MAINSTREAM
ROCK, PUNK Y NEW WAVE
De muchas maneras, el espíritu de la música psicodélica
continuó hasta bien entrada la década de 1970. A mediados de la década, varias
manifestaciones del rock hippie se habían convertido en el status quo. El punk
y la nueva ola también comenzaron a desafiar la dominación comercial del rock
convencional. La música rock se había convertido en un gran negocio y algunos
críticos y fanáticos argumentaron que esto estaba comenzando a tener un efecto
negativo en la sustancia musical del rock. Según este punto de vista, que se
basaba en una creciente necesidad de autenticidad en el rock, los músicos
estaban diseñando su música para el mayor atractivo popular en lugar de como
expresiones musicales sinceras. Si bien la primera mitad de la década de 1970
fue principalmente una época de nuevos estilos emergentes que desarrollaron
aspectos de la música psicodélica, la segunda mitad puede verse en gran medida
como una consolidación de estilos anteriores. El rock comercial continuó
desarrollándose en la corriente principal, mientras que el movimiento punk
floreció en escenas underground en Nueva York y Londres, y finalmente emergió
en la corriente principal en forma de new wave. El punk y la nueva ola se
posicionaron en oposición al rock convencional: rechazaron los sonidos
sofisticados y altamente producidos de las bandas hippies en favor de la
simplicidad, que creían que había sido fundamental para el rock pre-hippie.
Para entender contra qué se rebelaron los punks, debemos explorar cómo creció
el negocio de la música rock a lo largo de la década de 1970.
MAINSTREAM ROCK: 1975–1980
La radio FM pasa de la forma
libre de fines de la década de 1960 a AOR. La industria de la radio experimentó
un tremendo crecimiento en la década de 1970. A principios de la década, las
estaciones de FM transmitían música rock y se centraban en los cortes de
álbumes, siguiendo el modelo establecido por Tom Donahue en San Francisco. Este
formato se convirtió en lo que ahora se llama "rock orientado a
álbumes" o AOR. El cambio fue acompañado por una disminución en la
libertad de los disc jockeys para elegir su propia música. Al final de la
década,
Muéstrame el camino: el advenimiento del "gran álbum".
Las corporaciones que suscitaron preocupación entre los críticos del rock convencional no se limitaron a la radio. Impulsado por el crecimiento constante de la cultura hippie, todo el negocio discográfico experimentó una transformación durante la década de 1970. La cultura del rock psicodélico celebrada en Woodstock en el verano de 1969 se había convertido en la cultura del rock hippie que floreció por todo el país en los primeros años de la década de 1970. A mediados de la década, quedó claro que se podía ganar más dinero con la música rock de lo que nadie hubiera imaginado. Un factor significativo en esta comprensión fue la aparición del "gran álbum". Generalmente, antes de mediados de la década de 1970, la mayoría de las bandas y sus sellos discográficos estarían encantados si un álbum vendiera 500.000 copias, logrando lo que la industria discográfica de Estados Unidos (RIAA) llamó un premio de álbum “de oro”. Sin embargo, a medida que más discos comenzaron a alcanzar este nivel, la RIAA lanzó un premio “Platino” por ventas de un millón de copias. Un buen ejemplo de un álbum vendido por millones de la década de 1970 es el álbum en vivo de Peter Frampton, Frampton Comes Alive! (1976). Frampton había sido miembro de Humble Pie, pero se fue para ir en solitario después del álbum Rockin ’the Fillmore en 1971. Estilísticamente, la música de Frampton ejemplificó el rock accesible y medio de la época que se centró en sus solos de guitarra y composición melódica. Después de lanzar cuatro álbumes en solitario de éxito moderado, Frampton Comes Alive! fue un éxito de taquilla, alcanzando el número uno en las listas de álbumes de EE. UU. y produciendo los sencillos "Show Me the Way"
