Bay Area native Roy Loney, a founding member of the great Flamin' Groovies, quit the band in the early '70s, ostensibly to pursue a solo career. Oddly, his first solo recording didn't appear until 1979, nearly seven years after leaving the Groovies. In the interim, Loney had taken a series of record industry jobs, at one point working as a sales rep for the now defunct ABC Records, and at the funky and fabulous Jack's Record Cellar in San Francisco. Despite the delay, Loney's return to rock & roll performance was auspicious; there was a tremendous EP, A Hundred Miles an Hour, dedicated to Sissy Spacek, which was followed by the wild and woolly full-length LP, Out After Dark.
Eschewing the Byrds-ian pop direction that former partner Cyril Jordan had now taken the Groovies, Loney's records were wild-eyed, rockabilly-fueled chunks of joyous noise, with much shaking, rattling, and rolling provided by the great guitar playing of ex-GrooviesJames Ferrell and drummer Danny Mihm. Now fully integrated into the late-'70s/early-'80s rock scene, Loney, retaining his deservedly hip credentials, released a string of fine records from 1979-1983 on mostly small indie labels, eventually dropping out of sight in 1984. Actually, he just withdrew from the rock scene for a while and continued to play in the Bay Area and work at Jack's. In the late '80s, recording for roots rock label Norton, Loney unleashed The Scientific Bombs Away, which was a terrific, if almost totally ignored record. Loaded with raving guitars, hiccuping vocals, and his thoroughly original sense of humor, Loney had made a triumphant return to rock. Too bad no one seemed to care. Later, Loney recorded a great cover of Sam the Sham's "I Couldn't Spell !!*@!" with the Seattle band Young Fresh Fellows.
In 2009, Roy Loney and Cyril Jordan teamed up for a joint concert tour focusing on the early Groovies material. 2013 saw Jordan put together a reunited edition of the Flamin' Groovies with latter-day vocalist Chris Wilson, and in mid-2019, when Wilson was unavailable for a tour of the United States and Europe, Loney stepped in to take his place. However, a bad fall at an airport forced Loney to drop out of the European leg of the tour due to head injuries. He died on December 13, 2019.
Musical missionary, tireless troubadour and producer Jack Klatt isn’t one to be easily categorized or relegated to a narrow niche. He is a man with a wizened and worldly perspective, and a timeless sensibility of both place and purpose. His upcoming album It Ain’t The Same reflects a reverential attitude, but adds a depth and devotion that ensures its contemporary credence. With Klatt himself singing, playing guitar and sitting in the producer’s chair, it boasts the talents of session players John James Tourville (The Deslondes) on electric guitar and pedal steel, Casey McDonough (NRBQ) on bass, Alex Hall (JD McPherson, The Cactus Blossoms, Robbie Fulks) on drums, percussion, keys and engineering and Page Burkum’s harmonies. It Ain’t The Same is, as its title suggests, something truly special. POPMATTERS
Nacido en Los Angeles en 1949, Nolan Porter comenzó a grabar en Lizard Label a principios de los años 70 y lo primero que grabó fue una versión del Crazy Love de Van Morrison, una balada romántica que apareció un año antes como parte de aquella joya inmortal que fue el Moodance del norirlandés, Porter se la llevó a su terreno, la hizo lucir menos cruel y dolorosa pero igual de inmensa y eterna.
Nolan Porter en una imagen promocional de su sello en los 70 / GETTY
El músico californiano debutó en 1970 con ‘No apologies’, un disco que cuenta con el apoyo de buena parte de los Mothers of Invention, la banda que acompañaba a Frank Zappa, con cuya hermana estaba casado Porter. Un disco poderoso y seductor que se mueve entre el soul y el funk con elegancia que contiene temas propios de Nolan Porter pero también otros firmados por grandes nombres del soul como Steve Cropper, Booker T Jones nombres muy venerados en el género más vinculados a Stax Records, el sello de Memphis. En ese primer disco hay funk, hay soul y canciones marcadas por el racismo y la lucha por la conquista de los derechos civiles como ‘Dont make me color my black face blue’.
