29 sept 2023

rock 'n' roll versus mundo del espectáculo


shockandawesimonreynolds2.blogspot.com



















Este es un diagrama que dibujé para ayudar a mis alumnos a conceptualizar el espacio discursivo de la música popular.


(Se me ocurrió esto solo, ¡solo para descubrir, para mi molestia, que Simon Frith desarrolló un esquema de tres lados similar en Efectos de sonido décadas antes! Sin embargo, en lugar de "showbiz", Simes usa el término "comercial". Yo prefiero " "el mundo del espectáculo" debido a sus connotaciones sabrosas (el grupo Hollywood/Las Vegas/Broadway ... las tendencias autorreflexivas de la zona: "no hay negocio como el espectáculo", "la vida es un cabaret") .


Cuando digo "espacio discursivo", es para dejar claro que no me refiero al sonido de la música (géneros, modos, estilos) sino a las ideas y la retórica que circulan en torno a la música. Sobre cómo los músicos explican la música a sí mismos y a los demás: para qué sirve, para qué sirve. Fanáticos y críticos (fanáticos profesionales) también están en este negocio de explicación. El espacio del triángulo no se trata de prácticas musicales per se sino de las expectativas que rodean a la música, en términos de impacto o recepción, la esfera de actitudes, valores y suposiciones. Dicho esto, existen diferencias estructurales en los arreglos creativos y comerciales que corresponden vagamente a las partes: en el sector del "entretenimiento", por ejemplo, se tiende a separar entre intérprete, compositor y productor/arreglador.


(Más tarde se me ocurrió que podría haber una cuarta cara. A ver si eres tan inteligente como algunos de mis alumnos y averigua cuál podría ser. En realidad, hay varias caras adicionales potenciales, aunque cada vez más empiezan a dejar atrás la "música popular". ).

Muchos artistas están firme y permanentemente establecidos en un lado u otro de este triángulo. Más interesantes son las carreras donde el artista se sitúa entre un eje y otro, o equidistante entre todos ellos. Las carreras más interesantes involucran a artistas que viajan en trayectorias a través del espacio triangular, comenzando en un lado y terminando en el otro, o zigzagueando de un lado a otro.

David Bowie se sitúa entre el arte y el espectáculo pero lejos del lado folk. (Incluso cuando adoptó brevemente el modo de juglar hippie de pelo largo con una guitarra acústica a finales de los años 60, no tenía mucho que ver con la ideología popular: ideas como comunidad, tradición, la canción con mensaje. simplemente buscando un circuito en el que tener éxito, siguiendo el modo predominante).

La carrera de John Lennon da saltos por todos lados: gira, retrocede, borra sus propios pasos.

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Pero, ¿y si hubiera una canción justo al comienzo de la era del rock and roll que hiciera lo del zig-zag? ¿Dónde una oscilación entre "folk" y "showbiz" era integral y constitutiva?

Bueno, está la versión de Elvis Presley de "Hound Dog", uno de los sencillos número uno de 1956 que lo convirtieron en una superestrella mundial.

Había sido un éxito de R&B número uno para Big Mama Thornton cuatro años antes, en 1952. Pero en un giro del mundo del espectáculo, este blues de doce compases fue escrito por Jerry Leiber y Mike Stoller (la separación de los roles de intérprete/escritor/productor es una norma estructural en la música de entretenimiento, desde el teatro musical hasta Motown y Nashville). (La canción está tan identificada con Leiber & Stoller que Hound Dog es el título de su autobiografía conjunta). Es una dura reprimenda a un hombre que es un usuario y un parásito financiero, entregada con picardía mundana. 


Elvis encontró la canción por primera vez en una versión diferente y en un contexto diferente: Las Vegas, la ciudadela del mundo del espectáculo. Un popular grupo de salón llamado Freddie Bell and the Bellboys había elaborado una versión irónica que alteraba la letra para que fuera menos salada ("cambiar una canción picante sobre un amante decepcionante por una canción que trataba literalmente sobre un perro "), mientras que la interpretación rayaba en el burlesco de cara negra. Presley y su banda escucharon esta interpretación cuando los Bellboys la interpretaron como parte de su presentación habitual como banda residente en The Silver Queen Bar and Cocktail Lounge en The Sands Hotel and Casino. El propio Elvis estuvo en la ciudad como artista en el Venus Room del New Frontier Hotel and Casino, un tercero en el cartel como "atracción adicional adicional" debajo de la orquesta Freddy Martin y el comediante Shecky Greene.