"Baby, I Love Your Way" y "Do You Feel Like Nosotros lo hacemos ”. Las ganancias financieras sustanciales de álbumes como Frampton Comes Alive! ayudó a transformar el negocio discográfico en una atractiva posibilidad de inversión. Las grandes corporaciones multinacionales sin experiencia previa en música (Phillips Petroleum, por ejemplo) compraron sellos discográficos con la esperanza de sacar provecho del "gran álbum". El circuito de conciertos también había cambiado, a medida que los lugares se hicieron más grandes y las giras nacionales e internacionales se convirtieron en la norma para las bandas firmadas por sellos discográficos importantes. Los teatros y los salones de baile eran demasiado pequeños para actos importantes, por lo que los espectáculos se trasladaron a estadios y estadios deportivos, y los récords de asistencia se batían regularmente. Los puntos de referencia importantes del circuito de rock en vivo fueron el alcance y los lugares que tocaron en las giras de los Rolling Stones en 1969 y 1972, y el regreso de Bob Dylan a las giras en vivo con la Banda en 1974. El crecimiento en los ingresos por discos y conciertos hizo que los músicos comenzaran a disfrutar los frutos de mayores ganancias, que llevaron al uso de jets privados, largas estadías en costosos estudios de grabación y la ingestión de cantidades significativas de drogas caras e ilegales. Una mirada estereotipada a los excesos del circuito de giras de rock a mediados de la década de 1970 se describe en el documental inédito (pero ampliamente disponible) Cocksucker Blues, que sigue a los Stones en su gira de 1972 por Estados Unidos.
Hasta ahora, la vida ha sido buena para mí: más álbumes importantes.
Entre los álbumes que siguieron a Frampton Comes Alive! en el gran sorteo estaba Eagles 'Hotel California, que alcanzó el número uno en los Estados Unidos a principios de 1977 e incluyó tres canciones de éxito: "New Kid in Town" , "Hotel California" y “life in the fast lane. El guitarrista Joe Walsh reemplazó a Bernie Leadon en este álbum, y la banda abandonó su enfoque relajado de country rock por un rock más duro y un estilo más convencional. The Eagles siguió con The Long Run , que estuvo entre los mejores álbumes de 1979.
Mientras Frampton and the Eagles produjeron álbumes de éxito durante este período, Fleetwood Mac pronto llevó el fenómeno de los grandes álbumes aún más lejos. Fleetwood Mac había comenzado como una banda de blues británica a fines de la década de 1960, dirigida por el guitarrista Peter Green e incluido el guitarrista Jeremy Spencer, el baterista Mick Fleetwood y el bajista John McVie. La banda disfrutó de cierto éxito en Inglaterra con Fleetwood Mac de Peter Green 1968) y un sencillo número uno el mismo año con "Albatross". En 1971, Green y Spencer habían dejado el grupo y la tecladista y vocalista Christine McVie se había unido, seguida poco después por la guitarrista y vocalista Lindsay Buckingham y el cantante Stevie Nicks. El estilo de la alineación renovada cambió significativamente, centrándose en el rock convencional y las baladas lideradas por Buckingham, Nicks y Christine McVie, los recién llegados y principales compositores del grupo. El nuevo quinteto lanzó Fleetwood Mac en 1975, que poco a poco ascendió en la lista de álbumes de Billboard, alcanzando el número uno en los Estados Unidos en 1976. El álbum contenía varios sencillos populares, incluidos "Rhiannon"y "Say You Love Me" . Rumors, el próximo lanzamiento del grupo, fue aún más exitoso. Pasó treinta y una semanas en el número uno en las listas de Billboard en 1977 y contenía las canciones de éxito "Go Your Own Way" , "Dreams" y "Don’t Stop"
. Ningún álbum había vendido tantas copias y dominado la música pop de esta manera. Fleetwood Mac nunca duplicaría el éxito de Rumors, aunque continuaron lanzando álbumes exitosos en la década de 1980, incluidos Tusk (1979), Mirage ( 1982) y Tango in the Night ( 1987). Uno de los efectos de la búsqueda del álbum de gran éxito dentro de la industria discográfica fue fomentar una actitud conservadora. Al buscar el próximo Frampton, Eagles o Fleetwood Mac, las compañías discográficas estaban menos dispuestas a arriesgarse con bandas que podrían ser interesantes pero que probablemente vendieran solo 350.000 discos, una cifra que había sido aceptable solo unos años antes. Cada nueva banda era una entrada en la lotería de los grandes álbumes, y el personal de las compañías discográficas parecía preguntarse cada vez más: ¿Por qué perder una oportunidad en un grupo que no puede ganar? Cuando los críticos modernos lamentan la A fines de la década de 1970, a menudo se debe a que sienten que las compañías discográficas mataron el espíritu de la música rock cuando se obsesionaron con el gran álbum. Este es, sin duda, el período en el que los intereses corporativos se interesaron en la música como una forma de ganar dinero, sin tener en cuenta cómo sonaba la música o lo que representaba, siempre que los beneficios financieros pudieran realizarse.” .
