LA ESCENA DE LONDRES
El auge del undergound británico.
En 1965, mientras los Grateful Dead se dedicaban al blues
eléctrico y Jefferson Airplane ensayaba para su debut, el poeta Beat Allen
Ginsberg estaba en Londres ayudando al dueño de la librería Barry Miles a organiza
una lectura de poesía que contó con varios autores estadounidenses y europeos,
incluidos Lawrence Ferlinghetti y Gregory Corso. Convencidos de que Miles’s
Better Books era demasiado pequeño para contener a la multitud que esperaban
atraer, los organizadores alquilaron el Royal Albert Hall. En junio de 1965,
"Poetas del mundo /poetas de nuestro tiempo. Las drogas no eran del todo
nuevas para la cultura del rock en el Reino Unido. Los Beatles conocieron la
marihuana a finales de 1964, y John Lennon y George Harrison ya habían
experimentado el LSD en la primavera de 1965 (lo introdujeron en secreto en su
café después de cenar en la casa de un conocido). Pero al igual que en San
Francisco, una comunidad de jóvenes en Londres comenzaba a formarse en torno a
las drogas, la filosofía oriental, la política radical y la música
experimental. A fines de enero de 1966, se inició una serie de eventos
semanales denominados Espontáneo underground. que combinaba poesía, música y
artes escénicas de vanguardia. Celebrados en el Marquee Club los domingos,
estos eventos fueron similares a las pruebas de fuego de Kesey, aunque en menor
escala. En febrero, Barry Miles, John Dunbar (el esposo de Marianne Faithfull)
y Peter Asher (del dúo musical Peter and Gordon y hermano de la novia de Paul
McCartney, Jane) abrieron una librería y galería llamada Indica. La Indica,
similar a la Psychedelic Shop, se especializaba en artículos de contracultura,
y fue aquí donde John Lennon conoció por primera vez The Psychedelic
Experience. A diferencia de la escena de San Francisco, el underground de
Londres contaba con una especie de escuela nocturna contracultural donde los
estudiantes podían estudiar temas como problemas de vivienda, relaciones
raciales, salud mental y derecho. Denominada London Free School, comenzó a
celebrar reuniones en marzo de 1966.
Clubes subterráneos en el Swinging London.
En abril de 1966, justo cuando la escena psicodélica de Londres estaba ganando impulso y seguía siendo desconocida para cualquiera fuera de ella, la revista Time publicó un artículo de portada sobre "Swinging London", centrándose en lo que los editores de Nueva York percibían como un refrescante estilo de vida urbano. con glamurosos locales nocturnos atendidos por estrellas de moda adornadas con modas atrevidas y coloridas.
El verano de 1966 vio a jóvenes turistas acudiendo a Londres para
disfrutar de algo de la emoción, pero la escena psicodélica se desarrolló en su
mayor parte fuera de su vista. En octubre, el International Times comenzó a
publicarse, proporcionando a la floreciente escena un periódico dedicado a sus
preocupaciones, y antes de fin de año se estableció el UFO Club. A diferencia
del Fillmore o el Avalon en San Francisco, el OVNI era más una organización que
un lugar. Las noches de ovnis ocurrieron en un lugar que fue un pub irlandés
durante el resto de la semana. Cuando usar esa barra se convirtió en un
problema, el OVNI simplemente se trasladó. Mientras que otros clubes también
presentaban música psicodélica (incluso algunas de las mismas bandas, como Pink
Floyd, Soft Machine, Tomorrow y Crazy World of Arthur Brown), durante la mayor
parte de 1967, el UFO fue la reunión más destacada del underground psicodélico.
en Londres. También ocurrieron eventos mayores durante este período. A finales
de abril de 1967, una noche de psicodelia reunió a 10.000 hippies londinenses.
Llamado “El sueño en tecnicolor de 14 horas”, el evento que duró toda la noche
se llevó a cabo en Alexandra Palace, un palacio victoriano con vista a Londres.
