14 dic 2023

LO MEJOR DEL 2023

 

1. HMLTD - THE WORM



2. THE ROLLING STONES - HACKNEY DIAMONDS




3. GESEE - 3D COUNTRY




4. BONNY DOON - LET THERE BE MUSIC



5. THE TUBS - DEAD MEAT



6. GOSHT OF VROOM - 3





7. ALABAMA 3 - COLD WAR CLASIS VOL 2






8. DEER TICK - EMOTIONAL CONTRACTS


9. KING TUFF - SMALLTOWN STARDUST



10. WATER FROM YOUR EYES . - EVERYONES´CRUSHED



11. SPARKLEHORSE - BIRD MACHINE



12. ADALA - DELTA




































29 sept 2023

rock 'n' roll versus mundo del espectáculo


shockandawesimonreynolds2.blogspot.com



















Este es un diagrama que dibujé para ayudar a mis alumnos a conceptualizar el espacio discursivo de la música popular.


(Se me ocurrió esto solo, ¡solo para descubrir, para mi molestia, que Simon Frith desarrolló un esquema de tres lados similar en Efectos de sonido décadas antes! Sin embargo, en lugar de "showbiz", Simes usa el término "comercial". Yo prefiero " "el mundo del espectáculo" debido a sus connotaciones sabrosas (el grupo Hollywood/Las Vegas/Broadway ... las tendencias autorreflexivas de la zona: "no hay negocio como el espectáculo", "la vida es un cabaret") .


Cuando digo "espacio discursivo", es para dejar claro que no me refiero al sonido de la música (géneros, modos, estilos) sino a las ideas y la retórica que circulan en torno a la música. Sobre cómo los músicos explican la música a sí mismos y a los demás: para qué sirve, para qué sirve. Fanáticos y críticos (fanáticos profesionales) también están en este negocio de explicación. El espacio del triángulo no se trata de prácticas musicales per se sino de las expectativas que rodean a la música, en términos de impacto o recepción, la esfera de actitudes, valores y suposiciones. Dicho esto, existen diferencias estructurales en los arreglos creativos y comerciales que corresponden vagamente a las partes: en el sector del "entretenimiento", por ejemplo, se tiende a separar entre intérprete, compositor y productor/arreglador.


(Más tarde se me ocurrió que podría haber una cuarta cara. A ver si eres tan inteligente como algunos de mis alumnos y averigua cuál podría ser. En realidad, hay varias caras adicionales potenciales, aunque cada vez más empiezan a dejar atrás la "música popular". ).

Muchos artistas están firme y permanentemente establecidos en un lado u otro de este triángulo. Más interesantes son las carreras donde el artista se sitúa entre un eje y otro, o equidistante entre todos ellos. Las carreras más interesantes involucran a artistas que viajan en trayectorias a través del espacio triangular, comenzando en un lado y terminando en el otro, o zigzagueando de un lado a otro.

David Bowie se sitúa entre el arte y el espectáculo pero lejos del lado folk. (Incluso cuando adoptó brevemente el modo de juglar hippie de pelo largo con una guitarra acústica a finales de los años 60, no tenía mucho que ver con la ideología popular: ideas como comunidad, tradición, la canción con mensaje. simplemente buscando un circuito en el que tener éxito, siguiendo el modo predominante).

La carrera de John Lennon da saltos por todos lados: gira, retrocede, borra sus propios pasos.

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Pero, ¿y si hubiera una canción justo al comienzo de la era del rock and roll que hiciera lo del zig-zag? ¿Dónde una oscilación entre "folk" y "showbiz" era integral y constitutiva?

Bueno, está la versión de Elvis Presley de "Hound Dog", uno de los sencillos número uno de 1956 que lo convirtieron en una superestrella mundial.

Había sido un éxito de R&B número uno para Big Mama Thornton cuatro años antes, en 1952. Pero en un giro del mundo del espectáculo, este blues de doce compases fue escrito por Jerry Leiber y Mike Stoller (la separación de los roles de intérprete/escritor/productor es una norma estructural en la música de entretenimiento, desde el teatro musical hasta Motown y Nashville). (La canción está tan identificada con Leiber & Stoller que Hound Dog es el título de su autobiografía conjunta). Es una dura reprimenda a un hombre que es un usuario y un parásito financiero, entregada con picardía mundana. 


Elvis encontró la canción por primera vez en una versión diferente y en un contexto diferente: Las Vegas, la ciudadela del mundo del espectáculo. Un popular grupo de salón llamado Freddie Bell and the Bellboys había elaborado una versión irónica que alteraba la letra para que fuera menos salada ("cambiar una canción picante sobre un amante decepcionante por una canción que trataba literalmente sobre un perro "), mientras que la interpretación rayaba en el burlesco de cara negra. Presley y su banda escucharon esta interpretación cuando los Bellboys la interpretaron como parte de su presentación habitual como banda residente en The Silver Queen Bar and Cocktail Lounge en The Sands Hotel and Casino. El propio Elvis estuvo en la ciudad como artista en el Venus Room del New Frontier Hotel and Casino, un tercero en el cartel como "atracción adicional adicional" debajo de la orquesta Freddy Martin y el comediante Shecky Greene.