Mantener enfoques anteriores: sigue siendo rock and roll para mí.
Ya se ha comentado cómo la amplia gama de estilos de rock de la década de 1970 surgió de la sopa de rock primordial de la psicodelia. El rock a principios de la década de 1970 estaba repleto de enfoques estilísticos en competencia que son relativamente fáciles de distinguir entre sí. A mediados de la década, sin embargo, estos estilos comenzaron a mezclarse, reduciendo la utilidad de las antiguas etiquetas estilísticas. En cambio, el rock convencional retrocedió hacia un estilo más unificado en el que los elementos de estilos anteriores podían detectarse fácilmente pero las combinaciones de características eran menos predecibles. Esta "salida nocturna" de los estilos anteriores a veces se atribuye a la actitud conservadora que se generalizó en los procesos de toma de decisiones de las compañías discográficas, una acusación formulada por los críticos del banal "rock corporativo". Si bien vimos el rock de principios de la década de 1970 a través de la lente de la expansión estilística, el rock mainstream de la segunda mitad de la década se verá en este capítulo como un proceso de consolidación estilística. Es importante comprender cómo el rock convencional continuó y extendió los estilos anteriores, al mismo tiempo que reunía elementos que se habían utilizado anteriormente para distinguir entre estilos. Al igual que Fleetwood Mac, muchos grupos que estaban activos a principios de la década de 1970 se hicieron más populares más adelante en la década, creando una fuerte relación entre los estilos anteriores. Esta situación era nueva para la música rock: los músicos de rock podían mantener carreras activas a medida que se acercaban a la mediana edad. Los Rolling Stones, por ejemplo, continuaron grabando y realizando giras en la segunda mitad de la década de 1970, contratando al ex guitarrista de Faces Ron Wood para reemplazar a Mick Taylor y lanzando Black and Blue ( 1976), Some Girls (1978) y Emotional Rescue ( 1980).
Solo unos años después de la ruptura de los Beatles, Paul McCartney formó Wings con su esposa Linda, el guitarrista Denny Laine y el baterista Denny Seiwell. Teniendo en cuenta la popularidad del líder, no fue una sorpresa cuando el primer álbum de la banda, Red Rose Speedway, alcanzó el número uno en las listas de Estados Unidos en 1973, y la balada "My Love" encabezó las listas de singles estadounidenses
. El álbum más exitoso de Wings, comercial y estéticamente, fue Band on the Run ( 1974), en el que McCartney actualizó con éxito su estilo para crear un álbum de pistas bien elaboradas. Wings continuó disfrutando del éxito con una serie de álbumes y sencillos que encabezaron las listas de éxitos antes de que el grupo se disolviera en 1981
. A diferencia de los Stones y McCartney, que habían mantenido su popularidad desde principios de la década de 1960, la Steve Miller Band tuvo mucho más éxito en la década de 1970 que ellos jamás había tenido en la década de 1960. Comenzando con The Joker ( 1973), que contenía un single homónimo número uno, Miller y compañía fueron participantes regulares en las listas de álbumes y singles estadounidenses.