Los acontecimientos de vanguardia (uno supervisado por Yoko Ono), un
espectáculo de luces y una larga lista de bandas estaban destinados a
intensificar las experiencias químicamente mejoradas de los asistentes. Un mes
después, Pink Floyd patrocinó un evento similar, "Games for May", que
se llevó a cabo en Queen Elizabeth Hall, y en julio, un "Love-In" en
el Alexandra Palace presentó a Pink Floyd, Tomorrow, the Crazy World of Arthur
Brown y The Animals. En agosto, cuando se estableció el Club de la Tierra Media
para noches similares a las organizadas por el OVNI, poco sobre la psicodelia
ya estaba bajo tierra: a raíz de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, parecía
que la psicodelia estaba en todas partes.
A London
Timeline
June 1965:
“Poets of the World/Poets of Our Time,” Royal Albert Hall
September
1965: Michael Hollingshead opens World Psychedelic Center
January 30, 1966: Spontaneous Underground
weekly events begin (Marquee Club)
February
1966: Indica Bookshop and Gallery opens
March 1966:
London Free School is launched
April 1966:
Time cover story on Swinging London
October
1966: International Times begins publication
December
1966: UFO evenings begin
April 1967:
“The 14-Hour Technicolor Dream,” Alexandra Palace
May 1967: “Games for May,” Pink Floyd, Queen
Elizabeth Hall
July 1967: “Love-In,” Pink Floyd, Tomorrow,
the Animals, Arthur Brown, Alexandra Palace August 1967: Middle Earth evenings
begin
Notas
musicales del underground:
Pink Floyd, Soft Machine y Tomorrow.
En general, hubo dos tipos de bandas en la escena londinense durante el período 1966-69: las que disfrutaron del éxito comercial (The Beatles, The Stones, Cream, Jimi Hendrix, Donovan) y aquellas cuyo éxito se limitó al underground londinense. La primera banda en hacerse un nombre en la escena underground se formó en 1965 y tomó su nombre de los bluesmen estadounidenses Pink Anderson y Floyd Council. Inicialmente llamándose a sí mismos Pink Floyd Sound, luego simplemente Pink Floyd, la banda se convirtió en asiduos en los eventos Spontáneo Underground y más tarde en el UFO Club. La banda tomó su nombre del blues, pero gran parte de su enfoque estaba más en deuda con la música artística de vanguardia. Las improvisaciones extendidas del grupo a menudo prescindían de patrones de acordes y escalas y se adentraban en la creación de ruidos exploratorios, producidos tocando sus instrumentos de formas no convencionales o alimentando sus guitarras eléctricas y teclados a través de dispositivos de eco de cinta. Si bien el líder y guitarrista Syd Barrett, el bajista Roger Waters, el organista Richard Wright y el baterista Nick Mason podían tocar canciones como "Interstellar Overdrive" durante media hora, también tenían un par de sencillos exitosos para la radio a mediados de 1967, escritos por Barrett. "Arnold Layne", una canción sobre un travesti que roba ropa de mujer de los tendederos de otras personas por la noche, que de alguna manera evitó ser prohibida por la BBC, alcanzó el número veinte en las listas de éxitos del Reino Unido.
La continuación, "See Emily Play", alcanzó el número seis. Sin embargo, la banda se negó a tocar estas canciones en vivo, prefiriendo tocar su extendido en su lugar, improvisaciones. El primer álbum de Pink Floyd, Piper at the Gates of Dawn ( 1967), fue grabado casi al mismo tiempo y en las mismas instalaciones de Abbey Road que Sgt. De los Beatles. Pepper (se informa que Paul McCartney visitó al menos una de las sesiones).