La versión de Presley implicó un re-rock de esta parodia del blues y el rock 'n' roll del mundo del espectáculo. El camino hacia eso implicó un encuentro humillante con las restricciones del mundo del espectáculo. El 1 de julio de 1956, Presley y su banda aparecieron en The Steve Allen Show. El presentador de este programa de variedades despreciaba el rock 'n' roll y aseguró que la actuación era ridícula. Elvis se vio obligado a ponerse un esmoquin y cantar "Hound Dog" a un basset hound que llevaba un sombrero de copa. Allen también le regaló a Presley un rollo de papel higiénico firmado, una broma cursi e insultante sobre el "rock 'n' roll".


Al día siguiente, Presley y la banda entraron al estudio de grabación, donde su enojo por el show de Steve Allen se transformó en una actuación agresiva del cantante, acompañada por la guitarra de Scotty Moore. El musicólogo Robert Fink afirma que esta versión de "Hound Dog" es "destaca por un nivel incesante de lo que sólo puede llamarse disonancia del rock and roll: Elvis simplemente grita... La guitarra de Scotty Moore es salvaje: tocando el ritmo se mantiene en el registro más bajo, cortando quintas abiertas y martillando los fuertes ritmos con curvas y tonos distorsionados; sus pausas repetitivas son punzantes e incluso, cuando comienza un estribillo en el tono equivocado, literalmente atonal... el baterista DJ Fontana simplemente se vuelve loco. La forma de ametralladora de Fontana en este disco se ha vuelto merecidamente famosa: la única parte de su kit consistentemente audible en la mezcla es la caja, tocada tan fuerte e insistentemente que los ingenieros de RCA simplemente se dieron por vencidos y dejaron que sus riffs se distorsionaran en salpicaduras de ruido recortado. . El efecto general no podría ser más diferente del divertido, desprecio relajado hacia Big Mama Thornton; No recuerda nada más que la furia del punk blanco de finales de los 70: los Ramones, Iggy Pop, los Sex Pistols.".


Yo mismo no puedo escuchar el 'punk', pero cuando escuché a Elvis et al (esto sería a finales de los 60, principios de los 70) ya era música antigua y pintoresca incluso para los oídos de mi hijo no escolarizado. Aún así, es notablemente más crudo en el canto y la interpretación y más contundente rítmicamente que la actuación del Steve Allen Show, que se siente atenuada o intimidada o una combinación de ambas. 

El mundo del espectáculo responde: Frank Sinatra se unió a la campaña del senador George Smathers contra la "música inferior", apuntando específicamente a "Hound Dog" con elogios burlones (" una obra maestra "). Oscar Hammerstein II sentía " un odio particular hacia 'Hound Dog' ". En una entrevista para un periódico, el cantante Perry Como declaró: " cuando escucho 'Hound Dog' tengo que vomitar un poco, pero en 1975 probablemente será un clásico un poco antiguo ".

A pesar de esto, en 1958 "Hound Dog" se había convertido en uno de los tres únicos sencillos que vendieron más de tres millones de copias: los otros eran "White Christmas" de Bing Crosby y "Rudolph The Red-Nosed Reindeer" de Gene Autry.

Y luego, el mundo del espectáculo, por supuesto, se come a Elvis por completo.  

Mientras que su primera reserva para Las Vegas en 1956 se acortó drásticamente (hasta sólo una semana) debido a las malas reacciones de la audiencia, en 1959 lo contrataron para un compromiso de cuatro semanas y cincuenta y siete espectáculos en el International Hotel, la sala de exposiciones más grande de la ciudad. , rompiendo en el proceso todos los récords de asistencia existentes en Las Vegas. Su primer álbum en vivo es Elvis in Person en el International Hotel, Las Vegas, Nevada.


Dirigido por su manager hacia donde está el dinero, la mayor audiencia (el lado del triángulo del mundo del espectáculo), lo que sigue es la secuencia interminable de películas musicales, la muerte en vida de Las Vegas en los años 1970...

Es famoso que solo hay un momento en el que Pelvis recupera su virilidad y regresa bruscamente al lado crudo y real del triángulo: el Comeback Special de 1968. Aquí hay un popurrí que intercala "Hound Dog" entre "Heartbreak Hotel" y "All Shook Up".


  

8 comentarios:

  1. Yendo directamente por la tangente aquí, pero una cosa que parece haberse olvidado fue cuán importante fue la muerte de Elvis. Lo recuerdo cuando era niño y era un evento enorme, al nivel de Diana. El luto de los medios pareció durar semanas, con la programación dedicada a Elvis ocupando los espacios de máxima audiencia de la BBC1 día tras día. Su padre, que llora, se convierte en una celebridad internacional. Las películas y biografías de Elvis se proyectan durante meses. Como espectáculo mediático fue mucho más grande que Punk.