Fly Like an Eagle ( 1976)
es quizás el álbum más conocido de la banda, que contiene los temas "Fly Like an Eagle" , "Rock 'n' Me" y "Take the Money and Ejecutar ”. En todos estos casos, los artistas que fueron populares (o activos) en la década de 1960 extendieron sus carreras hasta finales de la década de 1970 manteniendo la esencia de su estilo musical. Además de las bandas con raíces en la década de 1960, muchos grupos que alcanzaron el éxito por primera vez a principios de la década de 1970 continuaron construyendo sobre su éxito durante el resto de la década. Ante la marcha de Tom Johnston debido a una enfermedad, los Doobie Brothers incorporaron al pianista y cantante Michael McDonald y adoptaron un enfoque estilístico que ponía más énfasis en las influencias del jazz. Los discos resultantes Takin ’It to the Streets ( 1976) y Livin’ on the Fault Line ( 1977) restablecieron la banda, pero Minute by Minute (, 1979) llevaron al grupo a nuevos niveles de éxito comercial. El álbum contenía la exitosa canción "What a Fool Believes" (1979)
, que rápidamente se convirtió en un elemento básico
de la radio FM. KISS también alcanzó su pico comercial en los Estados Unidos
durante este mismo período con los álbumes en vivo Alive! ( 1975), que
contenía la versión en vivo más popular del sencillo "Rock and Roll All
Nite" , y Alive II
Repensar enfoques anteriores: recién llegados a fines de la década de 1970
. Varias bandas de la corriente principal que surgieron en la segunda mitad de la década de 1970 también parecían adoptar características de música anterior, dándoles forma para adaptarse a los nuevos formatos de radio más restringidos. La banda Boston, por ejemplo, mezcló blues rock con aspectos del rock progresivo para producir música que se vendió bien y recibió una generosa reproducción radial. Su primer álbum, Boston, fue lanzado a principios de 1977 y rápidamente escaló al número tres en las listas de álbumes . Como una canción de rock compacto con varias secciones instrumentales muy organizadas, "More Than a Feeling" es representativa del enfoque del grupo.
El siguiente álbum de Boston, Don't Look Back (1978) parecía asegurar su éxito continuo, pero una disputa con su sello discográfico impidió que la tan esperada Third Stage fuera lanzada hasta 1986. Si alguna banda de finales de los 70 aparecía que el éxito de la radio podría provenir de la fusión de estilos populares de principios de la década de 1970, fue Foreigner. Formado por el guitarrista Mick Jones y con la voz principal de Lou Gramm, el debut de la banda, Foreigner (1977), y las pistas "Feels Like the First Time" y "Cold as Ice" los establecieron rápidamente. con el público estadounidense.
El siguiente álbum, Double Vision
(1978), contenía los exitosos sencillos "Hot Blooded" y
"Double Vision" . El enfoque vocal de Gramm se derivó claramente
de un interés en el ritmo y blues, mientras que los ganchos de guitarra
blues-rock de Jones impulsaron las canciones. Sin embargo, a diferencia del
enfoque tradicional del blues-rock, estaba el uso prominente de teclados,
claramente influenciado por rockeros progresivos como Yes y Emerson, Lake &
Palmer, pero reducido a dimensiones amigables con la radio.
Los músicos que estuvieron activos en otras bandas durante la década anterior también formaron muchos de los grupos nuevos más populares de finales de la década de 1970. Por ejemplo, cada miembro de Foreigner, salvo Lou Gramm, se había desempeñado profesionalmente antes de formar equipo a mediados de la década de 1970. Journey es otro ejemplo de un nuevo grupo formado por miembros mayores. Ex de Santana, el guitarrista Neal Schon y el organista Greg Rolie, se unieron al bajista Ross Valory (ex Steve Miller) y el baterista Aynsley Dunbar (ex Zappa) para formar el núcleo instrumental de la banda. Journey experimentó sólo un éxito moderado hasta que agregaron al cantante Steve Perry para su cuarto álbum, Infi nity ( 1978). El álbum contenía elementos básicos de radio como "Lights" (un buen ejemplo del estilo de balada poderosa de la banda) y "Feelin’ That Way "(un ejemplo de su enfoque de rock más duro). Con la altísima voz de tenor de Perry y el pesado sonido de guitarra del grupo, el estilo de Journey se basó en muchos aspectos en el legado del rock progresivo. A medida que se cerró la década, la popularidad de Journey creció, con Departure (1980) convirtiéndose en el primer álbum Top-Ten del grupo y Escape alcanzando el primer lugar en 1981. Surgida de Los Ángeles y con la virtuosa guitarra de Eddie Van Halen y las payasadas del cantante David Lee Roth, la música de Van Halen proporcionó una visión general de la emergente escena del metal con sede en California, que exploró formas más antiguas de rock en formas extremadamente nuevas. maneras. La banda irrumpió en las listas a finales de la década de 1970 con un estilo que mezclaba rock duro con voces basadas en el blues y una interpretación de guitarra futurista. Su álbum Van Halen (1978) contiene una versión de "You Really Got Me" de The Kinks y posiblemente su pista más conocida, "Runnin’ with the Devil ".