Sin embargo, Barrett pronto comenzó a mostrar signos de enfermedad mental, y durante una gira estadounidense en 1967, se volvió incapaz de actuar de manera confiable. El guitarrista y amigo de Barrett, David Gilmour, fue contratado para cubrir, pero finalmente reemplazó a Barrett por completo. A la luz del tremendo éxito que tuvo la banda en todo el mundo en la década de 1970 es sorprendente que su éxito antes de The Dark Side of the Moon (1973) se limitara al Reino Unido. El grupo obtuvo una serie de álbumes de éxito en Gran Bretaña, incluidos A Saucerful of Secrets (1968), More (1969), Ummagumma (p74 uk5, 1969) y Atom Heart Mother ( 1970), pero nunca podría romper el Top 40 de las listas de álbumes en los Estados Unidos. Sus conciertos en Londres durante 1966-68, a menudo acompañados de elaborados espectáculos de luces y tocados para audiencias que se tropezaban con ácido, los convirtieron en una de las bandas más importantes del underground psicodélico de Londres. Soft Machine también actuó regularmente para el UFO Club y otros eventos psicodélicos en Londres. Combinaban la pasión por la rareza experimental con la inclinación por el free jazz de Ornette Coleman y John Coltrane. A diferencia de Pink Floyd, el grupo nunca tuvo un sencillo exitoso y solo tuvo un éxito modesto con sus álbumes. The Soft Machine, un lanzamiento de 1968 solo en EE. UU., No llegó a las listas (la banda estaba de gira por Estados Unidos en ese momento, abriendo para Jimi Hendrix). En 1966-68, la banda alternó secciones cortas similares a canciones con improvisaciones de vanguardia. Después de esto, en una serie de álbumes numerados (Volumen Dos, Tercero, Cuarto, etc.), la banda tendió hacia la fusión de jazz y se convirtió en pionera de la fusión de jazz británica llamada rock progresivo de Canterbury.
Tomorrow fue otra banda que se convirtió
en habitual en eventos de ovnis y en la escena de Londres. Con el guitarrista
Steve Howe (que más tarde tocaría en la banda de rock progresivo Yes) y el
vocalista Keith West, la banda lanzó un par de sencillos que fueron populares
en Londres pero que no llegaron a las listas. Uno de ellos, "My White
Bicycle", exhibe muchas de las características psicodélicas que se
encuentran en otros discos: sonidos de cinta al revés, melodías exóticas con
sonido oriental y letras pop simples.
Los Rolling Stones:
¿Ritmo y blues psicodélicos?
Si bien Pink Floyd, Soft Machine y Tomorrow fueron componentes importantes de la floreciente escena psicodélica de Londres en 1966-67, otras bandas y artistas británicos disfrutaron de un perfil mucho más alto, especialmente después de junio de 1967. Los primeros entre ellos fueron sin duda los Beatles. Los Rolling Stones también siguieron componiendo éxitos en singles y álbumes durante la segunda mitad de la década de 1960. Nuevas bandas como Cream, Jimi Hendrix Experience y Traffic surgió en los meses previos al Summer of Love, basándose en la pasión de los Stones por el blues eléctrico. El cantante folclórico Donovan Leitch también recurrió al poder de las flores y proporcionó una versión más ligera de la psicodelia británica. A fines de 1966, la contribución de Brian Jones a la música de los Rolling Stones había disminuido considerablemente y la asociación de compositores Jagger-Richards comenzó a dominar la música de la banda. Su séptimo álbum, Aftermath, fue el primero en contener solo canciones de Jagger-Richards, asegurando su papel como líderes de grupo. Sin embargo, a pesar de su posición bien establecida como una de las bandas líderes de la música rock, los Stones siguieron siendo colegas jóvenes de los Beatles, lo que fue evidente en la segunda mitad de 1967, cuando la banda preparó la solicitud de sus majestades satánicas en respuesta al sargento Pimienta. Jagger había estado presente en las sesiones de Sgt. Pepper y apareció con los Beatles en su transmisión mundial de "All You Need Is Love" en julio de 1967.
Jagger también había acompañado a los Beatles cuando viajaron a Gales para estudiar con el Maharishi más tarde ese verano. El verano y el otoño de 1967 habían sido difíciles para Jones, Jagger y Richards. Cada uno fue condenado por cargos de posesión de drogas y se enfrentaba a la posibilidad de cumplir una pena de prisión. El sencillo "We Love You" fue la forma en que la banda agradeció a los fans por su apoyo durante las pruebas. Llegó al número ocho en el Reino Unido en el otoño de 1967 y proporcionó un eco algo más oscuro de "All You Need Is Love" de los Beatles.
