39. HISTORIA DEL ROCK - 80s - MTV / Michael Jackson / Prince y Janet Jackson.

 

LOS  AÑOS OCHENTA 

La década de los 80 comenzó con la derrota del presidente en funciones Jimmy Carter y la elección de Ronald Reagan, un actor de Hollywood convertido en político. La presidencia de Reagan marcó una nueva actitud conservadora en gran parte del país y en la cultura popular. En sus discursos y comentarios públicos, Reagan evocó imágenes del pasado idílico de Estados Unidos, y su estilo amable y "abuelo" ayudó a muchos a recuperar la confianza en el gobierno después de Watergate y la crisis de los rehenes en Irán. La política económica de Reagan fue impulsada por la "economía del lado de la oferta": impuestos más bajos para los estadounidenses ricos que, posiblemente, inspirarían a todos a trabajar más duro (porque mantendrían más ingresos). Su política exterior abarcó la construcción de fuerzas militares y sistemas de armas estadounidenses. Reagan creía que una carrera armamentista paralizaría a la Unión Soviética (a la que se refirió como el "imperio del mal"), cuya economía no podía permitirse seguir el ritmo de los avances estadounidenses. Sin embargo, en medio de esta acumulación de Guerra Fría, Mikhail Gorbachev se convirtió en líder del Partido Comunista en 1985, defendiendo políticas de glasnost (apertura) y perestroika (reestructuración del gobierno soviético según las líneas occidentales). Los historiadores difieren sobre a quién se le atribuye el mérito, pero en noviembre de 1989 (casi un año después de que Reagan dejara el cargo), el Muro de Berlín, símbolo de la división entre la Unión Soviética y las potencias occidentales, cayó, señalando el fin de la. guerra que había durado casi medio siglo. Para 1991, la Unión Soviética se había desintegrado y Estados Unidos emergió como la principal superpotencia del mundo. La década de 1980 también marcó el surgimiento y el crecimiento de la epidemia de SIDA, con más de 150,000 casos diagnosticados y más de 90,000 muertes relacionadas con el SIDA reportadas en los Estados Unidos entre 1981 y 1989. * El SIDA se hizo más visible públicamente por la estrella de cine Rock Hudson, quien murió a causa de la enfermedad en 1985. Hudson había sido un protagonista de comedias románticas durante años, y su homosexualidad fue una sorpresa para muchos de sus fanáticos. A pesar del sensacionalismo que siguió a la revelación de la sexualidad de Hudson, muchos estadounidenses aprendieron sobre el SIDA por primera vez, lo que llevó a una mayor conciencia de la enfermedad y su gravedad. En 1991, el líder de Queen, Freddie Mercury, sucumbió a la enfermedad, lo que aumentó aún más la conciencia del mundo de la música sobre el SIDA. La economía estadounidense creció de muchas maneras durante la década de 1980, pero ningún sector avanzó de manera tan impresionante y pública como la alta tecnología. El programa espacial había proporcionado muchos beneficios y tecnologías derivados, y el desarrollo de tecnologías cada vez más pequeñas Las computadoras más potentes hicieron posible que las computadoras domésticas fueran útiles y asequibles para la mayoría de los estadounidenses. Las primeras computadoras Apple de mediados de la década de 1970 se fabricaron a partir de kits. Sin embargo, a principios de la década de 1980, Steve Jobs y Steve Wozniak comercializaban una unidad doméstica más refinada, mientras que los fundadores de Microsoft, Bill Gates y Paul Allen, ofrecían el sistema operativo MS-DOS para IBM PC. En 1984, un comercial ahora famoso durante el Super Bowl anunció la llegada de la computadora Macintosh, y en 1985, la primera versión de Windows estaba disponible para PC. Estos años también marcaron el inicio del uso de Internet por parte del público en general; CompuServe ofreció correo electrónico doméstico en 1979 y chat en tiempo real en 1980, y el número de usuarios aumentó a lo largo de la década, aunque la verdadera explosión de Internet no se produciría hasta la década de 1990. Si bien muchos se beneficiaron de las tecnologías desarrolladas por la NASA, la agencia espacial también experimentó uno de sus mayores desastres en 1986. El transbordador espacial Challenger explotó minutos después de despegar, matando a todos los astronautas a bordo, incluida Christa McAuliffe. McAuliffe era un maestro de secundaria que estaba haciendo el viaje para traer aspectos del espacio profesional. gram en un contacto más directo con los escolares. Otra tecnología que experimentó un crecimiento espectacular durante la década fue la televisión por cable. A mediados de la década, muchos hogares estadounidenses estaban conectados para recibir películas, noticias y deportes premium de canales como HBO, CNN y ESPN. Más