La versión de Presley implicó un re-rock de esta parodia del blues y el rock 'n' roll del mundo del espectáculo. El camino hacia eso implicó un encuentro humillante con las restricciones del mundo del espectáculo. El 1 de julio de 1956, Presley y su banda aparecieron en The Steve Allen Show. El presentador de este programa de variedades despreciaba el rock 'n' roll y aseguró que la actuación era ridícula. Elvis se vio obligado a ponerse un esmoquin y cantar "Hound Dog" a un basset hound que llevaba un sombrero de copa. Allen también le regaló a Presley un rollo de papel higiénico firmado, una broma cursi e insultante sobre el "rock 'n' roll".


Al día siguiente, Presley y la banda entraron al estudio de grabación, donde su enojo por el show de Steve Allen se transformó en una actuación agresiva del cantante, acompañada por la guitarra de Scotty Moore. El musicólogo Robert Fink afirma que esta versión de "Hound Dog" es "destaca por un nivel incesante de lo que sólo puede llamarse disonancia del rock and roll: Elvis simplemente grita... La guitarra de Scotty Moore es salvaje: tocando el ritmo se mantiene en el registro más bajo, cortando quintas abiertas y martillando los fuertes ritmos con curvas y tonos distorsionados; sus pausas repetitivas son punzantes e incluso, cuando comienza un estribillo en el tono equivocado, literalmente atonal... el baterista DJ Fontana simplemente se vuelve loco. La forma de ametralladora de Fontana en este disco se ha vuelto merecidamente famosa: la única parte de su kit consistentemente audible en la mezcla es la caja, tocada tan fuerte e insistentemente que los ingenieros de RCA simplemente se dieron por vencidos y dejaron que sus riffs se distorsionaran en salpicaduras de ruido recortado. . El efecto general no podría ser más diferente del divertido, desprecio relajado hacia Big Mama Thornton; No recuerda nada más que la furia del punk blanco de finales de los 70: los Ramones, Iggy Pop, los Sex Pistols.".


Yo mismo no puedo escuchar el 'punk', pero cuando escuché a Elvis et al (esto sería a finales de los 60, principios de los 70) ya era música antigua y pintoresca incluso para los oídos de mi hijo no escolarizado. Aún así, es notablemente más crudo en el canto y la interpretación y más contundente rítmicamente que la actuación del Steve Allen Show, que se siente atenuada o intimidada o una combinación de ambas. 

El mundo del espectáculo responde: Frank Sinatra se unió a la campaña del senador George Smathers contra la "música inferior", apuntando específicamente a "Hound Dog" con elogios burlones (" una obra maestra "). Oscar Hammerstein II sentía " un odio particular hacia 'Hound Dog' ". En una entrevista para un periódico, el cantante Perry Como declaró: " cuando escucho 'Hound Dog' tengo que vomitar un poco, pero en 1975 probablemente será un clásico un poco antiguo ".

A pesar de esto, en 1958 "Hound Dog" se había convertido en uno de los tres únicos sencillos que vendieron más de tres millones de copias: los otros eran "White Christmas" de Bing Crosby y "Rudolph The Red-Nosed Reindeer" de Gene Autry.

Y luego, el mundo del espectáculo, por supuesto, se come a Elvis por completo.  

Mientras que su primera reserva para Las Vegas en 1956 se acortó drásticamente (hasta sólo una semana) debido a las malas reacciones de la audiencia, en 1959 lo contrataron para un compromiso de cuatro semanas y cincuenta y siete espectáculos en el International Hotel, la sala de exposiciones más grande de la ciudad. , rompiendo en el proceso todos los récords de asistencia existentes en Las Vegas. Su primer álbum en vivo es Elvis in Person en el International Hotel, Las Vegas, Nevada.


Dirigido por su manager hacia donde está el dinero, la mayor audiencia (el lado del triángulo del mundo del espectáculo), lo que sigue es la secuencia interminable de películas musicales, la muerte en vida de Las Vegas en los años 1970...

Es famoso que solo hay un momento en el que Pelvis recupera su virilidad y regresa bruscamente al lado crudo y real del triángulo: el Comeback Special de 1968. Aquí hay un popurrí que intercala "Hound Dog" entre "Heartbreak Hotel" y "All Shook Up".


  

8 comentarios:

  1. Yendo directamente por la tangente aquí, pero una cosa que parece haberse olvidado fue cuán importante fue la muerte de Elvis. Lo recuerdo cuando era niño y era un evento enorme, al nivel de Diana. El luto de los medios pareció durar semanas, con la programación dedicada a Elvis ocupando los espacios de máxima audiencia de la BBC1 día tras día. Su padre, que llora, se convierte en una celebridad internacional. Las películas y biografías de Elvis se proyectan durante meses. Como espectáculo mediático fue mucho más grande que Punk.

