada a favor de grabar un álbum de canciones tanto cantadas como interpretadas por el grupo. El álbum resultante fue Headquarters . La pista vocal fue regrabada en 1969, pero nunca vio un lanzamiento oficial hasta finales de la década de 1970. Por su inclusión en Good Times!, la versión de 1969 se utiliza con nuevos coros de Dolenz y Tork.
El primer sencillo del álbum fue "She Makes Me Laugh". Escrito por el líder de Weezer , Rivers Cuomo , fue lanzado el 28 de abril junto con un video con letra. La segunda pista nueva que se lanzó fue "You Bring the Summer" escrita por Andy Partridge , que debutó el DJ y fan de Monkee, Iain Lee en su programa de radio el 2 de mayo, y luego Rhino la puso a disposición.
Los músicos del álbum incluyen a los miembros de Fountains of Wayne, Schlesinger (guitarra, bajo, teclados, batería, percusión), Porter (guitarra) y Brian Young (batería, percusión), así como Mike Viola (guitarra, bajo, coros) y Erik. Paparozzi (bajo en la pista extra "Love's What I Want"), [4] y los miembros de la banda Micky Dolenz (voz, batería), Michael Nesmith (voz, guitarra) y Peter Tork (voz, teclados, banjo).
El álbum ha recibido críticas generalmente positivas, incluida una revisión de 4 de 5 de The Independent , que declaró que Good Times! fue "probablemente el mejor álbum de The Monkees, después de su compilación de éxitos", [9] mientras que The New York Times resumió el lanzamiento con "Cincuenta años después, los Monkees siguen siendo entrañables". [5] El Herald-Standard concluyó que "si de hecho este último álbum sirve como el canto del cisne del grupo, entonces es un final feliz". [14] La revista de música Mojo le dio al álbum cuatro estrellas y lo declaró su álbum de la semana, [11] mientras que Record Collectordeclaró "para gran alivio y deleite de todos, lo han logrado. Realmente lo han hecho", y le dieron al álbum cuatro estrellas. [12]
El álbum fue premiado con 3.5 sobre 5 por Rolling Stone , quien concluyó que "los fanáticos de Monkees han esperado demasiado por este álbum. Pero valió la pena". [13] El álbum fue incluso mejor recibido por la edición australiana de la revista , que le dio la máxima puntuación y señaló: "El productor Adam Schlesinger de Fountains Of Wayne sabe una o cinco cosas sobre el pop clásico, y aunque Good Times! Es un monstruo de Frankenstein viejo, algo nuevo y algo intermedio, se las arregla para orquestar todo en algo más allá de un vergonzoso acto patrimonial ". [14]
Ultimate Classic Rock declaró que "El hecho de que haya un nuevo álbum de Monkees en 2016 es bastante milagroso, pero que dicho álbum, Good Times!, Es nada menos que una obra maestra es asombroso". [7] Elsitio web de RTÉ también le dio al álbum una crítica positiva, afirmando que "mantenerlo analógico y crudo, Good Times! Es una alegría. Esta es una reunión de banda que no mancha el legado e incluso ofrece algo nuevo y fresco. " Sin embargo, reconoció que "Noel Gallagher se une a Paul Weller para lanzar 'Birth Of An Accidental Hipster', otra divertida canción secundaria de Kinks, pero suena hinchada en comparación con la efervescencia de lo que sucedió antes". [8] ABC Newsconcluyó que "esto es una escucha obligatoria para cualquier fan de Monkees". [15] Stephen Thomas Erlewine de AllMusic le dio al álbum 4 de 5 estrellas, afirmando que el álbum es "un alegre resurgimiento del alegre tintineo que caracterizó los grandes éxitos del grupo en los años 60". [19]
Will Hodgkinson en The Times dio una revisión un poco más variada , quien le dio al álbum 3/5, [16] y el Evening Standard , quien decidió que el álbum "no funciona del todo porque está decepcionado por una producción plana y la falta de algo que se acerque a sus momentos más mágicos. Por todo eso, sin embargo, no es una vergüenza ”y le dio al álbum tres estrellas. [17]
The Irish Times dio una crítica negativa , y Tony Clayton-Lea resumió que "Songs by Death Cab for Cutie compositor Ben Gibbard (" Me & Magdalena "), Andy Partridge de XTC (" You Bring The Summer ") y Noel Gallagher / Paul Weller ("El nacimiento de un inconformista accidental") hace una brillante referencia a los días de gloria de la banda en la década de 1960, pero como proyecto cohesivo, es más desagradable el domingo del valle que cualquier otra cosa ". [18]
En Metacritic , el álbum tiene un metascore de 79, lo que indica críticas generalmente favorables. Su puntuación de usuario es de 8,7, lo que indica una aclamación universal. [20]
El álbum es el álbum de Monkees más alto en los Estados Unidos desde The Birds, The Bees & The Monkees en 1968 y el más alto en el Reino Unido desde Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. en 1967.