importante para la historia de la música rock, se lanzó MTV, creando competencia para la radio FM, que había sido la forma central de exponer la música a un gran número de oyentes. Y así como se vio obligada a compartir su audiencia con MTV, FM también estaba perdiendo patrocinadores ante un nuevo tipo de radio que estaba surgiendo en la banda AM: la radio hablada. Aprovechando la negligencia en la que habían caído muchas estaciones de AM, las emisoras emprendedoras como Rush Limbaugh comenzaron a ofrecer horas de comentarios políticos y culturales diarios, a veces desde la izquierda del espectro político, pero con mayor frecuencia desde la derecha. Pronto Limbaugh y otros construyeron redes de sindicación, reinventando en cierto sentido las cadenas de radio de los años 30 y 40, ya que millones de oyentes escucharon la misma programación en todo el mundo. el país (aunque National Public Radio también había estado haciendo lo mismo en la banda de FM durante años). La televisión reflejaba la renovada fascinación de Estados Unidos por el dinero y el poder. Quizás ningún programa capturó esto más vívidamente que Dallas, que debutó en 1978 y se centró en una rica familia petrolera de Texas dirigida por el cambiante J. R. Ewing. Los espectadores quedaron atrapados en el final de suspenso de la segunda temporada del programa, y ​​durante el verano de 1980 la frase "¿Quién disparó a J. R.?" saturó los medios. Family Ties también reflejó esta nueva tendencia conservadora, con una pareja liberal de mediana edad bromeando con su hijo conservador y astuto desde el punto de vista financiero, Alex. Si Family Ties subrayó los cambios que están ocurriendo en la clase media blanca, The Cosby Show reforzó los cambios que ocurren en la comunidad negra. Los personajes principales del programa, Cliff y Clair Huxtable, eran ambos profesionales (él era médico, ella era abogada), y la comedia giraba en torno a los problemas familiares que surgían entre ellos y sus varios hijos en edad escolar, pero nunca sobre cuestiones raciales ( a diferencia de The Jeffersons en la década de 1970, por ejemplo). Los Huxtable vivían en una bonita casa en una parte deseable de la ciudad, y su posición marcadamente de clase media alta enfatizó el ascenso y la visibilidad de la clase media negra durante la década. Sin embargo, los valores de la clase media recibieron un tratamiento completamente diferente cuando Los Simpson debutaron en 1989. Esta comedia animada en horario de máxima audiencia satirizó irreverentemente casi todas las dimensiones de la vida estadounidense; Sin jugar a favoritos políticos y tirando pocos golpes, estableció el modelo para muchas series animadas en la década de 1990. A medida que los hippies se hicieron mayores, la transformación cultural general de la clase media de los soñadores idealistas de la década de 1970 a los yuppies (jóvenes profesionales urbanos) bien equipados de la década de 1980 creó una crisis cultural para algunos. Esta preocupación por la identidad y la autenticidad se captura de manera efectiva en The Big Chill. En esta película de 1983, ambientada al ritmo del rock y soul de finales de los sesenta, un grupo de treintañeros amigos universitarios se reúne para el funeral de un amigo. Mientras están allí, cada uno asimila los cambios que han ocurrido en sus vidas a lo largo de los años. En medio del éxito que han logrado algunos de estos amigos, el espectador siente que han perdido el contacto con las cosas que originalmente los inspiraron y motivaron. La idea de venderse surge de manera mucho más obvia y contundente en la película de Oliver Stone, Wall Street, de 1987. Stone se propuso capturar la despiadada lujuria por el dinero y el poder que, en su opinión, caracterizaba a los profesionales del mercado de valores. Epitomizada por la frase “la codicia es buena”, la película brindó un vistazo al lado oscuro de los años de Reagan e ilustró cómo la conservadora década de 1980 era vista por aquellos con sensibilidad de 1960. Para la generación que alcanzó la mayoría de edad en la década de 1980, películas orientadas a la juventud como The Breakfast Club y St. Elmo's Fire lidiaron con los problemas sociales de la vida de los adultos jóvenes y ayudaron a definir nuevas actitudes culturales libres del bagaje de las décadas de 1960 y 1970. Ideologías de los setenta. Asimismo, aunque la música rock se benefició de la riqueza y la tecnología de la época, todavía mostraba a menudo la postura crítica de las décadas de 1960 y 1970. Las estrellas del pop hipermercado compitieron con músicos que criticaban la creciente división entre ricos y pobres, y las continuas brechas entre negros y blancos, heterosexuales y homosexuales, hombres y mujeres.