Van Halen se
convirtió rápidamente en un favorito de la radio, y los álbumes Van Halen II (, 1979) y Women and Children First (1980) claramente establecieron
a la banda como uno de los nuevos grupos de rock más prometedores. En muchos
sentidos, el enfoque de Van Halen debe mucho a los primeros rockeros de blues
británicos, especialmente a Deep Purple,
Rock progresivo renovado.
En su mayor parte, el movimiento de rock progresivo había gastado sus energías a mediados de la década: King Crimson se había disuelto, Peter Gabriel había dejado Genesis y muchas de las otras bandas estaban acabando. Sí fue la excepción, ya que Going for the One de 1977 alcanzó el número uno en las listas de Estados Unidos y el Reino Unido (el mismo año en que el punk comenzó a dejar su huella en Gran Bretaña). En muchos sentidos, le correspondió a dos bandas estadounidenses renovar el estilo del rock progresivo para la radio de fines de la década de 1970: Kansas y Styx. Kansas disfrutó de un éxito moderado hasta su cuarto álbum, Leftoverture (1977), que contenía el éxito "Carry On Wayward Son" . Impulsado por la composición del tecladista Kerry Livgren y el canto de Steve Walsh, Kansas eliminó parte de la extravagancia asociada con el rock progresivo, consiguiendo que sus pistas se redujeran al rango de cuatro minutos alentado por la radio. El álbum más exitoso de la banda fue Point of Know Return (1978), que contenía la balada "Dust in the Wind"
. Al igual que Kansas, el Styx de Chicago reformuló la grandeza del rock progresivo de una manera más económica. Aunque Styx solía cantar sobre temas progresivos, como el espacio, el futuro y la ficción científica, y el grupo creó pistas largas, su música no era tan compleja como el rock progresivo de Yes o Genesis. Después de conseguir un éxito con “Lady” (1975), no fue hasta su séptimo álbum que tuvieron un éxito comercial significativo. The Grand Illusion subió al número seis en las listas de Estados Unidos en 1977, con "Come Sail Away" , una pista que combina teclados wakemanescos con un enfoque pop-rock más simple. Styx continuó disfrutando de álbumes exitosos en la década de 1980 con Cornerstone ( 1979), Paradise Theatre ( 1981) y Kilroy Was Here ( 1983). Quizás la más duradera de las bandas influenciadas por el rock progresivo que surgieron en la segunda mitad de la década de 1970 fue el poderoso trío canadiense Rush. La banda dejó su huella por primera vez en 1976 con su cuarto lanzamiento, el álbum conceptual 2112, y siguió con una serie de discos que fueron cada vez más populares. En 1980, Permanent Waves alcanzó el puesto número cuatro en los Estados Unidos cuando la mayoría de las bandas se estaban alejando de los ambiciosos álbumes conceptuales. Debido a que la banda dependía de la guitarra de Alex Lifeson en lugar de los teclados por su color armónico, su sonido evitó parte de la pretensión clásica que generó tantas críticas de las bandas originales de rock progresivo. Las voces agudas del bajista Geddy Lee recordaban tanto a Yes como a Led Zeppelin. La virtuosa percusión de Neil Peart y las letras ambiciosamente poéticas también dejaron en claro que no había un retorno a la simplicidad en la música de Rush. El trío canadiense se ha mantenido comercialmente exitoso hasta el día de hoy, con álbumes más vendidos y giras con entradas agotadas, mucho después de que la mayoría de las otras bandas progresivas se hubieran separado.