JAMES BROWN: EN EL CAMINO DEL FUNK
De Doo-Wop al Soul.
A la luz de su tremenda importancia y distinción estilística durante la década de 1960, es extraño pensar que James Brown comenzó su carrera como sustituto de Little Richard. Nacido en Carolina del Sur y criado en el sur de Georgia, Brown había ganado cierta atención regional a mediados de la década de 1950 como miembro de The Fabulous Flames. En un espectáculo justo antes del éxito de Little Richard con "Tutti Frutti", Brown y su grupo ofrecieron una actuación improvisada y no invitada que impresionó al manager de Richard, Clint Brantley. Brantley contrató a los Flames para una serie de actuaciones en todo el sur. Cuando "Tutti Frutti" se convirtió en un éxito, Richard dejó Georgia para capitalizar su éxito, y Brown intervino para actuar como Little Richard en una serie de apariciones que Brantley ya había programado. James Brown and the Fabulous Flames disfrutaron de un éxito moderado con la apasionada entrega de Brown en "Please Please Please" ( 1956),
su primer disco lanzado por th King Records, con sede en Cincinnati, dirigido por Syd Nathan. King lanzaría todos menos un puñado de discos de Brown hasta que Brown firmó con Polydor en 1971. Brown volvió a golpear en 1958 con "Try Me",
su primer hit número uno de rhythm and blues, que también disfrutó de un atractivo crossover moderado . Los primeros éxitos de Brown se mantuvieron dentro del rango estilístico del doo-wop de la década de 1950, mientras cantaba la voz principal con el apoyo de las voces de respaldo de los otros Flames. Con "Think"(1960), sin embargo, Brown comenzó a desarrollar el estilo soul por el que llegaría a ser tan conocido. El estrecho acompañamiento de la canción presenta cuernos y una sección de ritmo de conducción. Si bien gran parte de la música pop de la época se centraba en las letras, la armonía y las voces de fondo, el canto agresivo de Brown y el ritmo rítmico creado para apoyarlo son los puntos focales claros de la música. A principios de la década de 1960, Brown era conocido en el circuito de R&B por su espectáculo en el escenario, que presentaba bailes atléticos y una famosa rutina de cierre en la que lo sacaban del escenario exhausto, solo para volver a ser el centro de atención con nueva energía. Con la esperanza de plasmar en un disco la emoción de James Brown y las Fabulous Flames en concierto, Brown y el manager Ben Bart decidieron lanzar un álbum en vivo grabado durante una actuación de 1962 en el Teatro Apollo de Nueva York. A excepción del jazz, el folk y la música clásica, los álbumes no fueron el foco de las ventas de discos a principios de la década de 1960. A pesar de Esto, The James Brown Show de Brown (ahora llamado Live at the Apollo)
llegó al número dos en las listas de álbumes pop en el verano de 1963, mostrando tanto su actuación enérgica como su rango estilístico. Si bien "Think" ya había anticipado el giro de Brown hacia un dominio de ritmos rítmicos ajustados, "Out of Sight" ( 1964)
fue aún más lejos en esta dirección, introduciendo el estilo soul duro que continuó con "Papa's Got a Brand New Bag, Pt. 1 "(1965)
," I got you (i feel good) "( 1965)," It's A Man's Man's Man's World "( 1966)
y" Cold Sweat, Pt. 1 ”( 1967).