En 1972 llegó a las tiendas ‘Nolan’, segunda y última entrega de Porter. Un disco que mezcla canciones que se editaron como single con temas propios o versiones, como la maravillosa ‘I put a spell on you’ de Screamin Jay Hawkins. En ‘Nolan’ aparece también ‘Keep on keeping on’, el tema más exitoso del cantante californiano y cuyo riff es la base de ‘Interzone’, el tema de Joy Division que apareció en ‘Unkown Pleasures’, el álbum de 1978 de la banda de Manchester. Aunque es otra canción de Porter la que le reconectaría con este siglo. En 2004, Paul Weller versionó ‘If I could only be sure’ en su ‘Studio 150’, aquella adaptación de la canción de Porter resultó clave para su regreso unos años después de la mano de otra banda inglesa, Stone Foundation. El soulman llevaba 30 años sin entrar en un estudio de grabación cuando la banda inglesa lo localizó a través de Internet, hablaron un día por Skype y convencieron a Porter para que viajaser a Inglaterra para tocar con ellos en el disco en el que estaban trabajando. Porter grabó dos temas y giró con ellos por Reino Unido en una gira por locales medianos, pero muy exitosa. De aquella reunión salió un documental con el título de su gran tema, ‘Keep on keeping on, a short film about soul’, un breve documental que cuenta la historia de las dos grabaciones en los años setenta y su encuentro con los chicos de Stone Foundation. Ahora Porter goza de un reconocimiento más justo y sus dos únicos discos se han revalorizado con el tiempo, de vez en cuando vuelve a subirse a un escenario, incluso ha girado por Europa –visita a España incluida- y se ha hecho algo de justicia con su historia y con sus canciones.
ALLMUSIC
A first-rate soul and R&B vocalist, Tashan
has had the misfortune of being stylistically in the wrong era. His
sound is too earthy and raw for the urban contemporary mainstream, yet
not Southern and bluesy enough for the Southern market. While he is also
well-versed in hip-hop and rap via his New York upbringing, his Def Jam
LPs have included some blistering duets with Alyson Williams. Tashan started off in the mid-'80s by writing and producing "Yours for a Night," which was recorded by rappers Whodini. He was signed to Def Jam/Columbia in 1985 and Chasin' a Dream was released in 1986. On the Horizon
followed in 1989. Neither attracted widespread commercial interest,
though he is more popular in England. His third album was released in
1994.
Nacido en 1936, Ebo Taylor ha sido una figura vital en la escena musical de Ghana durante más de seis décadas.A finales de los años 50 estuvo activo en las influyentes bandas dealta vida Stargazers y Broadway Dance Band.En 1962, Taylor llevó a su propio grupo, la Black Star Highlife Band, a Londres, lo que llevó a colaboraciones con la estrella del afrobeatnigerianoFela Kuti , así como con otros músicos africanos en Gran Bretaña en ese momento.[2][3] Al regresar a Ghana, trabajó como productor, elaborando grabaciones para Pat Thomas , CK Mann y otros, así como explorando sus propios proyectos, combinando material tradicional de Ghana con ritmos afrobeat, jazz y funk para crear su propio sonido reconocible en los años 70.
El trabajo de Taylor se hizo popular internacionalmente entre los productores de hip-hopen el siglo XXI.[4] En 2008, Ebo Taylor conoció a los músicos con sede en Berlín de la banda Afrobeat Academy, incluido el saxofonista Ben Abarbanel-Wolff, que condujo al lanzamiento del álbum Love and Death with Strut Records (su primer álbum distribuido internacionalmente).[1][5][6] En 2009, Usher usó una muestra de la canción de Taylor "Heaven" para " She Don't Know ".[7]
El éxito de Love and Death llevó a Strut a publicar la historia retrospectiva Life Stories: Highlife & Afrobeat Classics 1973-1980 , en la primavera de 2011. Un año después, en 2012, se lanzó un tercer álbum de Strut, Appia Kwa Bridge .Appia Kwa Bridge demostró que incluso a los 77 años de edad, Taylor seguía siendo intensamente creativo y concentrado, mezclando canciones y cantos tradicionales de Fante con rimas infantiles y asuntos personales en su propia visión aguda de la alta vida.[8]
On their eagerly awaited debut album Samsara, the visionary Austin, TX combo Los Coast delivers a fresh blast of punchy psychedelic-pop-soul that effortlessly incorporates a wide range of genres. The band's seamlessly soulful songcraft incorporates the band's distinctive grooves along with the inventive compositions and commanding vocals of principal members Trey Privott (lead vocals, guitar) and John Courtney (guitar, keyboards, vocals).