 QUIERO MI MTV

A finales de la década de 1970, el rock se vio cada vez más influenciado por la idea del gran álbum, y el disco y el punk desafiaron el status quo del rock. Aunque parecía que estos dos estilos eclipsarían el rock convencional durante la década de 1980, ni el punk ni el disco se volvieron importantes en la corriente principal de la música pop de la década de 1980. A principios de la década, el punk se retiró a una escena underground, reemplazado en el centro de atención por la nueva ola, que rápidamente se mezcló con las listas de reproducción de la radio de rock convencional. Después de recordar a los músicos que la música no era solo para escuchar, sino también para bailar, la locura por la música disco terminó casi tan rápido como había comenzado. Aunque el punk y el disco cayeron en desgracia, los legados musicales y culturales de ambos estilos continuaron en la década de 1980. Se esperaban grandes cambios para la música rock durante la década de 1980. Music Television (MTV) comenzó a desafiar a la radio como el medio más importante para la música popular, y el heavy metal y el rap emergieron del underground a fines de la década. El auge de MTV condujo al surgimiento de muchos actos orientados visualmente durante la década de 1980, y la música dance eventualmente formó el núcleo de la programación temprana de MTV. La década también vio el desarrollo continuo del rock convencional y la nueva ola, y el punk impulsó el desarrollo del hardcore y el indie rock.

MTV ESTÁ AL AIRE 

Las raíces de MTV en video promocional. 

A pesar de que los músicos de rock habían utilizado películas cortas y representaciones en video para promover su música durante décadas, la idea de una estación de televisión dedicada únicamente a videos promocionales no fue del todo factible hasta la década de 1980. De hecho, incluso a principios de la década de 1980, la idea les parecía extraña a muchas emisoras. Más que una iniciativa de la industria musical, la aparición de MTV estuvo estrechamente alineada con el desarrollo de la televisión por cable. Inicialmente, el cable se consideró necesario en áreas donde la transmisión de antena no era satisfactoria.  Como cualquier industria, la televisión por cable buscó formas de expandirse durante la década de 1980, incluso en áreas donde la transmisión por aire era perfectamente viable. Para desarrollar nuevos mercados, el cable tenía que ofrecer algo que las cadenas y las estaciones locales no podían ofrecer, y al principio la atención se centró en películas recientes transmitidas sin interrupciones comerciales. Debido a que no había comerciales, los clientes debían pagar por el servicio. Pronto, los canales de cable como Home Box Offi ce (HBO) tuvieron bastante éxito y los proveedores de cable buscaron más canales especializados para agregar a su lista. Se diseñaron canales dedicados a deportes, noticias y clima para reforzar los paquetes de cable. MTV se convirtió en el canal de cable que se centró en la música. La música rock no era un recién llegado a la televisión estadounidense a principios de la década de 1980. Volviendo a American Bandstand a finales de la década de 1950, los adolescentes habían demostrado que sintonizarían felizmente para escuchar música nueva y ver actuaciones (a menudo sincronizadas con los labios). La pregunta para las personas que desarrollaron MTV no era si los adolescentes sintonizarían, sino si verían la televisión musical durante todo el día en un canal especializado. En los primeros días de planificación de MTV, se propusieron dos modelos. El primero fue mostrar nada más que videos promocionales proporcionados por las compañías discográficas a su cargo. Los críticos de este enfoque señalaron que convertiría a MTV en nada más que un mecanismo publicitario para sellos discográficos. Esta facción crítica, liderada por el ex guitarrista de Monkees Michael Nesmith, presionó por un enfoque más artístico. Argumentaron que los videos deberían ser experimentales e innovadores, no simplemente comerciales. Vieron un gran potencial en los videos musicales para expandir la gama artística de la música pop al unir el cine y la música en una relación simbiótica. Al final, se utilizó el modelo corporativo y pasarían varios años antes de que los artistas exploraran los aspectos más creativos de los videos musicales. El 1 de agosto 1981, MTV salió al aire con "Video Killed the Radio Star" de Buggles,

 que siguió la tradición de los videos promocionales de la década de 1960. 