Lanzado en diciembre de 1967, Their Satanic Majesties Request presentaba una imagen de portada holográfica de la banda vestida con atuendos de magos:
si los Beatles fueran una banda de música despreocupada, los Stones se harían pasar por magos amenazantes de lo oculto. . El sencillo "Ella es un arco iris" ilustra la Influencia de los Beatles en los Stones: la melodía emplea instrumentos orquestales y una figura de piano de sonido clásico que se repite con frecuencia, rompiendo cada vez el ritmo constante de la música.
Este álbum
sigue siendo una fuente de desacuerdo entre los escritores de rock. Algunos
consideran que es el punto más bajo de los Rolling Stones, un proyecto que
falla al intentar imitar demasiado a los Beatles. Otros piensan que es un paso
interesante y quizás necesario en el desarrollo de la banda. La mayoría de los
escritores están de acuerdo, sin embargo, en que los Rolling Stones se
convirtieron en una banda cuando dejaron de preocuparse por lo que estaban
haciendo los Beatles y volvieron a sus raíces de ritmo y blues. El ritmo duro
de "Jumpin 'Jack Flash" ( 1968) da la primera indicación de esta
nueva orientación estilística, y el siguiente álbum de la banda, Beggar’s
Banquet ( 1968), lo confirma. , El manager de
los Stones, Andrew Loog Oldham, había comercializado a la banda como chicos
malos a partir de 1964. A finales de 1967, Oldham ya no dirigía el grupo, pero
esto no impidió que los Stones amplificaran la imagen de forajido. que había
sido cristalizado por el escándalo sobre "(No puedo obtener ninguna)
satisfacción". A raíz de sus problemas legales ampliamente publicitados, y
en un momento en que la contracultura cambió para incluir los disturbios y las
protestas contra la guerra de 1968, "Street Fighting Man" de los
Stones fue prohibido en la radio porque las autoridades pensaron que podría
alimentar la violencia. Cuando Jagger adoptó el papel de Lucifer para cantar
"Sympathy for the Devil" en 1968, estaba claro que la participación
de la banda con el poder de la flor había terminado.
Cream:
British Blues on Acid
La primera banda de rock en ser catalogada como un “supergrupo” se formó en julio de 1966 cuando Eric Clapton (antes en los Yardbirds), el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker formaron Cream. Individualmente habían tocado en bandas de blues británicas con Alexis Korner, John Mayall y Graham Bond, y la idea inicial era que el trío se centrara en el blues tradicional. La banda eventualmente cubrió varios temas tradicionales de blues, incluyendo "Crossroads" de Robert Johnson y "Rollin’ and Tumblin ’de Muddy Waters". Pero Clapton había ayudado a desarrollar las secciones instrumentales de "rave-up" que habían sido una característica de los shows en vivo de los Yardbirds, y estas se convirtieron en un elemento importante en las adaptaciones de blues de Cream. La versión en vivo de "Spoonful" de Willie Dixon que se encuentra en Wheels of Fire (1968) es típica. Incluye una larga raveup instrumental y dura casi diecisiete minutos.
Si bien el enfoque de la música estaba a menudo en la guitarra de
Clapton, Bruce y Baker también eran músicos consumados que solía de vez en
cuando. El solo de batería de Baker en "Toad", por ejemplo, se
convirtió en un modelo para muchos bateristas de rock. Clapton fue ampliamente
celebrado en Inglaterra como el "dios" de la guitarra y ayudó a
popularizar la distorsión y el pedal wah-wah entre los guitarristas. Aunque el
blues era un elemento central en la música de Cream, la banda también tenía un
don para los sencillos pop, demostrado por el éxito de "I Feel Free"
( 1966) y "Strange Brew" (1967) en la primera año de su carrera.
Inicialmente, el éxito de la banda fue mayor en el Reino Unido, donde los
miembros de la banda ya eran bien conocidos. Fresh Cream, el primer álbum del
grupo, alcanzó el número seis en las listas del Reino Unido a principios de 1967.