Even before Samsara had been recorded, Los Coast had already earned a reputation as one of Austin’s most exciting and inventive young bands. With its lineup rounded out by Megan Hartman on bass, Damien Llanes on drums and Natalie Wright on keys, plus a varied assortment of guest players, Los Coast was already renowned for its rousing, expansive live sets.
That same mix of energy and expertise is reflected on Samsara, which features such memorable, no-nonsense tunes as "Simplify," "Monsters," "Graves" and the frantic, tongue-twisting "(Everything But) The Kitchen Sink." The album delivers infectious hooks, ironic lyrical twists and explosive funk grooves in equal measure, providing an irresistible frame for Privott's soulful vocals and the band's explosive grooves.
"We love pop music, but we also love to experiment," says Courtney. "We try to avoid letting the listener know what's coming, and we like playing with people's expectations and catching the listener off guard. It becomes stale if it's too familiar, so we like to come up with music that's familiar and surprising at the same time."
"We're lucky to be able to explore these different sounds and different attitudes, and do a little dabbling," adds Privott. "We started with a blank canOn their eagerly awaited debut album Samsara, the visionary Austin, TX combo Los Coast delivers a fresh blast of punchy psychedelic-pop-soul that effortlessly incorporates a wide range of genres. The band's seamlessly soulful songcraft incorporates the band's distinctive grooves along with the inventive compositions and commanding vocals of principal members Trey Privott (lead vocals, guitar) and John Courtney (guitar, keyboards, vocals).
Even befoe Samsara had been recorded, Los Coast had already earned a reputation as one of Austin’s most exciting and inventive young bands. With its lineup rounded out by Megan Hartman on bass, Damien Llanes on drums and Natalie Wright on keys, plus a varied assortment of guest players, Los Coast was already renowned for its rousing, expansive live sets.
That same mix of energy and expertise is reflected on Samsara, which features such memorable, no-nonsense tunes as "Simplify," "Monsters," "Graves" and the frantic, tongue-twisting "(Everything But) The Kitchen Sink." The album delivers infectious hooks, ironic lyrical twists and explosive funk grooves in equal measure, providing an irresistible frame for Privott's soulful vocals and the band's explosive grooves.
"We love pop music, but we also love to experiment," says Courtney. "We try to avoid letting the listener know what's coming, and we like playing with people's expectations and catching the listener off guard. It becomes stale if it's too familiar, so we like to come up with music that's familiar and surprising at the same time."
"We're lucky to be able to explore these different sounds and different attitudes, and do a little dabbling," adds Privott. "We started with a blank canvas, and we built a diverse color palette around the album that we wanted to create. It felt like everything was fair game, from psychedelic funk to the blues to acoustic singer-songwriter pop."
"I think this album captures a moment in time for the band, and a moment of time in Austin too, with certain things that were in the air at the time, and certain tides turning," Courtney offers.
Georgia-born Privott's first love was jazz—thanks to the influence of his uncle, noted guitarist and former Late Night with David Letterman band member Hiram Bullock—but his musical consciousness soon came to embrace gospel and soul, thanks to his family's Southern Baptist faith, as well as punk rock, folk and hip-hop. He began picking up various instruments in his early teens, and began experimenting with recording soon after. Although Texas native Courtney focuses on lead guitar with Los Coast, he's a versatile multi-instrumentalist whose sensibility was influenced by his extensive studies at the prestigious Berkley College of Music.