    Y, sin embargo, cualquiera que no estuviera allí no tendría idea de que algo de esto había sucedido alguna vez. Es increíble realmente.

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    1. En realidad no lo recuerdo, pero en 1977 apenas prestaba atención a la música pop. Mi mente estaba en otras cosas; creo que principalmente en ciencia ficción.

      Se perdió el punk por completo, aparte de una o dos fotografías en los suplementos de color. Probablemente vi el episodio de The Goodies parodiando al punk.

      Lo único que realmente recuerdo haber notado ese año fue "I Feel Love" de Donna Summer, sonaba muy inusual. Y probablemente Abba.

    2. Quiero decir, sabía que había muerto, pero no recuerdo la sobrecarga. Pero probablemente era un experto en desconectarme de cosas irrelevantes para mí, y Elvis parecía de otra época.

    3. Debe ser una fase a la que llegas alrededor de las 9 o 10, porque experimenté la muerte de John Lennon como una molestia menor: había aprendido a desconectarme de los medios.

  2. ¿Podría un cuarto ser artesanal? Supongo que eso se ubicaría entre el folk y el mundo del espectáculo. Usando tus palabras, tal vez el virtuosismo sería mejor (el arte definitivamente parece la antítesis, ciertamente en un sentido post-punk). Sin embargo, parece un poco específico en un contexto pop moderno... a menos que incluyas la composición de canciones como un oficio que entonces realmente no funciona con el virtuosismo. Jazz, clásica, metal, sólo géneros que realmente me vienen a la mente. O ejemplos anticuados como Clapton.

    Pero luego tienes a alguien como hendrix a quien podría describir como artísticamente virtuoso. Parece que me he metido en un lío aquí...

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    1. Creo que el "artesanía" es algo que cualquiera de esos tres bandos existentes podría implicar: es una especie de conjunto preideológico de habilidades y procedimientos. Ciertos tipos de música ideológica popular o música ideológica artística, en determinadas coyunturas históricas, han tenido menos interés en el oficio: han preferido un sonido crudo, descuidado y aparentemente espontáneo, o han creído que las ideas y los conceptos cuentan más que la capacidad técnica, que la formación es un impedimento para la música. Pero no creo que el "artesanía" constituya en sí mismo toda una esfera ideológica que sea única en sí misma.

      La 'cuarta cara' que luego me di cuenta de que era un contendiente es 'funcional': música ambiental, new age, pero también, posiblemente, ciertos tipos de música dance (house y techno muy orientados a la función). Pero posiblemente también en "funcional" se incluiría música que desempeña un papel auxiliar respecto de otra forma de arte: la banda sonora, o lo que hizo BBC Radiophonic Workshop.

      El Taller Radiofónico utilizaba exactamente las mismas técnicas que las unidades de sonido experimentales basadas en radio francesas, italianas y alemanas, pero mientras que a la gente del continente se le permitía/alentaba a escribir sinfonías, etc., la gente del Taller estaba atada a su papel auxiliar de jingles, efectos de sonido, temas musicales, etc. para dramas de radio, series de televisión, etc. Es realmente un reposicionamiento retrospectivo impulsado por los consumidores y fanáticos que ha tratado su producción como "arte". Algunos de los veteranos de Radiophonic como Brian Hodgson están muy desconcertados por esto: gente que escucha seriamente efectos de sonido de 15 segundos o un jingle de 40 segundos.

      El mismo nombre Taller lo coloca en una posición nada artística, nada elevada y vagamente servil.

      El término "taller" en realidad proviene de la cultura teatral del Reino Unido posterior a la Segunda Guerra Mundial, el tipo de entorno del que surgió alguien como Shelagh Delaney. Una especie de idea del teatro proletarizada, desponceyificada y de West End. De hecho, el teatro se salvó del mundo del espectáculo y se convirtió en una especie de arte popular.

    2. Ése es un gran punto sobre la música "funcional". Otro ejemplo en esa categoría: la música utilizada para crear el ambiente para el amor, incluidos bailes lentos al final de la discoteca, y temas de Quiet Storm creados para ser una banda sonora para hacer el amor.

      Por supuesto, las percepciones y valoraciones cambian con el tiempo, por lo que los sencillos de Motown que alguna vez se consideraron profundamente adentrados en la dimensión funcional ahora son ampliamente considerados como declaraciones artísticas mayores que las óperas rock de Pretty Things y Who.

      Debo admitir que me siento un poco así con respecto a los innovadores electrónicos del siglo XX. Los fragmentos funcionales del Taller Radiofónico son a menudo más sorprendentes y divertidos que el trabajo de los titanes de las academias continentales.