Los artistas norteamericanos no fueron los únicos que reelaboraron el rock progresivo estilo. Electric Light Orchestra (ELO) se formó originalmente a partir de las cenizas de la banda psicodélica británica The Move. Pronto se convirtió en el vehículo para el canto y composición del guitarrista Jeff Lynne, cuya deuda estilística con Sgt. Los Beatles de la era de la pimienta son inconfundibles. ELO tomó la idea de la banda de rock con acompañamiento de cuerdas de cámara, desarrollada por los Beatles en temas como “Strawberry Fields Forever” y “I Am the Walrus”, y la convirtió en su marca registrada. Después de un éxito moderado en el Reino Unido durante la primera mitad de la década, ELO se abrió paso en los Estados Unidos con su quinto álbum, Eldorado ( 1975), impulsado conceptualmente, que contenía el éxito “Can't Get It Out of my head ”( 1975).
La banda siguió con una serie de sencillos de éxito, entre ellos "Evil Woman" ( 1976), "Telephone Line" (1977)
y "Don’t Bring Me Down" (1979). Los aspectos estilísticamente eclécticos de la última producción de los Beatles y el posterior movimiento progresivo británico también inspiraron a Queen. Con el canto de Freddie Mercury y la guitarra de Brian May, la banda logró su primer éxito en el Reino Unido con Queen II (1974). Sheer Heart Attack (1975) llamó la atención de Queen a los oyentes en Estados Unidos, mientras que A Night at the Opera (1976), con la extravagante "Bohemian Rhapsody"
, estableció a la
banda como una cruz entre los aspectos glamorosos de David Bowie y las
ambiciones clásicas de los rockeros progresivos. Queen continuó su éxito hasta
finales de la década de 1970 con A Day at the Races ( 1977) y News of
the World (1977), el último de los cuales contenía el himno one-two
punch "We Will Rock You" y "Somos los campeones." Más éxito
siguió a principios de la década de 1980 con el lanzamiento de The Game ( 1980), que contenía “Another One Bites the Dust” . Si bien muchos
fanáticos estaban convencidos de que era gay, tal vez impulsados por su uso
de trajes de escenario flotantes, el propio Mercury nunca reveló completamente
su orientación sexual al público. Sin embargo, su muerte a causa del SIDA en
1991 aumentó la conciencia pública sobre una enfermedad que había devastado a
la comunidad gay durante varios años. Como estrella de rock prominente, la
muerte de Mercury también obligó a muchos fanáticos del rock a confrontar
estereotipos sexuales, abriendo la puerta para que muchos músicos gays se
sintieran cómodos al revelar su orientación sexual al público.
Cantantes, compositores y bandas.
A mediados de la década de 1970, los cantautores solían estar al frente de bandas, manteniendo el vínculo íntimo creado por las letras de búsqueda del alma, pero explorando estilos de rock más duros en su música. En la mayoría de los casos, esto significó que las propias bandas, aunque ahora más prominentes, todavía no eran el foco del acto. El decano de cantautores estadounidenses, Bob Dylan, volvió a hacer giras en apoyo del exitoso álbum Planet Waves ( 1974).
Después de una exitosa gira con The Band en 1974, Dylan lanzó Blood on the Tracks ( 1975),
que desde entonces se ha convertido en un favorito de la crítica. A finales de 1975, Dylan volvió a la carretera con un gran grupo de músicos al que llamó Rolling Thunder Revue, seguido de varios álbumes más aclamados por la crítica, incluidosDesir e (1976)
y Street Legal ( 1978).
Famoso por los cambios de carrera que confundieron y confundieron a sus seguidores y críticos, Dylan comenzó a abrazar una marca relativamente fundamentalista de cristianismo a fines de la década de 1970 con Slow Train Coming ( 1979)
y Saved (1980).
Elton John fue otro cantautor que exploró cada vez más el acompañamiento de una banda de rock a fines de la década de 1970, continuando con su serie de exitosos álbumes y sencillos. Una versión de "Lucy in the Sky with Diamonds" ( 1974) y su propia "Philadelphia Freedom" ( 1975) alcanzaron la cima de las listas y su álbum de 1975 Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy fue uno de los mejores álbumes del año.