"I see us as a rock and roll band with a lot of soul influences, like Sam Cooke and Otis Redding," Privott states. "Otis was from Georgia, Little Richard, too, and that music is in my blood. What I think makes Los Coast stand out is that we’re psychedelic. As a guitar player, John Courtney is into guys like Jerry Garcia and he’s also jazz-trained. His playing defines the band just as much as my voice does."
Trey and John hooked up in Austin in 2015, and quickly won an audience in their adopted hometown, thanks to a long-running weekly residency at the Austin club C-Boy's. "We had wanted to use the residency as a chance to get comfortable onstage, and to really learn to play as a group," Trey explains. "But more and more people started showing up, which we hadn't expected at all."
A high-profile gig at 2016's Austin City Limits festival helped to spread the band's reputation beyond its hometown, as did some out-of-town touring that helped to build demand for Los Coast's long-simmering debut album, elevating the group to official buzz-band status. The band's memorable first indie single, "Summer Samaritan," gave way to the indelible gospel-funk of its followup "Simplify," which now serves as a key track on Samsara.
"We reworked the album multiple times because we wanted to get it right," Courtney admits. "We were being a little perfectionist, but we finally got to the point where we felt good about it. It was a long process, but it was time well spent."
"We built the sessions from the ground up," adds Privott. "It was kind of a non-traditional way to make an album, to work on it for so long. We went moment by moment, instrument by instrument, and we used everything we had to work with. That seemed to work for us. Now we're looking forward to sharing it with the world."vas, and we built a diverse color palette around the album that we wanted to create. It felt like everything was fair game, from psychedelic funk to the blues to acoustic singer-songwriter pop."
"I think this album captures a moment in time for the band, and a moment of time in Austin too, with certain things that were in the air at the time, and certain tides turning," Courtney offers.
Georgia-born Privott's first love was jazz—thanks to the influence of his uncle, noted guitarist and former Late Night with David Letterman band member Hiram Bullock—but his musical consciousness soon came to embrace gospel and soul, thanks to his family's Southern Baptist faith, as well as punk rock, folk and hip-hop. He began picking up various instruments in his early teens, and began experimenting with recording soon after. Although Texas native Courtney focuses on lead guitar with Los Coast, he's a versatile multi-instrumentalist whose sensibility was influenced by his extensive studies at the prestigious Berkley College of Music.
"I see us as a rock and roll band with a lot of soul influences, like Sam Cooke and Otis Redding," Privott states. "Otis was from Georgia, Little Richard, too, and that music is in my blood. What I think makes Los Coast stand out is that we’re psychedelic. As a guitar player, John Courtney is into guys like Jerry Garcia and he’s also jazz-trained. His playing defines the band just as much as my voice does."
Trey and John hooked up in Austin in 2015, and quickly won an audience in their adopted hometown, thanks to a long-running weekly residency at the Austin club C-Boy's. "We had wanted to use the residency as a chance to get comfortable onstage, and to really learn to play as a group," Trey explains. "But more and more people started showing up, which we hadn't expected at all."
A high-profile gig at 2016's Austin City Limits festival helped to spread the band's reputation beyond its hometown, as did some out-of-town touring that helped to build demand for Los Coast's long-simmering debut album, elevating the group to official buzz-band status. The band's memorable first indie single, "Summer Samaritan," gave way to the indelible gospel-funk of its followup "Simplify," which now serves as a key track on Samsara.
"We reworked the album multiple times because we wanted to get it right," Courtney admits. "We were being a little perfectionist, but we finally got to the point where we felt good about it. It was a long process, but it was time well spent."
"We built the sessions from the ground up," adds Privott. "It was kind of a non-traditional way to make an album, to work on it for so long. We went moment by moment, instrument by instrument, and we used everything we had to work with. That seemed to work for us. Now we're looking forward to sharing it with the world."
Activo como músico de sesión desde fines de los años 1950 hasta su muerte, ganando en los siguientes años de 1960 después de la liberación de su albúm Gris-Gris en el Bath Festival de Blues y Música Progresiva. Se presentó en un animado espectáculo inspirado en la medicina. Las costumbres de Mardi Gras y ceremonias de vudú. Rebennack grabó 32 álbumes de estudio y seis álbumes en vivo, y también contribuyó con otros cientos de músicos en sus grabaciones. En 1973 tuvo un Top 10 con el sencillo Right Place, Wrong Time.