      A pesar de todos sus resoplidos y resoplidos,

    3. Otro ejemplo de funcionalidad: música diseñada para acompañar y mejorar ciertos tipos de experiencia con las drogas. Así Dub, rock psicodélico, Trance, etc.

19 sept 2023

Bernard Butler








Biografía de Bernard Butler
 

por Stephen Thomas Erlewine

Aclamado por algunos críticos como el mejor guitarrista de su generación, Bernard Butler evitó las ramificaciones de esa afirmación, abandonando a los pioneros del pop británico Suede en la cima de su carrera en 1994 para dedicarse a su propia musa. Y, al igual que su ídolo Johnny Marr , la carrera en solitario de Butler fue todo menos predecible, ya que pasó de un trabajo de sesión a un dúo con David McAlmont y, finalmente, a una carrera discográfica como cantante y compositor solista.
Bernard Butler saltó a la fama con Suede , la banda indie británica que fusionó el glamour crunch con el arte musical y la angustia exagerada de los Smiths . Tras el lanzamiento de su sencillo debut en 1992, "The Drowners", Suede fue aclamado por muchos rincones de la prensa musical británica como la mejor banda de Gran Bretaña. En muchos sentidos, estuvieron a la altura de las expectativas, ya que su debut homónimo en 1993 rompió récords de ventas e inició la revolución del indie rock que se convirtió en Brit-pop. A pesar de su éxito, había importantes señales de problemas detrás de escena. Butler, un hombre introspectivo y tranquilo, no se llevaba bien con los tres miembros restantes, quienes tendían a deleitarse con los excesos del rock & roll. Aunque el éxito estadounidense se les escapó,Sin embargo, Suede se ganó un culto rabioso en los Estados Unidos y actuaron como estrellas en su primera gira, lo que solo enajenó aún más a Butler. Su padre murió en el otoño de 1993, lo que llevó a la banda a cancelar su gira.
Butler vertió gran parte de su dolor en la creación de "Stay Together", un sencillo grandioso que fue la primera música nueva de Suede desde su debut. Lanzado con grandes expectativas en 1994, fue visto como una decepción, a pesar de su alto puesto en las listas. Poco después, la banda comenzó a trabajar en su segundo álbum, la épica orquestada Dog Man Star . Para el verano, las tensiones estaban al límite, como lo ilustran las críticas de Butler a Anderson en una rara entrevista con la revista inglesa Guitar. En agosto decidió que ya era suficiente y dejó la banda; Más tarde criticaría bastante a Dog Man Star .
No permaneció mucho tiempo en silencio. A principios de 1995, se conectó con el cantante de soul de culto David McAlmont . No estaba claro si la colaboración era permanente o temporal, pero ese verano lanzaron dos sencillos, "Yes" y "You Do", que fueron un éxito modesto. Para el otoño, el dúo se había separado amargamente, con un álbum recopilatorio, The Sound of McAlmont-Butler, lanzado a principios de 1996. Durante gran parte de ese año, trabajó como acompañante, tocando en álbumes de Aimee Mann y James ' . Tim Booth. A principios de 1997, Richard Ashcroft lo invitó a tocar con el grupo reunido Verve.Aunque las sesiones transcurrieron bien, The Verve decidieron arreglar sus diferencias con su guitarrista, Nick McCabe . No hubo resentimientos entre Butler y The Verve, pero toda la experiencia lo convenció de que era hora de comenzar una carrera en solitario en serio. Firmó con Creation y comenzó a trabajar en su primer álbum, tocando él mismo casi todos los instrumentos. Lanzado en el otoño de 1997, su primer sencillo, "Stay", indicaba que iba en una dirección más moderada que Suede . Esas sospechas fueron confirmadas por su debut de larga duración, People Move On , un álbum de cantautor con tintes folk lanzado con críticas generalmente positivas en la primavera de 1998. Friends and Lovers siguió dos años después.


ADALA ft. TRIBADE - AMOR AL BARRI [2023]


Un homenatge a les companyes que lluiten diàriament pel dret a un habitatge digne a Catalunya i a tot el territori creient en un món més just i més nostre. Muntatge: Guiu Vallvé Grafismes: Maria Conill Veu i lletra: Adala, Tribade Producció: 'Siva' Quim Simó, Otger Ibars i Adala Mix: 'Siva' Quim Simó Master: Jan Valls Bateria: Indra Vila Baix: Omar López Teclats: Otger Ibars Guitarra: Mato Anderson Saxo: 'Siva' Quim Simó Flügel: Neus Aranda Estudi: Radi Studios Segell: Radi Solar

8 may 2023

El Rey del Rock (Nick Cave)

 https://reynoldsretro.blogspot.com/2023/05/the-king-of-rock-nick-cave.html



El Rey del Rock (Nick Cave)






Sobre el tema de Nicholas Cave poniéndose su traje inteligente y asistiendo a la coronación , alguien en Twitter señaló que en The Sex Revolts lo describimos como " el rockero más obsesionado con el rey de todos los tiempos ".

