EL SURGIMIENTO DE LA MÚSICA DISCO Debería estar bailando
A fines de la década de 1970, la música "disco" orientada a la danza se hizo extremadamente popular en los Estados Unidos. Al igual que muchas formas de música que de repente alcanzaron una popularidad generalizada, la música disco tenía una larga historia como estilo underground. La popularidad de la música disco, que comenzó en gran parte en 1977, se puede atribuir a un interés en disfrutar de la música a través del movimiento físico (baile) en lugar de cerebralmente (escucha fija). A mediados de la década de 1970, el rock se había convertido en música destinada principalmente a escuchar. Aunque la gente podía bailar con mucha música rock, y muchos lo hacían, el baile no era la fuerza impulsora detrás del rock de los setenta. En los clubes de rock y bares, las bandas en vivo se consideraban preferibles a los disc jockeys, que se pensaba que eran alternativas económicas a la música en vivo. Dentro del black pop, sin embargo, el baile seguía siendo un elemento central. A principios de la década de 1970, los bailarines visitaron pequeños clubes que se especializaban en grabar discos de baile hasta altas horas de la noche. Según muchos informes, esta práctica comenzó a crecer dentro de las comunidades gay urbanas, especialmente en Nueva York en pequeños clubes de baile como 12 West, The 10th Floor, The Loft y Paradise Garage. Hasta que llegó a la corriente principal en 1977, la música disco era principalmente un estilo underground que ocasionalmente surgía con mayor visibilidad. Entre los primeros éxitos que surgieron de la subcultura disco estaban "Rock Your Baby" de George McCrae ( 1974)
y "The Hustle" de Van McCoy (1975).
Estas canciones mezclaban un ritmo de baile directo con un gancho pop pegadizo que se repite con frecuencia. La orquesta Love Unlimited de Barry White también participó con "Love’s Theme" ( 1973), que agregó cuerdas exuberantes a la mezcla disco. Una serie de éxitos iniciales provino de Florida's KC y Sunshine Band, incluido "That’s the Way I Like It" (1975).
Los oyentes de rock habrían conocido todas estas canciones, pero las vieron como melodías novedosas en lugar de serias amenazas al orden mundial del rock. Además, muchos disc jockeys crearon versiones especiales extendidas de canciones de baile, que no estaban disponibles para el público que compraba discos. Disco surgió en la escena nacional en 1977 con el lanzamiento de Saturday Night Fever, una película protagonizada por John Travolta. Un talentoso bailarín, Travolta se convirtió en el modelo del bailarín disco macho, estableciendo un contexto marcadamente heterosexual para el disco. La banda sonora de Saturday Night Fever incluía temas de los Bee Gees que se convirtieron en clásicos de la música disco: "Stayin’ Alive "(1978) y" Night Fever ". ( 1978) ambos encabezaron las listas de éxitos pop y alimentaron una locura por la música disco.
En medio de la emoción de Travolta, Saturday Night Fever y los Bee Gees, muchos hippies se cortaron el pelo, se pusieron elegantes camisas de poliéster y se dirigieron a los clubes de baile. De repente, muchos de los principales artistas estaban produciendo temas de música disco: los rockeros Rod Stewart ("Do You Think I'm Sexy?")
, The Rolling Stones ("Miss You")
e incluso KISS ("I Was Made for Loving You ”) Se subió al carro de la discoteca.
Comenzaron a aparecer versiones disco de canciones conocidas, incluida
una popular versión disco del primer movimiento de la Quinta Sinfonía de
Beethoven. Las mezclas de discoteca extendidas comenzaron a venderse sin receta
en cantidades significativas.
El regreso de los productores.
A mediados de la década de 1970, la industria de la música había cedido gran parte de la autoridad de producción de rock a los propios músicos. Las bandas utilizaron a los productores para ayudar a ejecutar las sesiones de grabación, pero a menudo retuvieron una cantidad significativa de voz sobre cómo sonaba el disco. La popularidad de la discoteca representa un retorno a la autoridad de los productores. Los discos se hicieron según los modelos Brill Building o Motown, y los productores e ingenieros asumieron un papel central en el proceso creativo. Dos de los productores más importantes de la música disco comercial fueron Jacques Morali y Giorgio Moroder, quienes produjeron actos estadounidenses utilizando un estilo europeo de música disco (a menudo llamado Eurodisco). Eurodisco se diferenciaba de la música de baile underground de los clubes urbanos en Estados Unidos porque era más rítmicamente precisa y no tan basada en el funk. Junto con los Bee Gees, uno de los primeros actos disco que emergió en la corriente principal fue Village People, un grupo cuya música a menudo ejemplifica Eurodisco. Ensamblado por el productor Jacques Morali como una especie de "Monkees gay", el grupo se especializó en canciones que tomaban un tono lúdico sobre la vida en el underground gay, con referencias que la mayoría de los oyentes extrañaron por completo. El éxito del grupo de 1978 "YMCA" describe a la YMCA como un lugar para conocer a jóvenes gays. Incluso hoy en día, esta canción se reproduce regularmente en eventos deportivos, con multitudes que se levantan y bailan al ritmo del coro, la mayoría de las cuales desconocen el contexto original de la canción.
Por el contrario, sería difícil confundir lo que cantaba Donna Summer en “Love to Love You Baby” ( 1976). Producida por Moroder y Pete Bellotte, con sede en Múnich, Summer gime y gime a través de una mezcla extendida de diecisiete minutos que subraya los aspectos sensuales del baile disco.