En el aire, pero ¿quién está mirando? 

MTV enfrentó enormes desafíos en sus primeros días, el primero de los cuales fue tener suficientes videos para llenar las horas de transmisión. Los videos habían ido ganando importancia en Australia, Nueva Zelanda y el Reino Unido, por lo que muchos grupos populares en estas regiones tenían material que ofrecer. En los Estados Unidos, también habían aparecido videos en programas como Saturday Night Live y Video Concert Hall (en la red estadounidense). Sin embargo, MTV necesitaba material para completar el ciclo de un día entero. Inicialmente, las compañías discográficas no estaban del todo convencidas de que invertir dinero en videos musicales redundaría en ventas adicionales, y muchos de los primeros videos musicales se grabaron con presupuestos reducidos. Una de las razones de las reservas de las compañías discográficas fue que la televisión por cable no estaba ampliamente disponible en Estados Unidos en la primera mitad de los años ochenta. Sin embargo, a medida que los televidentes se enteraron de los beneficios del cable, más y más comunidades agregaron el servicio y, al final de la década, era mucho más accesible. Inicialmente, MTV tenía su mayor audiencia donde HBO y otros servicios premium de películas por cable habían tenido éxito, principalmente en el Medio Oeste. A diferencia de HBO, MTV sí vendió publicidad, por lo que sus opciones de programación fueron impulsadas por este público objetivo del Medio Oeste, que consistía principalmente en adolescentes blancos. Para atraer a estos espectadores, MTV reprodujo videos de artistas de rock convencionales que, con raras excepciones, también eran blancos. Sin embargo, a medida que se creó más material nuevo a principios de la década de 1980, los estilos orientados a la danza también se volvieron centrales en la alineación de MTV. Un desafío importante a estos estereotipos se produjo a principios de 1983, con "Billie Jean" de Michael Jackson. 

Según algunos informes, MTV se negó a reproducir el video de Jackson porque era negro (o porque creían que sus espectadores blancos no querrían ver artistas negros). La leyenda en el negocio de la música es que el sello de Jackson, Epic, amenazó con sacar a todos sus artistas de MTV si el video no se transmitía, aunque esta historia ha sido cuestionada. El video de Jackson se reprodujo por primera vez en MTV en marzo de 1983, y el enorme éxito de "Billie Jean" aumentó enormemente la popularidad de la cadena. En poco tiempo, las compañías discográficas consideraron que los videos musicales eran herramientas promocionales cruciales para sus artistas, y MTV comenzó a competir con la radio FM como el lugar para hacer o romper récords de éxito. Con la lucha por representar a artistas no blancos junto con la creciente importancia de los videos musicales, a fines de la década de 1980 MTV se convirtió en una fuente de controversia en la comunidad del rock. Claramente, los videos musicales privilegiaban las características visuales sobre las musicales, y la apariencia de un artista se volvió primordial. Por lo tanto, MTV proporcionó la plataforma perfecta para los artistas que usaban la dimensión visual como una parte importante de su acto, mientras que a veces descuidaban a aquellos que no eran jóvenes, elegantes o físicamente atractivos. Para artistas como Michael Jackson y Madonna, que aprovecharon al máximo este nuevo conjunto de herramientas artísticas y promocionales, MTV permitió una forma completamente nueva de proyectar tanto la música como la imagen. 