Aquí está la parte del capítulo Yo soy el rey donde discutimos el rock, la simbología real, el concepto de soberanía de Bataille y luego examinamos la fijación del rey de Cave: 

EL REY DEL ROCK

El rock está lleno de reyes. Algunos son déspotas autoproclamados (por ejemplo, raperos); otros son elevados y coronados por sus seguidores (Elvis). Hay variantes sobre el tema regio: el Jefe (Springsteen), el gangster chic del rap, el chamán, profeta o Mesías (Bono). Entonces, ¿por qué el rock se presta a la postura real?

En un nivel, ser rey significa simplemente ser el mejor en lo que haces. Por otro, es la culminación lógica del autoengrandecimiento inherente al mundo del espectáculo. Pero en un sentido más amplio, el rey representa la posibilidad total, el cenit de lo imaginable. De la misma manera, la estrella del rock es la encarnación de los deseos prohibidos y los sueños imposibles de sus fans. Cuando Johnny Rotten se comparó con el Anticristo y declaró que quería 'ser anarquía', quería ser una ley para sí mismo. Este era el significado de la versión de la anarquía de los Pistols: no consejos obreros y tribunales de autocrítica, sino el derecho a ser tu propio tirano.

    De hecho, una comuna de anarquistas en los Estados Unidos de la década de 1850 practicaba una doctrina de 'Soberanía individual' que era pura podrida: cada persona era 'el déspota o soberano absoluto' de su vida. El concepto de soberanía asume un significado especial en el pensamiento de Georges Bataille; era su término para un estado supremo del ser. La soberanía (equivalente al 'falo' de Lacan) es un pináculo de la totalidad del ser no alienada ni castrada. Para Bataille, la soberanía está marcada por la extravagancia y el exceso, como lo ilustran las sociedades cuya jerarquía se organizaba en torno al despilfarro de recursos. Los ejemplos incluyen el sacrificio azteca y el potlatch de los nativos americanos, una forma de entrega de regalos ritualizada en la que el rango estaba determinado por la capacidad de derrochar la riqueza. El equivalente moderno del potlatch son las estrellas de rock destrozando suites de hotel o desperdiciando una fortuna en drogas. De todo esto, Bataille concluyó que existía un impulso humano fundamental hacia la prodigalidad y el 'gasto sin retorno'.

     Verdaderos hijos pródigos, las estrellas de rock siempre se han presentado como dandy playboys, siempre han cultivado una estética de exceso. Sus valores son aristocráticos, un rechazo del credo burgués de gratificación diferida, acumulación e inversión. Históricamente, la aristocracia ha sido la clase más capaz de dedicar su vida y sus recursos a la extravagancia (dandismo, combate, juego, arte, sexualidad 'perversa').

     La soberanía se define por el consumo de la riqueza porque la productividad es siempre servil, según Bataille. Una existencia soberana es aquella que no está subordinada a la utilidad, que no implica el empleo del presente en aras del futuro. Y así, el vagabundo o vagabundo ('rey del camino') es tan soberano como cualquier monarca, a pesar de su aparente indigencia. Porque la marca definitoria del soberano es que él es, en lugar de hacer. A diferencia del revolucionario de Sartre (que quiere deshacerse por completo de la jerarquía y que sacrifica su presente para trabajar servilmente por ese futuro utópico), el Rebelde solo quiere usurpar el lugar del Rey. Lo quiere TODO y lo quiere YA.

El rock está repleto de estos reyes rebeldes, advenedizos convertidos en monarcas....

Iggy es el puente entre el Rey Lagarto y el rockero más obsesionado con el rey, Nick Cave.


Las fantasías reales de Cave comenzaron con 'King Ink' en Prayers on Fire (1981). El alter ego antiheroico de Cave es el rey de la bohemia, presidiendo un reino de miseria y aletargado impotencia. En el próximo álbum de Birthday Party, Junkyard (1982), 'Hamlet Pow Pow' convierte el psicodrama edípico de Shakespeare en una caricatura. El hijo del rey muerto acusado de vengarse del tío usurpador del trono, que pasa la mayor parte de la obra eludiendo el deber de regicidio, Hamlet ha sido visto durante mucho tiempo como el arquetípico varón adolescente forastero; Cave está feliz de ponerse en sus zapatos llenos de angustia.