    Y, sin embargo, cualquiera que no estuviera allí no tendría idea de que algo de esto había sucedido alguna vez. Es increíble realmente.

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    1. En realidad no lo recuerdo, pero en 1977 apenas prestaba atención a la música pop. Mi mente estaba en otras cosas; creo que principalmente en ciencia ficción.

      Se perdió el punk por completo, aparte de una o dos fotografías en los suplementos de color. Probablemente vi el episodio de The Goodies parodiando al punk.

      Lo único que realmente recuerdo haber notado ese año fue "I Feel Love" de Donna Summer, sonaba muy inusual. Y probablemente Abba.

    2. Quiero decir, sabía que había muerto, pero no recuerdo la sobrecarga. Pero probablemente era un experto en desconectarme de cosas irrelevantes para mí, y Elvis parecía de otra época.

    3. Debe ser una fase a la que llegas alrededor de las 9 o 10, porque experimenté la muerte de John Lennon como una molestia menor: había aprendido a desconectarme de los medios.

  2. ¿Podría un cuarto ser artesanal? Supongo que eso se ubicaría entre el folk y el mundo del espectáculo. Usando tus palabras, tal vez el virtuosismo sería mejor (el arte definitivamente parece la antítesis, ciertamente en un sentido post-punk). Sin embargo, parece un poco específico en un contexto pop moderno... a menos que incluyas la composición de canciones como un oficio que entonces realmente no funciona con el virtuosismo. Jazz, clásica, metal, sólo géneros que realmente me vienen a la mente. O ejemplos anticuados como Clapton.

    Pero luego tienes a alguien como hendrix a quien podría describir como artísticamente virtuoso. Parece que me he metido en un lío aquí...

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    1. Creo que el "artesanía" es algo que cualquiera de esos tres bandos existentes podría implicar: es una especie de conjunto preideológico de habilidades y procedimientos. Ciertos tipos de música ideológica popular o música ideológica artística, en determinadas coyunturas históricas, han tenido menos interés en el oficio: han preferido un sonido crudo, descuidado y aparentemente espontáneo, o han creído que las ideas y los conceptos cuentan más que la capacidad técnica, que la formación es un impedimento para la música. Pero no creo que el "artesanía" constituya en sí mismo toda una esfera ideológica que sea única en sí misma.

      La 'cuarta cara' que luego me di cuenta de que era un contendiente es 'funcional': música ambiental, new age, pero también, posiblemente, ciertos tipos de música dance (house y techno muy orientados a la función). Pero posiblemente también en "funcional" se incluiría música que desempeña un papel auxiliar respecto de otra forma de arte: la banda sonora, o lo que hizo BBC Radiophonic Workshop.

      El Taller Radiofónico utilizaba exactamente las mismas técnicas que las unidades de sonido experimentales basadas en radio francesas, italianas y alemanas, pero mientras que a la gente del continente se le permitía/alentaba a escribir sinfonías, etc., la gente del Taller estaba atada a su papel auxiliar de jingles, efectos de sonido, temas musicales, etc. para dramas de radio, series de televisión, etc. Es realmente un reposicionamiento retrospectivo impulsado por los consumidores y fanáticos que ha tratado su producción como "arte". Algunos de los veteranos de Radiophonic como Brian Hodgson están muy desconcertados por esto: gente que escucha seriamente efectos de sonido de 15 segundos o un jingle de 40 segundos.

      El mismo nombre Taller lo coloca en una posición nada artística, nada elevada y vagamente servil.

      El término "taller" en realidad proviene de la cultura teatral del Reino Unido posterior a la Segunda Guerra Mundial, el tipo de entorno del que surgió alguien como Shelagh Delaney. Una especie de idea del teatro proletarizada, desponceyificada y de West End. De hecho, el teatro se salvó del mundo del espectáculo y se convirtió en una especie de arte popular.

    2. Ése es un gran punto sobre la música "funcional". Otro ejemplo en esa categoría: la música utilizada para crear el ambiente para el amor, incluidos bailes lentos al final de la discoteca, y temas de Quiet Storm creados para ser una banda sonora para hacer el amor.

      Por supuesto, las percepciones y valoraciones cambian con el tiempo, por lo que los sencillos de Motown que alguna vez se consideraron profundamente adentrados en la dimensión funcional ahora son ampliamente considerados como declaraciones artísticas mayores que las óperas rock de Pretty Things y Who.

      Debo admitir que me siento un poco así con respecto a los innovadores electrónicos del siglo XX. Los fragmentos funcionales del Taller Radiofónico son a menudo más sorprendentes y divertidos que el trabajo de los titanes de las academias continentales.