La canción más popular de John de finales de la década de 1970 fue "Don’t Go Breaking My Heart" (1976),
un sencillo grabado con la cantante Kiki Dee. Mientras John exploraba el rock y otras formas populares menos típicas de los cantautores, la música de Paul Simon a finales de la década de 1970 destacó su interés por el jazz, el rhythm and blues y el gospel. His Greatest Hits, etc. (1977) combinó un paquete de lo mejor con temas nuevos, incluido "Slip Slidin’ Away ", en el que se pronuncian influencias del jazz y el gospel. Simon luego se embarcó en un álbum y una película, One Trick Pony, trayendo a una banda de profesionales del estudio que incluía al bajista Tony Levin, el guitarrista Eric Gale, el pianista Richard Tee y el baterista Steve Gadd. Si bien la película recibió críticas mixtas, el álbum que la acompañaba One Trick Pony ( 1980) fue el más complejo musicalmente de la carrera de Simon. El sencillo del álbum "Late in the Evening"
no es representativo de esta complejidad, pero temas como “Jonah” y “How the Heart Approaches What It Yearns” muestran a Simon y su banda en su versión más sofisticada musicalmente. A mediados de la década, otros artistas estaban construyendo sobre la idea del cantautor al frente de una banda. Entre ellos estaba Billy Joel, cuyo segundo álbum, Piano Man (1973), cuya canción principal llegó al número 25 en la lista de éxitos y ayudó a lanzar su carrera a principios de 1974. Después de varios años de discos decepcionantes, Joel lanzó The Stranger ( 1977), que contenía "Just the Way You Are"
, "Movin 'Out" , "Only the Good Die Young" y "She's Always a Woman" (. Joel continuó con esta serie de álbumes y sencillos de éxito en la década de 1980. Su 52nd Street alcanzó el número uno en 1978 , impulsado por la popularidad de "My Life" y "Big Shot" 1979). La música de Joel de este período incorpora su piano y su voz como centro de atención tanto en baladas como en canciones de rock acelerado respaldadas por su banda. Con la llegada de la nueva ola a la escena a finales de la década, fue especialmente relevante cuando Joel lanzó Glass Houses ( 1980), que involucró estilos anteriores de rock y pop. Se puede encontrar una conexión particularmente fuerte con la música antigua en "It’s Still Rock and Roll to Me" , que habla de formas antiguas y se basa musicalmente en el rock de finales de la década de 1950. Jackson Browne fue otro cantautor de la época cuya música contó con el acompañamiento de una banda de rock. Browne había formado parte de la escena del country-rock de principios de la década de 1970 en el sur de California, y además de coescribir "Take It Easy" de los Eagles, compuso un sencillo con "Doctor My Eyes" en 1972. Browne lanzó su la música más memorable de finales de la década de 1970, con una serie de álbumes y sencillos que incluían The Pretender (1976), Runnin 'On Empty ( 1978) y Hold Out ( 1980)
. De manera similar, Bob Seger, nativo de Detroit, encabezó un grupo de rock duro llamado Silver Bullet Band, pero aún así encajaba de lleno en el molde de cantautor de finales de la década de 1970. Después de casi una década de éxito moderado, Seger irrumpió en la corriente principal del rock en 1977 con el álbum Night Moves y los sencillos "Night Moves"
y "Mainstreet" . Durante el resto de la década de 1970 y hasta bien entrada la de 1980, Seger mantuvo un estilo consistente con letras populares sobre problemas cotidianos, voces distintivas y graves y ganchos de rock memorables. Un accesorio del rock clásico radio en la década de 1990, los "clásicos" posteriores de Seger incluyeron "Old Time Rock & Roll" ( 1979) y "Against the Wind" (, 1980). Bruce Springsteen también surgió en el contexto del movimiento de cantautores de finales de la década de 1970. Respaldado por la E-Street Band, Springsteen se estableció como una nueva voz importante en la música rock con su tercer álbum, Born to Run ( 1975). Al igual que los otros discutidos aquí, Springsteen escribió letras que se entendieron como en gran parte autobiográficas y frecuentemente confesionales. También abrazó el pasado del rock, y el sencillo "Born to Run"
parecía inspirado igualmente por el estilo narrativo de Bob Dylan, Wall of Sound de Phil Spector y el estilo de interpretación enérgico de los Rolling Stones. Álbumes como Born to Run y Darkness on the Edge of Town (1978) solo proporcionaron un vistazo del trabajo futuro de Springsteen
¿Forma o fórmula?