   Otro tipo de rey arruinado que ha rondado la imaginación de Cave es el ídolo del pop que ha visto días mejores o el profeta del rock abandonado por su rebaño indigno. Ha hablado de su fascinación por el Presley de la era tardía, una parodia hinchada de su yo rebelde (el primer sencillo en solitario de Cave fue una versión de 'In the Ghetto', el último suspiro de brillantez de Presley antes de que realmente comenzara el crepúsculo de su vida creativa) . En su segundo álbum en solitario, The Firstborn Is Dead , Cave reaparece como 'The Black Crow King'. Las notas del transatlántico pastiche etnológico del álbum sugieren que el coro de voces es " un rey rodeado de seguidores que han aprendido a imitarlo ". ¿Cave ridiculizando y repudiando a sus seguidores de culto gótico? Abandonado y absurdo, el Cuervo Negro reina sobre '  


Esta postura melodramática -el profeta sin honor- sería retomada en Kicking Against the Pricks con su versión de 'The Singer' de Johnny Cash, donde un juglar mesiánico lamenta su abandono por parte de una audiencia voluble y superficial que no entiende su visión. .


    Por supuesto, el autoengrandecimiento es intrínseco al rock rebelde; cantantes desde Johnny Rotten hasta Morrissey han recurrido a la postura del mártir, del salvador crucificado o despreciado. Cave parece particularmente aficionado a la grandeza destartalada del rey caído. La canción clave aquí es 'Junkyard'. Yo soy el Rey' entona un Cave obviamente desperdiciado en medio de una agitación cacofónica de guitarras salobres que en ese momento (1982) se sintió como los últimos estertores autoinmoladores del rock'n'roll. Una vez más, el reino de Cave está en ruinas, literalmente, un depósito de chatarra. El título es un juego de palabras basado en la adicción a la heroína de Cave. El yonqui se siente como un rey, omnipotente, envuelto y resplandeciente en su invulnerabilidad solipsista (especialmente si la heroína se corta con el último euforizante megalómano, la velocidad). Se cree Dios, ajeno a la realidad de su entorno. Las letras de 'Junkyard' giran en torno a opuestos compactados violentamente: rey/chatarra, miel/basura, cuerpo celestial/violación brutal. La línea crucial es: 'otra vez hay basura en el saco de miel', que evoca tanto a la heroína como a la el nirvana del útero y el horror de las toxinas principales. La voz de Cave desaparece en un cenagal hirviente de sonido purulento.


  ¿El yonqui como rey del siglo XX? Bataille nunca lo consideró, pero es un desarrollo plausible de su noción de soberanía como esplendor estéril. ('Heroína' viene de la palabra alemana 'heroisch', que significa fuerte, poderoso, heroico.) La paradoja final de Bataille fue que la última palabra del soberano es 'Yo soy NADA'. La adicción a la heroína es un retorno a la autosuficiencia invulnerable del feto, una huida total de la ignominia del mundo productivo, la forma más pura de derrochar la vida. Robert Bly argumenta que la adicción a las drogas es una expresión pervertida del anhelo de prestigio real: “Como románticos, anhelamos ese sentimiento oceánico que sentimos en el útero, cuando éramos divinos y nos alimentábamos de ambrosía. La adicción equivale a un intento de escapar de las limitaciones y permanecer en la Sala del Rey.

     




















¿Su modelo de estilo? 











Hablando de la monarquía, siempre es un buen momento para familiarizarse o volver a familiarizarse  con "The Monarch of Middlebrow". Escrito por  Anwen Crawford  para la revista literaria australiana Overland,  es un tour de force regicida, que disecciona la misoginia de Cave y rastrea su " transformación en un Elvis Costello de las antípodas... viejo, afable y respetablemente burgués " (sin dejar de ofrecer imaginaciones febriles de los primeros días como "From Her To Eternity" su merecido).


 

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Hace unos meses estaba en Inglaterra y me quedé con mamá, a quien le gusta salir en los periódicos dominicales, y para mi sorpresa, he aquí que en la portada de The Sunday Times Magazine estaba Nicholas Cave sentado en los bancos  de  un iglesia junto a Rowan Williams, el ex arzobispo de Canterbury. En el interior, el clérigo  entrevista al cantante  sobre su  regreso a la Iglesia  y el papel de la fe en su vida.


En realidad, no es una gran sorpresa, las señales han estado allí durante mucho tiempo (mucho antes de las tragedias que podrían volver a alguien a Dios). 



Como un pájaro que canta al sol
En un amanecer tan oscuro
Tal es mi fe por ti
Así es mi fe
Y toda la oscuridad del mundo no puede tragarse
una sola chispa
Tal es mi amor por ti
Así es mi amor

hay un reino
hay un rey
Y vive sin
Y vive dentro
Los cielos estrellados sobre mí
La ley moral dentro
Así aparece el mundo
Así aparece el mundo
Este día tan dulce
nunca vendrá de nuevo
Así aparece el mundo
A través de esta niebla de lágrimas

hay un reino
hay un rey
Y vive sin
Y vive dentro
hay un reino
hay un rey
hay un rey
y el es todo




Recuerdo que cuando entrevisté a Cave en 1988, habló sobre casi sufrir una conversión durante un vuelo muy largo y angustioso del Reino Unido a Australia, o de Australia al Reino Unido. Se había sentado al lado de algún verdadero creyente nacido de nuevo, o tal vez fuera un sacerdote; en cualquier caso, se había consumido mucho alcohol, se había instalado una especie de noche larga y oscura del alma, y ​​se convirtió en vulnerable al tono de su compañero de viaje, comenzaron a orar juntos. Esto va de memoria, no me atrevo a buscar en el corte original , pero esa es la esencia: estaba a punto de aceptar al Señor en su corazón.    