A raíz de Summer of Love, la nueva pasión por la música psicodelica llevó a
Disraeli Gears al número cuatro en las listas estadounidenses en el otoño, y
Wheels of Fire subió al número uno un año después. Mientras que el enfoque de
la música de los Beatles y Beach Boys estaba en expandir los límites de las
técnicas de composición y grabación de rock, Cream se basó más en la
interpretación virtuosa. La inclinación de Cream por los solos instrumentales
es similar a la de las bandas de San Francisco, muchas de las cuales se
inspiraron en las adaptaciones de los Rolling Stones y Yardbirds del blues
eléctrico estadounidense. Si bien los guitarristas de San Francisco eran más
conocidos por las bandas en las que tocaban, Clapton y Hendrix se hicieron famosos
como solistas, dando paso a la idea del "héroe de la guitarra". A
pesar de toda la emoción generada por Cream, la banda permaneció junta por solo
dos años. En noviembre de 1968, la banda realizó un concierto de despedida en
el Royal Albert Hall de Londres. Los tres miembros pasaron a carreras en
solitario, aunque Clapton fue el más exitoso, consiguiendo sencillos y álbumes
de éxito en las décadas de 1970, 1980 y 1990.
Adaptaciones de Cream's Blues.
Una de las pistas más conocidas de Cream es "Sunshine
of Your Love", escrita por Clapton, Bruce y el letrista Pete Brown (
1968). La canción está construida alrededor de una figura de guitarra central
(a veces llamada "riff" o "lick") que se repite en la
guitarra y el bajo durante gran parte de la canción. (La técnica de construir
un número de blues alrededor de un riff central es común en el blues eléctrico
estadounidense). En "Sunshine of Your Love", este riff central se
combina con la estructura de blues de 12 compases para crear versos que se
repiten a lo largo de la melodía de acuerdo con el diseño formal de verso
simple. El patrón de 12 compases se duplica a veinticuatro compases, aunque las
proporciones siguen siendo las mismas: la primera frase de 4 compases ahora
tiene 8 compases, y la segunda y tercera frases se expanden de la misma manera.
La tercera frase se aparta un poco de la versión estándar de blues, pero se
deriva claramente de ese patrón. Al modificar elementos dentro del marco
estructural del blues de 12 compases, Cream crea una canción de blues-rock
original que se basa y amplía las técnicas y patrones tradicionales del blues.
The Jimi Hendrix
experience: el blues psicodélico se encuentra con la vanguardia.
Jimi Hendrix, nacido en Seattle, es uno de los guitarristas más influyentes en la historia de la música rock. Hendrix pasó la primera mitad de la década de 1960 (con la excepción de un corto período de servicio en el ejército de los EE. UU.) Tocando en varias bandas, incluidas temporadas con Little Richard y los Isley Brothers. En 1964 se mudó a Nueva York, donde trabajó con el cantante de soul Curtis Knight antes de formar su propia banda, Jimmy James and the Blue Flames. En julio de 1966, el bajista de Animals, Chas Chandler, ¿vio la actuación de Hendrix en Café Wha? en Greenwich Village y se ofreció a manejar al guitarrista. Chandler llevó a Hendrix a Londres en septiembre, donde formó la experiencia Jimi Hendrix con Hendrix, el baterista Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding. A pesar de ser estadounidense, Hendrix fue el primero en dejar su huella en la escena psicodélica de Londres. A principios de 1967, la interpretación de The Experience de "Hey Joe" ocupaba el sexto lugar en las listas de éxitos del Reino Unido, seguida de "Purple Haze" en mayo.