MÚSICA DE BAILE DE LA DÉCADA DE 1980 

Video musical New Elite: Michael Jackson 

Como se discutió en el Capítulo 9, la carrera de Michael Jackson comenzó a principios de la década de 1970 en Motown con Jackson 5. Conocido por los éxitos del pop chicle, el grupo recurrió cada vez más a música de baile con orientación disco a mediados de la década de 1970, como la popular "Dancing Machine" (1974). Jackson dejó el grupo y Motown en 1975, firmando con Epic Records como solista. A medida que la música disco aumentó en popularidad a finales de la década de 1970, Jackson se asoció con el veterano productor Quincy Jones para grabar el álbum Off the Wall ( 1979), que contenía cuatro éxitos del Top 10 del pop. Jackson y Jones se unieron nuevamente para grabar Thriller ( 1982), que fue lanzado con enorme anticipación. Jackson estaba en el apogeo de su fama, y ​​la era de los videos musicales, que le sentaba perfectamente, estaba en alza. Thriller contenía siete sencillos entre los diez primeros, que incluían dos éxitos cruzados número uno, "Billie Jean" y "Beat It". “The Girl Is Mine”, un dueto con Paul McCartney,

 alcanzó el número dos en las listas de éxitos. Hasta la fecha, Thriller es el álbum más vendido en la historia del negocio de la música, con más de 100 millones de copias vendidas. El siguiente álbum de Jackson, Bad (1987), continuó este éxito, con cuatro canciones que alcanzaron el puesto número uno en las listas de pop y rhythm and blues durante 1987 y 1988: "Bad", "The Way You Make Me Feel 

, "No puedo dejar de amarte" y "El hombre en el espejo". A lo largo de esta increíble carrera en las listas, Jackson no solo vendió decenas de millones de discos para Epic, sino que también ganó numerosos premios. Podría decirse que fue la estrella más grande de la música popular durante la década de 1980 y se ganó el título de Rey del Pop. La música de Jackson en la década de 1980 casi siempre estuvo impulsada por un ritmo fuerte, mostrando no solo sus raíces en el black pop de la década de 1970, sino también su experiencia con la música disco. “Billie Jean” es representativa, comenzando con un ritmo establecido en el bajo y la batería, que sirve como base musical para la canción. La voz de Jackson proyecta una sensación de urgencia emocional contenida durante los versos, y el coro proporciona el gancho melódico más abierto y pegadizo. El famoso "ooo" de alta voz de Jackson se puede escuchar esparcido por toda la pista, que presenta un arreglo de Quincy Jones que se construye continuamente a medida que se desarrolla la canción. Jackson fue el artista perfecto para aprovechar la era del video emergente. Como intérprete, continuó la tradición de la coreografía hábil ya veces atlética que los Temptations hicieron famosa, actualizada con su guante plateado y el paso de baile patentado “Moonwalk”. Sus presentaciones en video brindaron la oportunidad de mostrar su enorme habilidad para bailar, haciendo que sus videos se destacaran a mediados de la década de 1980. Infundiendo una energía creativa sin precedentes en sus producciones de video, Jackson produjo videos musicales muy ambiciosos. El primero de ellos fue el video extendido de doce minutos de "Thriller", dirigido por John Landis de Hollywood y que emplea efectos especiales de última generación. La popularidad de este video en MTV se vio reforzada por un documental de una hora de duración titulado Making Michael Jackson's Thriller, que se emitió casi con la misma frecuencia que el propio video. Aunque los discos de Jackson posteriores a mediados de la década de 1970 ya no aparecían en Motown, continuó la práctica de Berry Gordy de cruzar la línea entre el ritmo, el blues y el pop. Dos de los principales éxitos de Thriller presentaban a músicos blancos que eran bien conocidos por los fanáticos del rock en ese momento. El dueto con Paul McCartney, "The Girl Is Mine", emparejó a Jackson con el Beatle más visible públicamente, y el solo de guitarra de Eddie Van Halen en "Beat It" trajo un ícono de la guitarra en ascenso a la escena. 

Todo esto era un asunto inteligente y ciertamente reflejaba los intereses musicales de Jackson. Sin embargo, las prácticas cruzadas de Jackson provocaron la ira de muchos críticos que lo acusaron de vender su negritud. Por supuesto, la estrecha asociación de Jackson con Motown durante la primera mitad de la década de 1970 lo convirtió en un objetivo especialmente atractivo. Jackson, sin embargo, nunca se echó atrás en sus esfuerzos por cerrar las brechas que vio entre la cultura blanca y negra, y continuó ampliando su rango musical hasta el final de su carrera.