Por un lado, esto no era tan sorprendente, dado que había estado hablando en los últimos años acerca de que su lectura favorita era la versión King James de la Biblia. Las imágenes religiosas, una cadencia parecida a una parábola, se habían estado infiltrando en las canciones de Bad Seeds. 

Por otro lado, solo pasaron unos años desde The Birthday Party, donde la vibra era mucho más sobre el sacrilegio y la profanación.

Como esta canción: 


Segundo: lo amordacé con una almohada.

Pero despertó a las monjas dentro

Mi cabeza

Golpearon sus puños divinos-dioses

(Desde adentro - entonces desde afuera)


Y luego, el anuncio del éxito de la pista de baile gótica de vampiros sexuales "Release the Bats" proclamó: " La suciedad está al lado de la anti-divisidad "  .



Y por supuesto sin olvidar Borracho con la Sangre del Papa 


"¡16 minutos de puro infierno!"

O el concepto mismo de la "Mala Semilla".




O "motín en el cielo" 






Si esto es el cielo, estoy saliendo
Ah, no puedo tolerar esta vieja bañera de hojalata
Tan lleno de basura y ratas! Sentí que uno se arrastraba por mah soul
¡Por un segundo allí, tan pensado como wassa de vuelta en el gueto!
(¡Ratas en el Paraíso! ¡Ratas en el Paraíso!)
¡Estoy saliendo! ¡Hay un motín en el cielo!
Ah nací...
Y Lord Shakin, incluso entonces fue arrojado a una fuente helada,
¡como una gran suciedad apestosa!
De slum-chuch a slum-church, ah derramó mi corazón
A un cabrón gordo detrás de una pantalla...
El ojo saltón malvado presiona hasta la apertura
Él deslizaría y cerraría la pequeña escotilla perforada ... por la noche mah cuerpo
azul
Al silbido del abedul
Con un poco de práctica, pronto aprendí a usarlo conmigo mismo.
¡¿Castigo?! ¡¡Premio!! ¡¿Castigo?! ¡¡Premio!!

Oh Señor, ah ponte de rodillas
(Ah, ponte de rodillas y empieza a orar)
Envuelto en mah alas mestizas, ah casi se congela
En el viento aullador y la lluvia torrencial
(Toda la basura soplando vueltas y vueltas)
Del cielo de los barrios marginales a la ciudad
Ah, toma mah diminuto dolor y enrolla hacia atrás mah manga
(Rol otro rol otro rol otro rol)
¡Ah, sácate el goteo de la vena mah! ¡UTOPÍA! ¡Estoy saliendo!
¡UTOPÍA!
¡Si esto es el cielo, me voy a escapar!
El alma raída de Mah está repleta de alimañas y piojos
Los pensamientos vienen como una plaga a la cabeza... ¡en la casa de Dios!
¡Motín en el cielo!
(Ars infectio forco Dio)
¡Al tablón!
(¡Ratas en el Paraíso! ¡Ratas en el Paraíso!)
¡Estoy saliendo!
(¡Salve Hypuss Dermio Vita Rex!)
¡Agujero en un gueto! ¡Agujero en un gueto!
(Rasguño el ratón por el Santo... Dios, Dios, Dios)


La letra de "Mutiny in Heaven" siempre me recordó ese pasaje de Les Chants de Maldoror de Lautreamont, una visión de un Dios cruel y degenerado masticando un cadáver humano, pedazos de cerebro en su barba: 

“ No encontrando lo que buscaba, levanté mis ojos más y más alto aún, hasta que vi un trono hecho de excrementos humanos y oro, en el que estaba sentado – con orgullo idiota, su cuerpo envuelto en un sudario de ropa de hospital sin lavar – ¡el que se llama a sí mismo el Creador! ” 

El arco aquí , desde el hijo pródigo hasta tomar el lugar de uno en el patriarcado consagrado por el tiempo, es bastante clásico. 

Similar al arco de Huysmans de Against Nature y  Là-bas (también conocido como Down Below , la novela no tan buena como  À rebours   sobre el satanismo) a las novelas posteriores como  La Cathédrale, que son paralelas al regreso del propio Huysmans al catolicismo.  

(Tenga en cuenta que las señales estaban allí incluso en Against Nature : entre las aventuras sensuales decadentes del hastiado aristócrata Des Esseintes, hay un capítulo completo sobre su obsesión con oscuros  textos católicos de la  era medieval y moderna temprana, que se imprime en especiales ediciones de uno que se hacen a sus exigentes estándares en términos de encuadernación lujosa, papel, tipografía (Des Esseintes favorece particularmente a los eclesiásticos más reaccionarios y que odian el mundo). 