Su carrera musical comenzó en su ciudad natal a comienzos de los años 1950. En un principio, se concentró en la guitarra, ofreciendo conciertos con bandas locales bajo el nombre de Mac Rebbennack and the Skyliners, Frankie Ford and the Thunderbirds y Jerry Byrnes and the Loafers. Dr. John obtuvo cierto éxito a nivel local con el tema Storm Warning, publicado en Rex Records en 1959 e influido por Bo Diddley.
La carrera de Rebennack como guitarrista se truncó cuando su dedo anular fue herido en un disparo mientras defendía al teclista y cantante Ronnie Barron, compañero de grupo y amigo de la escuela. Tras la lesión, Rebennack se concentró en el bajo antes de hacer del piano su instrumento principal. Entre las influencias musicales de Rebennack en el piano se encontraba Professor Longhair.
Rebennack adquirió fama a finales de los años 1960 y comienzos de los 1970 con música que combinaba el R&B de Nueva Orleans con el rock psicodélico y elaborados conciertos que se acercaban a ceremonias religiosas de vudú, incluyendo elaborados trajes y peinados. Durante la época, Rebennack adquirió el mote de Dr. John, The Night Tripper, procedente de una médico vudú de Luisiana de comienzos de 1800.
Gris-Gris, su álbum debut de 1968, combinaba cánticos y ritmos vudús con la tradición musical de Nueva Orleans, y fue situado en el puesto 143 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos en la revista musical Rolling Stone. Otros tres trabajos de estudio, Babylon, Remedies y The Sun, Moon and Herbs, fueron publicados en el mismo sentido de Gris-Gris, si bien ninguno obtuvo la popularidad del primero.
A comienzos de 1969, Dr. John ofreció extensos conciertos, apoyado por músicos como Richard Didymus Washington —congas—, Richard Crooks —batería—, Dave Johnson —bajo—, Gary DeSoto —guitarra— y los cantantes Eleanor Barooshian, Jeanette Jacobs y Sherry Graddie. Una segunda alineación para tocar en la Costa Este de los Estados Unidosincluyó a Doug Hastings a la guitarra y a Don MacAllister a la mandolina.
Con la publicación de The Sun, Moon and Herbs y la participación en el álbum de Eric Clapton y Mick Jagger, Dr. John adquirió una notable reputación. El álbum sirvió para una transición entre el Dr. John psicodélico y un Dr. John más cercano al R&B y al funk de Nueva Orleans. Su siguiente trabajo, Dr. John's Gumbo, acabó derivando en una grabación histórica considerada como uno de sus trabajos más populares.
1972-1974: Gumbo, In the Right Place y Desitively Bonnaroo[editar]
Junto con Gris-Gris, Dr. John es ampliamente reconocido por sus trabajos publicados entre 1972 y 1974. El álbum de 1972 Dr. John's Gumbo, que abarca varios clásicos del R&B de Nueva Orleans junto a una única composición original, es considerado como una piedra angular en la música de Nueva Orleans. En su autobiografía de 1994, Under a Hoodoo Moon, Dr. John escribió: «En 1972, grabé Gumbo, un álbum que fue tanto un tributo como una interpretación de la música con la que había crecido en los años 40 y 50. Traté de mantener los ligeros cambios característicos en Nueva Orleans mientras trabajaba mi propia guitarra y mi popio piano». El principal sencillo del álbum, Iko Iko, alcanzó los primeros cuarenta puestos de las listas de Billboard. En 2003, Dr. John's Gumbo fue situado en el puesto 402 de la lista de los 500 mejores álkbumes de todos los tiempos elaborada por la revista musical Rolling Stone.