      A pesar de todos sus resoplidos y resoplidos,

    3. Otro ejemplo de funcionalidad: música diseñada para acompañar y mejorar ciertos tipos de experiencia con las drogas. Así Dub, rock psicodélico, Trance, etc.

19 sept 2023

Bernard Butler








Biografía de Bernard Butler
 

por Stephen Thomas Erlewine

Aclamado por algunos críticos como el mejor guitarrista de su generación, Bernard Butler evitó las ramificaciones de esa afirmación, abandonando a los pioneros del pop británico Suede en la cima de su carrera en 1994 para dedicarse a su propia musa. Y, al igual que su ídolo Johnny Marr , la carrera en solitario de Butler fue todo menos predecible, ya que pasó de un trabajo de sesión a un dúo con David McAlmont y, finalmente, a una carrera discográfica como cantante y compositor solista.
Bernard Butler saltó a la fama con Suede , la banda indie británica que fusionó el glamour crunch con el arte musical y la angustia exagerada de los Smiths . Tras el lanzamiento de su sencillo debut en 1992, "The Drowners", Suede fue aclamado por muchos rincones de la prensa musical británica como la mejor banda de Gran Bretaña. En muchos sentidos, estuvieron a la altura de las expectativas, ya que su debut homónimo en 1993 rompió récords de ventas e inició la revolución del indie rock que se convirtió en Brit-pop. A pesar de su éxito, había importantes señales de problemas detrás de escena. Butler, un hombre introspectivo y tranquilo, no se llevaba bien con los tres miembros restantes, quienes tendían a deleitarse con los excesos del rock & roll. Aunque el éxito estadounidense se les escapó,Sin embargo, Suede se ganó un culto rabioso en los Estados Unidos y actuaron como estrellas en su primera gira, lo que solo enajenó aún más a Butler. Su padre murió en el otoño de 1993, lo que llevó a la banda a cancelar su gira.
Butler vertió gran parte de su dolor en la creación de "Stay Together", un sencillo grandioso que fue la primera música nueva de Suede desde su debut. Lanzado con grandes expectativas en 1994, fue visto como una decepción, a pesar de su alto puesto en las listas. Poco después, la banda comenzó a trabajar en su segundo álbum, la épica orquestada Dog Man Star . Para el verano, las tensiones estaban al límite, como lo ilustran las críticas de Butler a Anderson en una rara entrevista con la revista inglesa Guitar. En agosto decidió que ya era suficiente y dejó la banda; Más tarde criticaría bastante a Dog Man Star .
No permaneció mucho tiempo en silencio. A principios de 1995, se conectó con el cantante de soul de culto David McAlmont . No estaba claro si la colaboración era permanente o temporal, pero ese verano lanzaron dos sencillos, "Yes" y "You Do", que fueron un éxito modesto. Para el otoño, el dúo se había separado amargamente, con un álbum recopilatorio, The Sound of McAlmont-Butler, lanzado a principios de 1996. Durante gran parte de ese año, trabajó como acompañante, tocando en álbumes de Aimee Mann y James ' . Tim Booth. A principios de 1997, Richard Ashcroft lo invitó a tocar con el grupo reunido Verve.Aunque las sesiones transcurrieron bien, The Verve decidieron arreglar sus diferencias con su guitarrista, Nick McCabe . No hubo resentimientos entre Butler y The Verve, pero toda la experiencia lo convenció de que era hora de comenzar una carrera en solitario en serio. Firmó con Creation y comenzó a trabajar en su primer álbum, tocando él mismo casi todos los instrumentos. Lanzado en el otoño de 1997, su primer sencillo, "Stay", indicaba que iba en una dirección más moderada que Suede . Esas sospechas fueron confirmadas por su debut de larga duración, People Move On , un álbum de cantautor con tintes folk lanzado con críticas generalmente positivas en la primavera de 1998. Friends and Lovers siguió dos años después.


ADALA ft. TRIBADE - AMOR AL BARRI [2023]


Un homenatge a les companyes que lluiten diàriament pel dret a un habitatge digne a Catalunya i a tot el territori creient en un món més just i més nostre. Muntatge: Guiu Vallvé Grafismes: Maria Conill Veu i lletra: Adala, Tribade Producció: 'Siva' Quim Simó, Otger Ibars i Adala Mix: 'Siva' Quim Simó Master: Jan Valls Bateria: Indra Vila Baix: Omar López Teclats: Otger Ibars Guitarra: Mato Anderson Saxo: 'Siva' Quim Simó Flügel: Neus Aranda Estudi: Radi Studios Segell: Radi Solar