Ese es el punto, o uno de los puntos, en The Sex Revolt s: que el Rebelde no es un revolucionario, la rebelión es contra su actual lugar subordinado en el Patriarcado, pero el objetivo es forjar una grandeza rival, una jerarquía de estatus invertida. .

Pero también que la blasfemia es simplemente una forma invertida de oración, un cumplido al Todopoderoso. El que folla con monjas se unirá más tarde a la iglesia ", como dijo Joe Strummer en "Death and Glory". 

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En la introducción a una nueva edición de The Sex Revolts para su primera traducción al alemán, discutimos el tropo de la realeza tal como figura en la imaginación de la extrema derecha: 

Una de las influencias clave en The Sex Revolts es el libro Mannerphantasien de 1977 del académico alemán Klaus Theweleit., un estudio de la psique protofascista basado en gran parte en los escritos de los Freikorps inmediatamente después de la Gran Guerra. Ha sido alarmante ver los tropos retóricos que impregnan el análisis de Theweleit (pantanos de corrupción, inundaciones contaminantes de inmigrantes que traen consigo enfermedades y delitos, la necesidad urgente de erigir muros defensivos para contener estos flujos amenazantes) resurgir en campañas electorales en todo el mundo. Oeste. Si bien las mujeres pueden sentir el tirón del deseo fascista, no hay duda de que los hombres son presa de estas angustias con una intensidad particular: por mucho que sean cuestiones o problemas políticos reales, también son apoderados y apoyos fantasmagóricos, desplazamientos y compensaciones, en el luchas psíquicas internas de un estilo de virilidad cada vez más irrelevante y erosionado.

Dado el ascenso mundial de líderes de hombres fuertes que intentan anular la democracia parlamentaria y el sistema de justicia en sus diversas naciones, llama la atención que uno de los principales sitios en línea para el nuevo masculinismo se llame Return of Kings. Dirigido a hombres jóvenes ansiosos por la pérdida de estatus y confundidos acerca de su papel en la sociedad, ofrece consejos sobre cómo reclamar el "derecho de nacimiento" de la dominación del macho alfa. Da la casualidad de que la simbólica de la "realeza" en el rock es un tema que explora The Sex Revolts . Y el siguiente gran trabajo de Klaus Theweleit después de Mannerphantasien  fue una serie de volúmenes titulada El Libro de los Reyes .


Y también podríamos haber mencionado todo el asunto de la neorreacción con su preferencia por la monarquía sobre la democracia. 



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3 comentarios:

MattM dijo...

En 2009, vi una producción de Shakespeare* The War of the Roses**. Al final de la sección de Ricardo II, cuando Bolingbroke es coronado como Enrique IV, tocaron "Junkyard" por los altavoces, con "I am the king" resonando en el auditorio. Una pena que Charles no haya tomado prestada esa idea para su propia coronación.

Realmente nunca he visto a Nick Cave como alguien particularmente progresista o interesado en el cambio social. Y su aparente obsesión de por vida con la religión hace que su regreso a la Iglesia no sea sorprendente. Quizás la única sorpresa es que eligió la Iglesia Anglicana, la iglesia más aburrida que existe, que carece tanto del exceso ritualista de la católica y la ortodoxa como de la intensidad performativa de los inconformistas. Aunque puedo entender a un hombre de mediana edad que experimenta una pérdida profunda y quiere algo, bueno, no dramático.

Y realmente nunca pensé en Nick Cave como unas malditas monjas. Escribir un libro en el que las monjas fueran jodidas, seguro. Después de The Birthday Party, sus transgresiones siempre se mantuvieron en una diferencia estetizada.

*En lugar de Danny Devito.
**Este: https://www.benedictandrews.com/the-war-of-the-roses-/-richard-ii

SIMON REYNOLDS dijo...

Eso es divertido sobre Junkyard y Richard II,

Nun-fucking, como metáfora de la transgresión y la blasfemia, parece ser de lo que se trataba la fiesta de cumpleaños. Esvásticas en la carátula del disco, bebiendo sangre papal. Hay humor ahí, pero no se siente particularmente distante. Creo que estaban en un serio viaje al estilo de los poetas de fin de siglo: trastorno sistemático de los sentidos, derrocar al superyó y dejar que el ello se desbocara. Flower of Evil, etc. Silenciar a las monjas dentro de tu cabeza, también conocida como la conciencia. Luego cambia a Southern Gothic, Faulkner, etc., pero el mismo tipo de impulsos en el trabajo.

Todo gira en torno a la polaridad sagrado/sacrilegio, una especie de intercambiabilidad o reversibilidad.

Nunca ha sido un progresista, cierto. Todo ese lenguaje de pecado y retribución y maldiciones y condenación, etc. Es una cosmovisión fundamentalmente anti-moderna.

zarakov d. dicho...

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