Poco después de su lanzamiento en 1982, Thriller de Michael Jackson se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos. Contenía varios éxitos importantes, incluidos "Billie Jean", "Beat It" y "Thriller". Jackson aprovechó al máximo MTV para ayudar a promover su talento como músico e intérprete. Sus videos innovadores se convirtieron en clásicos instantáneos. Jackson se asoció con el director de cine John Landis para hacer el video de "Thriller", una película corta que presenta a Jackson como un novio adorable que se convierte en un monstruo espantoso. A pesar de la estética de la película de monstruos, el video le dio a Jackson suficiente tiempo para mostrar su exquisito baile. Jackson fue uno de los primeros intérpretes de la era MTV en combinar con éxito la música de éxito con imágenes artísticas.

 

MOTOWN 25: CELEBRACIÓN, NOSTALGIA Y ACTUALIDAD por Andrew Flory 

El 16 de mayo de 1983, un especial de televisión de dos horas transmitido por NBC titulado “Motown 25: Ayer, hoy y para siempre” que celebraba la música y los logros históricos de Motown. Con una reputación de crear estrellas de fama mundial, casi 700 singles en las listas de éxitos en su haber y una historia de integración exitosa de artistas negros en la corriente principal, había mucho que admirar en los logros de Motown durante su primer cuarto de siglo. El programa ganador de un Emmy fue principalmente un tributo al fundador de Motown, Berry Gordy, Jr., y fue producido al estilo de una entrega de premios. Presentado por el comediante Richard Pryor, contó con actuaciones musicales, bocetos de comedia y segmentos de danza coreografiados. El programa dejó en claro que la compañía, ahora oficialmente llamada Motown Industries, había cambiado drásticamente con el tiempo, pasando de ser una compañía discográfica con sede en Detroit a una corporación de entretenimiento a gran escala de Los Ángeles que conservaba poco del carácter, el sonido y el personal. de sus primeros años. Las actuaciones más importantes del programa fueron de ex artistas de Motown que habían dejado la compañía por los pastos más verdes de las principales discográficas. Apenas unas semanas después de la cima de "Sexual Healing", su primer éxito para Columbia, la actuación de Marvin Gaye incluyó un monólogo sobre las contribuciones negras a la cultura estadounidense (acompañado de su propio piano), seguido de su éxito de 1971 "What's Going On". " El final del programa incluyó una breve reunión de las Supremes, posiblemente el grupo de Motown más popular de la década de 1960, liderado por Diana Ross, quien había dejado Motown por RCA Records dos años antes. En un agradecimiento agridulce a Gordy, Ross reconoció las muchas deserciones del establo de Motown, asegurando a la audiencia: "No se trata de las personas que dejan Motown lo que es importante, sino de las personas que regresan, y esta noche todos volvieron". Uno de los artistas más notables que regresó fue Michael Jackson, cuya aparición en “Motown 25” sigue siendo legendaria en los anales de la música pop. En el momento de la transmisión, su segundo álbum para Epic Records, Thriller, estaba en medio de una carrera récord de un año en la cima de la lista de álbumes de Billboard 200, y fácilmente era el artista más popular del mundo. Después de una reunión de los Jackson 5, la anticipación de una canción de Jackson de la era moderna fue increíble, extendiéndose mucho más allá de la audiencia del estudio para incluir a los millones de televidentes. Thriller ya era un gran éxito, pero esta era la primera oportunidad que tenían muchos de los fans de Jackson de verlo interpretar este material en vivo. Caminó enérgicamente por el escenario mientras recordaba los viejos tiempos con Motown y luego, despojándose simbólicamente de su pasado juvenil, declaró su preferencia por las "nuevas canciones" y se lanzó a su éxito actual, "Billie Jean". No fue la interpretación vocal de esta canción que asombró a la nación, ya que la transmisión de televisión presentó a Jackson sincronizando los labios con su conocido disco. En cambio, la presentación física de Jackson tomó el centro de atención. Con su característico guante blanco con lentejuelas y calcetines plateados, su introducción fuertemente coreografiada comenzó con varios movimientos de cadera muy estilizados. Mientras la audiencia gritaba, los pies de Jackson se movían constantemente mientras pateaba y giraba libremente, acompañando frenéticamente el controvertido texto de la canción sobre la paternidad de un hijo ilegítimo. Sin embargo, no fue hasta el puente instrumental que Jackson hizo historia al realizar su movimiento de baile característico, el Moonwalk, por primera vez. Quizás más que cualquier otra aparición de su carrera, esta actuación de cinco minutos ayudó a definir a Michael Jackson como el "Rey del Pop". Pero en muchos sentidos, también ayudó a significar el final de la era Motown. En retrospectiva, “Motown 25” fue una empresa profundamente conflictiva. Subtitulado "Ayer, hoy, para siempre", este especial destacó la tarea casi imposible que Motown enfrentó a principios de la década de 1980: la necesidad de celebrar el pasado mientras se intenta seguir siendo vital en el presente. Esta fue una época de gran interés nostálgico en el ritmo y el blues tempranos, por lo que había un interés público real en que Motown explorara su propia historia. Sin embargo, la empresa había crecido y cambiado desde la década de 1960, y después de centrarse tanto en los días de gloria, "Motown 25" hizo poco para ocultar el panorama sombrío de su estado actual. Cada vez menos actos de Motown estaban rompiendo las listas de éxitos del pop, y la salida de muchos de sus artistas, compositores y productores más exitosos significó que la división de música de la compañía no era el gigante que alguna vez fue. Dos de los artistas de Motown más exitosos de la época, Lionel Richie y Rick James, ni siquiera asistieron a la grabación en vivo, lo que permitió que ex grandes de Motown como Ross, Gaye y Jackson se robaran el espectáculo. Aunque el programa era aparentemente un tributo al legado musical de la compañía, el alto valor de producción del programa destacó el hecho de que Motown estaba más interesado en la producción de televisión y cine que en la música. Además, el interés de la compañía en producir música se había alejado de los estilos que la convirtieron en un nombre familiar durante las décadas de 1960 y 1970. La gran banda de acompañamiento de Motown, los Funk Brothers, se había olvidado en gran medida después de que la compañía se mudó a Los Ángeles en la década de 1970, y “Motown 25” contó con una orquesta de entrega de premios. La orquesta hizo poco para recuperar el sonido temprano de Motown mientras respaldaba las actuaciones de grupos como Four Tops, Temptations y Miracles. Al final, el conflicto interno entre el pasado, el presente y el futuro de Motown cedió en 1988, cuando Berry Gordy, Jr.hizo el primero de varios movimientos para vender la empresa que alguna vez fue ferozmente independiente a un importante conglomerado empresarial. Esto marcó el final de lo que posiblemente fue el reinado más exitoso de propiedad negra en la historia de la música estadounidense hasta la fecha.