A diferencia de la mayoría de los otros artistas de este capítulo, James Brown ejerció un control casi total sobre su música desde el comienzo de su carrera. Escribió y produjo la mayoría de sus éxitos y, tras la muerte de Syd Nathan de King Records y su manager Ben Bart en 1968, también tomó la mayoría de sus propias decisiones comerciales. Brown combinó de manera única un estilo agresivo de interpretación vocal y de danza, habilidades de composición y producción, y astucia para los negocios. En su independencia artística y musical, es paralelo a Brian Wilson, Bob Dylan y los Beatles, quienes también tomaron un control significativo sobre su música y carreras durante la década de 1960. Como líder de banda, Brown contrató a grandes músicos y los ensayó vigorosamente. Incluso encontró jugadores que cometieron errores durante las actuaciones. Aunque algunos de sus músicos encontraron este ambiente de trabajo demasiado difícil, el enfoque riguroso de Brown produjo algunos de los mejores conjuntos de música popular durante las décadas de 1960 y 1970. "Papa's Got a Brand New Bag, pt. 1 ”es un ejemplo de la precisión instrumental lograda en las actuaciones de James Brown and the Famous Flames. La pista se abre con un acorde sostenido y pronto cae en el primer verso (los versos emplean la estructura de blues de 12 compases). Escuche cómo el conjunto trabaja en conjunto rítmicamente para crear el ritmo que impulsa la canción. Las paradas al final de los versos ayudan a distinguir esta pista de un arreglo de Stax y muestran la cohesión de la banda de Brown. La forma de la canción mezcla versos con un puente, que se canta una vez y luego se usa como base para el vampiro en la coda. Tenga en cuenta la ausencia de voces de fondo, una característica que ayuda a distinguir el enfoque de Brown del de Motown y resalta el contraste con su música de la década de 1950, que a menudo presentaba voces de respaldo de doo-wop.
Orgullo negro y el nacimiento del funk.
Después del asesinato de Martin Luther King, Jr., James Brown y su música fueron cada vez más valorados dentro de la comunidad negra por su aparente orgullo racial. Para muchos, el estilo musical duro de Brown, las letras políticas y el interés externo en arreglar sus propios asuntos parecían inflexibles en comparación con las concesiones necesarias hechas por Motown y Artistas de Atlantic para atraer al público blanco. Si bien esta percepción no fue del todo precisa, Brown fue contado entre las figuras más importantes de la música popular negra cuando “Dilo fuerte, soy negro y estoy orgulloso”
escaló las listas en el otoño de 1968. La música de Brown pronto se volvería funk, convirtiéndolo en una de las principales influencias del black pop de los setenta. Continuaremos nuestra consideración de Brown y su influencia en el funk en el Capítulo 9, y las cuestiones raciales que se abordan en este capítulo volverán en nuestras discusiones sobre el auge del pop negro, la música disco y el surgimiento del rap.
¡LOS PANTALONES CALIENTES TE HACEN SEGURO DE TI MISMO! por
Gutherie Ramsey
"¡Hagámoslo real!" A simple vista, esas palabras, tomadas de la letra del sencillo "Hot Pants" de James Brown en 1971, tienen poco sentido político o práctico. Sin embargo, parecía concentrarme en ellos cuando, después de enterarme del fallecimiento de Brown la mañana de Navidad de 2006, decidí marinar en una colección de CD de sus grandes éxitos durante la noche. No es que el hombre no pudiera ser líricamente profundo; "Say It Loud, I'm Black and I'm Proud" se convirtió en el himno de la equidad social en todos los ámbitos y en todo el mundo, pero era igualmente conocido por sus letras divertidas que simplemente celebraban la vida. Pero en verdad, fue su música (patrones de bajo ostinato reducidos, guitarras sincopadas y líneas de trompeta entrelazadas que funcionaron como mortero en el paisaje sonoro) lo que cautivó nuestras mentes y nuestros pies bailarines. Agregue un grito, un grito u otras declaraciones orales sin sentido como huesos del cuello, ñame confitado y un paseo en camello, y tendrá la receta para una revolución funk. Para legiones de oyentes, así de buena se suponía que era la música. A veces su música marcó una diferencia real. A mediados de la década de 1960, Estados Unidos era una tetera y su contenido estaba en ebullición. Por un lado, los intérpretes negros estaban definiendo la esencia misma de la música popular estadounidense, disfrutando de un prestigio, una influencia y recompensas financieras sin precedentes. Pero, por otro lado, Estados Unidos todavía vivía la pesadilla de su estado cuasi-apartheid: muchos afroamericanos estaban atrapados en trabajos mal pagados y vivían existencias segregadas en escuelas, iglesias y vecindarios. Había una sensación generalizada de que Estados Unidos había llegado a una encrucijada y que era mejor que llegara el cambio, y pronto. El 4 de abril de 1968, cuando un disparo acabó con la vida del líder de los derechos civiles Martin Luther King Jr. en Memphis, silenció a uno de los defensores más audibles de ese cambio, y la tetera finalmente explotó. Los disturbios civiles se extendieron como un maremoto por todo el país: Chicago, Detroit y Washington, DC experimentaron la fuerza de las frustraciones crudas que habían estado hirviendo durante años. Se incendiaron barrios del centro de la ciudad, se destruyeron negocios y se perdieron vidas. El día después del asesinato de King, el 5 de abril, James Brown tenía programado un concierto en Boston, que los funcionarios de la ciudad amenazaban con cancelar por temor al tipo de estallidos violentos que asolaban otras ciudades.