Después de que la música disco irrumpiera en la corriente principal, Summer se convirtió en una de sus mayores estrellas, llegando a la cima de las listas con "Hot Stuff" (1979) y "Bad Girls" ( 1979),
ambas incluidas en la disco Bad Girls, que podría considerarse un disco conceptual disco. Michael Jackson también se aprovechó de la moda disco en 1979, lanzando el álbum Off the Wall, que contenía el éxito "Don’t Stop’ Til You Get Enough "
. Off the Wall inició la
colaboración de Jackson con el productor Quincy Jones, una sociedad que gozaría
de un éxito abrumador en la década de 1980.
DISCO Y LOS HIPPIES ¿El Disco apesta?
El auge de la música disco después del lanzamiento de Saturday Night Fever provocó una reacción violenta en parte de la comunidad de la música rock. Quizás el ejemplo más claro de esto se puede ver en el mitin anti-disco realizado por el DJ de rock de Chicago Steve Dahl en 1979 antes de un partido de béisbol de los White Sox. Dahl dispuso que se colocara una gran caja de discos de discoteca en el campo y se hiciera volar ceremoniosamente. El motín resultante fue tan extremo que el partido de béisbol programado tuvo que cancelarse.
Este odio a la discoteca se
generalizó entre los fanáticos del rock, que popularizaron el eslogan "la
discoteca apesta". Hay muchos conceptos erróneos sobre el origen de esta hostilidad
hacia la discoteca. Una falacia común es que los rockeros estaban reaccionando
contra los orígenes de la discoteca en la comunidad gay. Puede haber algo de
verdad en esto, pero recuerde que la mayoría Los fanáticos del rock no tenían
idea de que la música disco se originó en los locales nocturnos gay. Para la
mayoría de los oyentes estadounidenses, la música disco se originó en el
contexto muy heterosexual de John Travolta y Saturday Night Fever. Además, los
fanáticos del rock habían tolerado tradicionalmente muchas formas diferentes de
androginia sin una reacción similar, y al final de la década, muchos músicos de
rock admitieron felizmente las orientaciones no heterosexuales. Otra
explicación engañosa es que la música disco era en gran parte música que
facilitaba conocer a miembros del sexo opuesto en bares para aventuras rápidas
de una noche, y los rockeros se sintieron ofendidos por esta promiscuidad
descarada. Las prácticas sexuales pueden haber sido diferentes dentro de la
cultura disco, pero es difícil conciliar esas actitudes puritanas con el rock
and roll, ya que la fanfarronería no era ajena a la cultura del rock. En
retrospectiva, hay varias razones más plausibles por las que los fanáticos del
rock odiaban la música disco con tanta pasión. Una explicación importante nos
obliga a cuestionar las formas en que la música disco se veía como una amenaza
dentro de la comunidad del rock. En muchos sentidos, la música disco se
enfrentaba directamente a la estética hippie que se había estado desarrollando
en música rock desde mediados de la década de 1960. Disco no se trataba de
escuchar música sino de bailar. En lugar de preocuparse por cuestiones
espirituales o sociales importantes, la música disco se trataba de diversión. Y
quizás lo más importante para los músicos involucrados, la música disco no se
trataba de artistas específicos sino del ritmo en general, que a veces lo
proporcionaba una máquina. Le quitó la autoridad de producción al artista y se
la devolvió al productor. De hecho, la música disco amenazó la base misma de la
subcultura del rock desde que Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band había hecho
del rock una música más seria y de escucha. Si bien la homofobia y el racismo
pueden haber jugado un pequeño papel en la forma en que algunos fanáticos del
rock reaccionaron a la música disco, con mayor frecuencia, estos fanáticos
rechazaron la estética anti-hippie de la música disco. En otras palabras, esta
fue una reacción contra un género que se adaptaba a los gustos de la corriente
principal. Por lo tanto, el movimiento "disco apesta" es un ejemplo
temprano de lo que luego llamaremos "rockismo", una creencia de que
algunas formas de música popular son menos importantes debido a una falta
percibida de autenticidad. Por extraño que parezca, la música disco se unió al
movimiento punk emergente en su rechazo de la estética hippie. Muchos fanáticos
del rock, ya sea que puedan articularlo con precisión o no, sintieron que su
enfoque de la música estaba siendo atacado por la popularidad generalizada del
disco y el punk. Como resultaron las cosas, ni el disco ni el punk desplazaron
al rock. Sin embargo, ambos tuvieron un efecto marcado en el rock, y en el asalto del punk al "rock corporativo" y,
lo que es más importante, a la estética hippie.
FURTHER READING
Lloyd Bradley, This Is Reggae Music: The Story of Jamaica’s Music (Grove Press, 2000).
Anne Danielsen, Presence and Pleasure: The Funk Grooves of James Brown and Parliament
(Wesleyan University Press, 2006).
Alice Echols, Hot Stuff: Disco and the Remaking of American Culture (W. W. Norton,
2011).
Nelson George, The Death of Rhythm and Blues (Penguin, 2004).
John Jackson, A House on Fire: The Rise and Fall of Philadelphia Soul (Oxford University
Press, 2004).
Arthur Kempton, Boogaloo: The Quintessence of American Popular Music (University
of Michigan Press, 2005).
Dave Thompson, Funk (Backbeat Books, 2001).
Michael Veal, Dub: Soundscapes and Shattered Songs in Jamaican Reggae (Wesleyan
University Press, 2007).
Rickey Vincent, Funk: The Music, the Rhythm, and the Power of the One (St. Martin’s
Griffi n, 1996).
Timothy White, Catch a Fire: The Life of Bob Marley (Henry Holt, 2000).
https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html
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