”

 

¿Mente sucia? Prince y Janet Jackson.

 Además de Michael Jackson y Madonna, Prince, con sede en Minneapolis, merece crédito por afirmar la diferencia racial y la sexualidad en la alineación de MTV a mediados de la década de 1980. El video de Prince para "1999" en realidad es anterior a "Billie Jean",

 y su práctica de usar imágenes sexuales descaradas, tanto en sus canciones como en sus presentaciones en vivo, se remonta a fines de la década de 1970, cuando Madonna todavía estaba en la universidad. Nacido como Prince Rogers Nelson, fue uno de los artistas más prolíficos de la década de 1980, escribiendo y produciendo una larga serie de discos de éxito bajo su propio nombre, a menudo tocando todos los instrumentos de sus discos, y escribiendo y produciendo a otros artistas, como Las raíces musicales de Time, Vanity 6 y Sheila E. 

Prince estaban en el pop negro y el funk de la década de 1970, y su cuidadoso control tanto de su música como de el de los proyectos de satélites se basa en la práctica de George Clinton, mientras que su enfoque de un solo hombre recuerda a Stevie Wonder. A los cuatro primeros álbumes de Prince les fue bien en el mercado del rhythm and blues, con Prince (1979) y Controversy (1981) 

alcanzando el número tres y conteniendo varios sencillos que se hicieron especialmente populares en las listas de Billboard "Hot Soul Singles". Durante este período inicial, Prince desarrolló su imagen como una figura sexualmente cargada y algo andrógina, y canciones como “Head” y “Jack U Off” le brindaron una amplia oportunidad para proyectar esta imagen en una actuación en vivo. Si bien había disfrutado de un modesto éxito en el crossover anteriormente, el lanzamiento en 1982 de su álbum 1999  convirtió a Prince en una estrella en el mundo del pop, impulsado por los sencillos "1999"  y "Little Red Corvette" 