Boston ya había visto indicios de malestar cuando los adolescentes
deambulaban por las calles de Roxbury esa noche en protesta por el líder
asesinado. Pero un temor mayor era que si se cancelaba el concierto, la ciudad
podría arder como yesca, y la tensión racial ya palpable podría convertirse en
violencia. El alcalde Kevin White y sus asesores tuvieron que actuar con
rapidez. Después de reunirse con Brown, decidieron que no solo continuaría el
programa, sino que también sería televisado. El plan funcionó. Aunque la
capacidad del Boston Garden era de 14.000, solo asistieron 2.000 fieles
juerguistas y muchos más pudieron ver el espectáculo en casa en WGBH. La velada
comenzó con el alcalde White saludando a la multitud y su ciudad y luego Brown,
que ya se había ganado el título de “El hermano más trabajador en el mundo del
espectáculo”, subió al escenario y ofreció la actuación de su vida. Estaba en
su forma más rara esa noche, dando lo que un testigo llamó una "actuación
de un millón de vatios". Las imágenes granuladas, en blanco y negro, muestran
al artista cortejando y sometiendo a su audiencia con la genialidad de sus
muchos talentos. De hecho, fue un espectáculo. Ataviado con un traje a medida,
el cabello de Brown se movió dramáticamente de un lado a otro, sus brazos,
piernas y torso realizaron una letanía de pasos de baile desde "el James
Brown" hasta el puré de papas y el paseo en camello, uno de muchos. Danzas
sociales afroamericanas que imitaban los movimientos de los animales. (Algunos
de los movimientos de baile de su protegido Michael Jackson, en particular el
"moonwalk", tenían una gran deuda con el paseo en camello de Brown).
La multitud rugió en aprobación mientras la banda tocaba el gran éxito
"There Was a Time" y Brown coreaba una línea después de la línea de
llamada y respuesta con sus compañeros de banda y la multitud que lo vitoreaba.
Incluso cuando el entusiasmo amenazaba con convertirse en un comportamiento
rebelde, Brown pudo volver a encarrilar la fiesta, con “buen pie”, como sugiere
una de sus canciones. Este era un teatro santificado, de hecho. Esa noche,
Brown demostró por qué se le conocía cariñosamente como "El Padrino del
Soul". Como uno de los músicos estadounidenses más importantes de finales
del siglo XX, utilizó su considerable poder para influir en la vida política y
civil del país, no solo esa noche, sino en muchas otras ocasiones. En parte
predicador y maestro, en parte mago y chamán, esa noche James Brown le enseñó a
Estados Unidos que "el funk" podía curar todos los males.
Uno de los mejores bajistas de Jamaica que fue la mitad del famoso dúo de reggae Sly y Robbie.
7
Robbie Shakespeare, quien murió a los 68 años después de una cirugía de riñón, fue el bajista más conocido y respetado en Jamaica durante un lapso de más de tres décadas desde finales de la década de 1970 en adelante. Su asociación de batería y bajo con Sly Dunbar proporcionó la base rítmica, como Sly y Robbie, para muchas de las mejores obras de reggae de artistas como Gregory Isaacs , Peter Tosh, Bunny Wailer , Black Uhuru y Burning Spear.
El pico creativo de Sly y Robbie llegó en los años 80, cuando eran el dúo dorado del reggae, avanzando con su creatividad y explorando un sonido más digital que a veces llevó sus bases de drum and bass a un territorio más funk, parecido a una discoteca, manteniendo un fuerte las raíces se sienten.
Después de que se diversificaron para proporcionar la sección de ritmo para varios álbumes de Grace Jones, su influencia comenzó a extenderse mucho más allá del reggae, y en la última parte de su carrera, Shakespeare fue muy solicitado como músico y productor con grandes nombres en el negocio de la música. incluidos Mick Jagger, Yoko Ono, Sinéad O'Connor y Bob Dylan . En 2020 fue nombrado en el número 17 en la lista de los mejores bajistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.