¿El primer álbum de la banda, Are You Experienced? (1967), fue un tremendo éxito en el Reino Unido durante la segunda mitad de 1967. Ascendió al puesto número dos detrás del Sgt. Pepper. El éxito de Hendrix en los Estados Unidos siguió a su aparición en el Festival Internacional de Pop de Monterey en el verano de 1967 Su primer álbum no fue lanzado en los Estados Unidos hasta agosto, y aunque le fue bien, "Purple Haze" alcanzó sólo el número sesenta y cinco y "Foxey Lady" se estancó en el número sesenta y siete en las listas de singles estadounidenses. A principios de 1968, Axis: Bold as Love estaba en el número tres en los Estados Unidos , y la banda siguió con Electric Ladyland ( 1968) y la compilación Smash Hits ( 1968; 1969). En el verano de 1969, pocas semanas antes de su legendaria actuación en Woodstock, the Experience se separó después de que Hendrix comenzara a explorar diferentes materiales más basados en el blues. Durante el año siguiente, Hendrix actuó y grabó ampliamente con muchos músicos diferentes, incluido el grupo Band of Gypsys. El 18 de septiembre de 1970, Jimi Hendrix murió de una sobredosis de drogas, interrumpiendo una carrera de menos de cuatro años en el centro de atención. “Purple Haze” y “Foxey Lady” de Are You Experienced? son buenos ejemplos de la distintiva mezcla de blues y pop de Hendrix. Ambas pistas emplean progresiones de acordes y materiales melódicos derivados del blues eléctrico para formar "ganchos" pop efectivos. En "Purple Haze", la línea, "Disculpe mientras beso el cielo", es seguida por una respuesta pegadiza en la guitarra, al igual que la línea titular "¡ Foxey Lady!" es respondida de forma paralela por la guitarra. Hay muchos ejemplos de la música experimental de Hendrix. "If 6 Was 9", de Axis: Bold as Love, dura más de cinco minutos, con tres minutos de ejecución instrumental con novedosos efectos de sonido de guitarra y algo de narración contracultural. Quizás la pista experimental más ambiciosa de Hendrix, "1983 (A Merman I Should Turn to Be)" de Electric Ladyland, llega en poco menos de catorce minutos. Después de unos cuatro minutos de la canción propiamente dicha (que está llena de efectos de cinta hacia atrás), la banda se lanza a una serie de secciones instrumentales atmosféricas sueltas que permiten a Hendrix, Mitchell y Redding una amplia oportunidad de brillar individualmente antes de terminar con una repetición de la canción. canción.
Inmediatamente después de la pista
está la pieza electrónica corta, “Moon, Turn the Tides. . . suavemente ",
que añade un toque final claro y vanguardista a" 1983 ". La
experimentación de Hendrix en el estudio de grabación (a menudo trabajó muy de
cerca con el ingeniero Eddie Kramer) claramente amplía el trabajo realizado por
otros, especialmente los Beatles y los Beach Boys. Su virtuosismo como
guitarrista sirvió de modelo para muchos importantes músicos de rock que lo
siguieron, y sus innovaciones sonoras que empleaban la retroalimentación y la
barra de vibrato de la guitarra eléctrica fueron muy imitadas. Sus
interpretaciones eran flotantes y, a menudo, sexualmente sugerentes o
físicamente destructivas, prendiendo fuego a la guitarra o destruyéndola de
alguna otra manera, y se convirtieron en el material de la leyenda del rock.
Traffic
A principios de 1967,
el Grupo Spencer Davis disfrutaba de un gran éxito. En los seis meses
anteriores, la banda tuvo dos sencillos entre los diez primeros en los Estados
Unidos y el Reino Unido. Durante ese tiempo, sin embargo, también circularon
rumores de que Stevie Winwood, de dieciocho años, dejaría el grupo. El tremendo
éxito del Spencer Davis Group trajo consigo limitaciones musicales que Winwood
estaba ansioso por abandonar en favor de explorar preocupaciones más
"musicales". Winwood dejó la banda y formó Traffic en abril de 1967
con el baterista Jim Capaldi, el guitarrista Dave Mason y el flautista/
saxofonista Chris Wood.
El primer sencillo de la banda, "Paper Sun" fue
lanzado en mayo de 1967 y capturó el carácter caprichoso del emergente poder de
las flores británicas con sus compases iniciales de sitar y voz alegre melodía.
El próximo sencillo de la banda, "Hole in My Shoe" lo hizo aún mejor,
llegando al número dos en el Reino Unido
A finales de 1967, la banda lanzó su primer álbum, Mr.