 y su exposición en MTV. La pista principal encuentra a Prince empleando un fondo pesado de sintetizador, impulsado por un fuerte ritmo en la batería. Su técnica de usar diferentes voces para cada línea del verso se remonta a grupos de doo-wop como Clyde McPhatter and the Drifters, pero aquí las influencias más inmediatas son probablemente Sly and the Family Stone o the Temptations. Al final de "1999" se pueden escuchar las fuertes influencias del funk que apoyan la música de Prince. En 1984, Prince lanzó el largometraje semi-autobiográfico Purple Rain,

 que fue recibido con elogios de la crítica y acompañado por un álbum de banda sonora que rápidamente alcanzó el primer lugar en las listas de pop y rhythm and blues. Dos sencillos del álbum, "When Doves Cry" y "Let's Go Crazy", también llegaron al número uno en ambas listas de sencillos

. Siguieron más álbumes y sencillos de éxito en los años siguientes, incluidos La vuelta al mundo en un día (1985), Batman (1989) y Diamonds and Pearls ( 1991),

 cada uno de los cuales se vendió. más de dos millones de copias. La combinación de Prince de los ritmos funk y la extravagancia de George Clinton con una fuerte sensibilidad pop lo convirtió en uno de los artistas más influyentes de la década, y entre los artistas negros solo rivalizaba con Michael Jackson. Mientras Prince desarrollaba su estilo musical a fines de la década de 1970, la hermana menor de Michael Jackson, Janet, era una invitada habitual en la comedia televisiva Good Times. A principios de la década de 1980, Janet lanzó álbumes y sencillos paralelos mientras continuaba actuando en programas de televisión como Diff'rent Strokes y Fame. En 1986, sin embargo, se asoció con el equipo de producción y composición con sede en Minneapolis de Jimmy Jam y Terry Lewis, dos músicos que habían estado en la banda producida por Prince, The Time. Bajo su dirección, el álbum de 1986 de Janet, Control, se disparó a la cima de las listas de pop y rhythm and blues , contiene  seis sencillos de éxito cruzado. 

Proyectó una imagen de confianza e independencia con Control, y los ritmos duros detrás de esta nueva música mostraron la influencia del hip hop y el funk. Con la música de Jackson, Jam y Lewis se convirtieron en progenitores de un estilo de hip-hop y pop basado en la danza llamado New Jack Swing, que creaba texturas musicales densas y crudas a partir de cajas de ritmos y samples. El equipo de Jackson con Jam y Lewis siguió con Rhythm Nation 1814 (1989),

 que también encabezó ambas listas  y superó a Control al producir siete sencillos para llegar al top cinco del "Hot 100". Si bien Rhythm Nation 1814 adquirió un tono más serio y socialmente consciente que su predecesor, el plan original había sido proyectar una imagen más sexy y seductora de la cantante. Sería su próximo lanzamiento, Janet. (p1 r1 uk1, 1993), que lanzó la imagen de Jackson más orientada a los adultos. Esto fue subrayado por una infame foto de portada de Rolling Stone publicada en septiembre de 1993 que mostraba a Jackson en topless con sus pechos cubiertos solo por un par de manos de una persona invisible. De los seis sencillos de éxito en janet., El encabezado de las listas de éxitos "That’s the Way Loves Goes"

 ilustra el enfoque de producción adoptado por Jackson, Jam y Lewis. En marcado contraste con el entrecortado New Jack Swing de sus álbumes anteriores, "That’s the Way Love Goes" utiliza música extraída de la grabación de "Papa Don’t Take No Mess" de James Brown, creando un sonido más relajado y sensual. A lo largo de su carrera, el video jugó un papel central en la presentación musical de Janet Jackson. Al igual que con su famoso hermano, bailar era tan importante como cantar en las actuaciones de Janet (Paula Abdul coreografió muchos de los primeros videos de Janet), y la dimensión musical de sus videos ciertamente pasa a un segundo plano frente a la visual. Como hemos visto con Madonna y Michael Jackson, durante la era temprana de MTV, este equilibrio era especialmente difícil para los artistas visualmente estimulantes. 

 https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html