Nacido en una familia de músicos en Kingston, Jamaica , Shakespeare aprendió por primera vez a tocar la guitarra acústica, pero tomó el bajo después de un encuentro en la casa de su familia con Aston "Family Man" Barrett, uno de los músicos de sesión jamaicanos más importantes de los años 60. y más tarde el bajista y arreglista musical de Bob Marley and the Wailers.
Barrett ayudó a Shakespeare a aprender el bajo, pero también lo tomó bajo su protección, lo que permitió que el joven lo siguiera en las sesiones y lo presentara para el trabajo de grabación una vez que su interpretación estaba al día.
Shakespeare se había encontrado con Dunbar a principios de los 70 cuando tocaba en el club Evil People en Kingston. Dunbar era un músico residente en el local Tit for Tat cercano, y cada vez que alguno de ellos tenía un descanso, se pasaba al otro club para ver lo que estaba pasando. Impresionado por la maestría musical de Dunbar, Shakespeare le contó al productor Bunny Lee sobre su descubrimiento, y los dos terminaron tocando juntos como parte de una banda de estudio.
Ambos consideraron su asociación como un regalo del cielo. “Desde el primer día tuvimos esa química especial”, dijo Shakespeare. "Musicalmente tendríamos que establecer un canal especial hacia Dios para preguntarle por qué lo que tocamos siempre sale bien". Por su parte Dunbar señaló que “desde la primera vez que tocamos juntos hicimos clic musicalmente. Fue como magia. Sabía lo que iba a hacer y yo sabía lo que iba a hacer ".
Aparte de su sincronicidad musical, la pareja también eran amigos muy cercanos, así como una buena pareja temperamental. Dunbar, el más relajado de los dos, a menudo frenaba la personalidad exigente y contundente de Shakespeare, mientras que Shakespeare los ayudaba a hacer frente a cualquier turbidez del negocio de la música. Rara vez se separaban durante mucho tiempo, pasaban casi todos los días en compañía del otro y afirmaban que nunca habían tenido una pelea o disputa.
"Se siente como un vínculo, incluso más que un matrimonio", dijo Dunbar en 1997. "Simplemente nos relajamos juntos y no hay ego". Shakespeare y su esposa, Marian, eran vecinos cercanos de Dunbar y su esposa, Natasha.
Formando su propia productora independiente y sello discográfico, Taxi, en 1974, en dos años, Sly y Robbie ya se habían convertido en una de las secciones rítmicas más célebres y prolíficas de Jamaica, y su trabajo abarcaba no solo sesiones con las bandas Revolutionaries y Aggrovator, sino también desde 1975. , como el pilar de la banda de Peter Tosh, con quien Shakespeare tocó en seis álbumes, incluidos Legalize It (1976) e Equal Rights (1977). También participó en el clásico álbum de 1976 de Mighty Diamonds, Right Time, y contribuyó (sin Dunbar) a Blackheart Man de Bunny Wailer ese mismo año.
Quizás el sonido por excelencia de Sly y Robbie se entregó con Black Uhuru, con quien tocaron desde 1979 hasta 1986, incluso en el álbum Sinsemilla (1980), cuya canción principal muestra a la pareja en todo su esplendor. Ese álbum también comenzó a hacerlos influyentes en el movimiento del reggae hacia la instrumentación digital, personificado por su tratamiento irregular y entrecortado de Murder She Wrote por Chaka Demus & Pliers en 1993.
El cambio de Shakespeare a trabajar con músicos fuera del reggae había comenzado ya en 1980, cuando él y Dunbar fueron reclutados para tocar en el álbum de Jones, Warm Leatherette. Posteriormente proporcionó una serie de líneas de bajo memorables para canciones de Jones como My Jamaican Guy , Pull Up to the Bumper y Private Life , y la asociación aportó mucho más trabajo, como productor y bajista, con otros artistas de alto perfil. .
Estuvo involucrado con tres álbumes de Dylan a mediados de los 80 (Infidels, Empire Burlesque y Down in the Groove), con el álbum de 1985 de Jagger She's the Boss, Starpeace de Ono en el mismo año, World in Motion de Jackson Browne en 1989 y dos álbumes por O'Connor en la década de 2000. Entre otros músicos con los que grabó se encontraban Ian Dury , Herbie Hancock, Joan Armatrading y Sting.
Sly y Robbie también lanzaron seis álbumes propios entre 1985 y 2014, y su amistad musical y personal duró hasta el final. "Ni siquiera quiero pensar en cómo sería si Robbie no estuviera aquí", dijo Dunbar. "Tenemos tanta historia entre nosotros, no se puede reemplazar".