Con Gumbo, Dr. John amplió su trayectoria más allá del vudúpsicodélico que había impulsado su carrera desde que se había introducido en el personaje de Dr. John. No fue hasta el álbum de 1998Anutha Zone cuando Dr. John volvió a concentrarse en el aspecto de la música en su totalidad para un trabajo completo. «Después de grabar un nuevo disco», escribió el músico, «decidí que había tenido suficiente de aquello, de modo que lancé al vertedero la rutina de Gris-Gris y trabajé en un nuevo acto, un Mardi Gras con los clásicos de Nueva Orleans que habíamos versionado en Gumbo».
En 1973, con la producción de Allen Toussaint y el respaldo de The Meters, Dr. John publicó el álbum In the Right Place. En la misma rutina que Dr. John's Gumbo amplió su reputación como músico a la hora de versionar los clásicos de Nueva Orleans, In the Right Place hizo de Dr. John uno de los embajadores del funk de la ciudad. Sobre el álbum, Dr. John escribió: «In the Right Place tiene un mayor sentimiento de dance en comparación con otros que había hecho en el pasado, aunque quedó anclado en el R&B». El álbum alcanzó el puesto 24 en las listas de Billboard, con el sencillo Right Place Wrong Time alzándose hasta el puesto nueve de la lista Billboard Hot 100. Un segundo sencillo, Such a Night, alcanzó el puesto 42.
Dr. John intentó capitalizar el éxito de In the Right Place colaborando nuevamente con Allen Toussaint y The Meters en su nuevo trabajo, Desitively Bonnaroo, publicado en 1974. Similar a In the Right Place, obtuvo un éxito menor en comparación a su predecesor. Desitively Bonnaroo supuso el último álbum de estilo funk hasta la publicación en 1994 de Television, si bien la influencia del vudú y del R&B tradicional de Nueva Orleans, así como el funk, continuó en gran medida apareciendo en sus trabajos, especialmente en sus conciertos.
A mediados de los años 70, Dr. John comenzó a centrarse en una música más cercana al blues, al R&B y a los clásicos del Tin Pan Alley. Por otra parte, explotó su faceta de músico de sesión, tocando para grupos a lo largo de su carrera como The Rolling Stones en el tema de 1972 «Let It Loose», así como en el dueto de Carly Simon y James TaylorMockingbird en 1974. De forma similar, contribuó a la canción «More and More» para el álbum de Carly Simon Playing Possum. En 1977, coprodujo el álbum de Van MorrisonA Period of Transition, donde también tocó los teclados y la guitarra. El 19 de marzo de 1977, Dr. John apareció en el programa de la NBCSaturday Night Live. Posteriormente, salió de gira con Willy DeVille y contribuyó a sus álbumes Return to Magenta, Victory Mixture, Backstreets of Desire y Big Easy Fantasy.
Dr. John apareció, asimismo, en el documental de Martin ScorseseEl último vals —donde se unió a The Band para interpretar su canción «Such a Night»—, además de en el musical Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, inspirado en The Beatles. En la película Blues Brothers 2000, Dr. John se une a la banda de ficción The Louisiana Gator Boyspara interpretar las canciones «How Blue Can You Get» y «New Orleans». Su versión de la canción «Season of the Witch» fue también incluida en la banda sonora de la película.
En 1982, Dr. John escribió e interpretó la versión cinematográfica de «Cannery Row». En 1993, su canción «Right Place Wrong Time» fue utilizada en la película Dazed and Confused. El mismo año, Dr. John participó en el Franco Folies Festival en La Rochelle, Francia. En 1997, apareció en el single benéfico de Lou ReedPerfect Day.
Dr. John tuvo adicción al consumo de heroína. Pero en diciembre de 1989 completó su rehabilitación completa con el auxilio de Narcóticos Anónimos y permaneció libre de adicción el resto de su vida.
Dr. John estuvo casado dos ocasiones, mencionando al The New York Times que tenía «muchos» hijos.
El 6 de junio, Dr. John murió de un ataque cardíaco. Su familia anunció la noticia a través de su publicista que había muerto al amanecer de ese día y «El había creado una mezcla única de música la cual había llevado de su hogar en Nueva Orleans, en su corazón la cual estaría siempre en su corazón».