Hemos destacado cómo el rock convencional
(o "corporativo") se desarrolló a partir de la música de la primera
mitad de la década de 1970. En algunos casos, el rock convencional de finales
de la década de 1970 simplificó los elementos musicales, combinándolos para
crear nuevas formas de síntesis estilística. Una forma de examinar cómo las
bandas de finales de la década de 1970 reformularon la música de principios de
la década es a través del diseño formal. Por ejemplo, las pistas más largas de
artistas anteriores a menudo empleaban múltiples secciones, organizadas de modo
que al menos una parte de la música del principio de una pista regresara más
tarde en la melodía. En el capítulo 8, analizamos "Whole Lotta Love"
de Led Zeppelin y "Roundabout" de Yes, y observamos que ambos
emplearon un esquema formal compuesto AABA, con versos, coros o puentes
utilizados dentro de las secciones A. En este capítulo, también hay varios
ejemplos de la forma AABA que muestran cómo los grupos en la última mitad de la
década comprimieron diseños formales a gran escala comúnmente asociados con la
música progresiva y aventurera en la duración de un sencillo para radio.
"More Than a Feeling" de Boston comprime un nivel de complejidad
organizativa comparable a "Roundabout" en una pista de
aproximadamente la mitad de largo. La pista de Boston utiliza un diseño AABA
compuesto, con un par de verso-coro que componen cada sección A y un solo de guitarra
instrumental (en realidad, dos guitarras tocando en armonía) como la sección B.
Tenga en cuenta que cada verso y coro varía en longitud, y no hay dos
exactamente iguales. Esto crea una disposición más complicada que simplemente
repetir el material. "Feels Like the First Time" de Foreigner ofrece
otro giro interesante en el diseño compuesto de AABA. Comienza como si las
secciones A consistieran en pares de estrofas y estribillos como los que se
encuentran en la pista de Boston. Sin embargo, en la segunda sección A se
inserta un puente entre el verso dos y el estribillo. En un diseño formal más
convencional, este puente ocurriría después de la segunda iteración del coro.
"Feels Like the First Time" incorpora un segundo puente en este lugar,
sin embargo, con un solo de guitarra. La sección A final contiene solo un coro,
sin retorno al verso, y la pista completa dura menos de cuatro minutos,
perfecta para la radio. La instrumentación es otro parámetro que podemos
utilizar para observar las formas en que el rock de finales de la década de
1970 incorpora aspectos del rock anterior. Si bien ambas canciones presentan
los sonidos de guitarra distorsionados que son una característica central en el
rock basado en el blues (tanto estadounidense como británico), también hay
algunos toques de rock progresivo. Con Foreigner, estos se encuentran
principalmente en el uso de arpegios de sintetizador alto en la introducción y
coros, así como en la melodía del sintetizador en el primer coro. En el ejemplo
de Boston, las partes de la guitarra armónica (y especialmente en el puente)
están cuidadosamente coordinadas, "compuestas" en el sentido clásico,
muestran preocuparse por emparejarlos con las partes que están tocando los
otros instrumentos. Tanto Boston como Foreigner condensan las cualidades del
rock anterior, mezclándolas y ajustándolas en pistas más cortas. Esto puede
verse como la culminación de prácticas musicales anteriores. Sin embargo,
también muestra cómo la música popular a menudo se adhiere a una fórmula en constante
cambio. La primera interpretación sugiere que el rock convencional de finales
de los setenta es una síntesis de música anterior, refinando y recombinando
elementos musicales. La segunda interpretación sugiere que la música fue
homogeneizada y simplificada para llegar a la audiencia más amplia posible.
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