Fantasy, que alcanzó el número ocho en el Reino Unido. Con su segundo álbum,
Traffi c ( 1968), el grupo finalmente logró un éxito en los Estados Unidos, que
aumentó con el lanzamiento de Last Exit (1969). Mientras que Spencer Davis
Group se había arraigado firmemente en el rhythm and blues, Traffic experimentó
con una amplia gama de estilos. Las pistas del primer álbum combinan pop
psicodélico y blues ("Heaven Is in Your Mind") con ritmos latinos
("Dealer"), instrumentación clásica ("No Face, No Name, No
Number") y solos de jazz ("Colored rain"). El grupo se disolvió
a principios de 1969 y Winwood pasó a tocar con Clapton y Baker en Blind Faith
antes de reformar Traffic con Wood y Capaldi a principios de los 70s
Van Morrison
El cantautor irlandés Van Morrison llegó por primera vez a las listas de éxitos como miembro de la banda Them, cuyo "Baby Please Don't Go" ( 1964) y "Here Comes the Night" ( 1965) tuvieron éxito en el REINO UNIDO. La grabación de la banda de "Gloria", la cara B de "Baby Please Don’t Go", se convirtió en un clásico de la banda de garaje y fue la versión más famosa de Patti Smith (1976). En 1967, Morrison había emprendido una carrera en solitario, y este movimiento recibió un impulso sustancial gracias al éxito comercial de “Brown Eyed Girl” , una canción que ha sido un elemento básico de la radio estadounidense desde entonces.
Por muy pegadizas que puedan ser sus canciones de éxito, Morrison también tenía un lado más experimental, que se mostró claramente en el álbum de 1968 Astral Weeks. Grabado en Nueva York en menos de dos días, la cruda soltura del álbum influyó en muchos cantautores posteriores, aunque fue más un éxito crítico que comercial. Las pistas de Astral Weeks reúnen una amplia variedad de estilos, que incluyen música folclórica acústica, jazz, clásica y rhythm and blues, y muchas de las pistas se grabaron con músicos de estudio de primer nivel que improvisaron en apoyo de Morrison.
Esta dimensión altamente
improvisada de la música tiene una cierta cualidad aleatoria (azar) que fue
popular tanto en el jazz como en las actuaciones de vanguardia de la década de
1960. También hay conexiones con los aspectos experimentales de las actuaciones
de Pink Floyd o las prácticas de estudio aleatorias que se encuentran en el
Himno del sol de Grateful Dead. La música es suelta e improvisadora, pero rara
vez disonante o angular: es impresionista, jazzística y está llena de un
sentido de misticismo poético. Morrison llegó a ser un importante cantautor en
la década de 1970,.
Donovan y el folklore psicodélico.
Nacido como Donovan Philips Leitch, Donovan atrajo por primera vez la atención internacional como cantante y compositor tradicional con su sencillo de 1965 "Catch the Wind" . Al igual que la música de Bob Dylan, la música folclórica antigua de Donovan estuvo fuertemente influenciada por Woody Guthrie.
A medida que el folk rock se desarrolló a mediados de 1965, Donovan adaptó su música al nuevo estilo utilizando guitarras eléctricas, teclados, bajo y batería en sus arreglos. Entre los muchos músicos de estudio que tocaron en las grabaciones de Donovan estaban los futuros miembros de Led Zeppelin Jimmy Page y John Paul Jones. Donovan disfrutó de una serie de sencillos exitosos en el Reino Unido y Estados Unidos, incluidos "Sunshine Superman" ( 1966) y "Mellow Yellow" ( 1966; 1967).
Cuando la psicodelia y el poder de la
flor emergieron de las escenas subterráneas regionales a la cultura dominante
en 1967, el suave sentido melódico de Donovan, el rango estilístico ecléctico y
las letras, a menudo místicas, lo convirtieron en una figura destacada del
pacifismo hippie. Su éxito continuó con más sencillos como "Wear Your Hair
like Heaven" (1967) y "Hurdy Gurdy Man" ( 1968), el segundo de
los cuales presenta la interpretación no solo de Page y Jones sino también del
futuro Led. El baterista de Zeppelin John Bonham. Con "Atlantis" (
1968; 1969), Donovan llegó al borde del
utopismo de la contracultura, recitando la historia del continente perdido de
una manera que sugiere que su sabiduría perdida podría ayudar a reconstruir la
cultura occidental. La canción concluye con una larga sección de acompañamiento
similar al final de "Hey Jude" de los Beatles. Donovan permaneció
activo en la década de 1970, lanzando álbumes como Cosmic Wheels ( 1973) y
proporcionando música para películas, incluida Brother Sun, Sister Moon (1973)
de Franco Zeffi relli.
https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html
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