La música que me gusta y comparto con amigos
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shockandawesimonreynolds2.blogspot.com
Este es un diagrama que dibujé para ayudar a mis alumnos a conceptualizar el espacio discursivo de la música popular.
(Se me ocurrió esto solo, ¡solo para descubrir, para mi molestia, que Simon Frith desarrolló un esquema de tres lados similar en Efectos de sonido décadas antes! Sin embargo, en lugar de "showbiz", Simes usa el término "comercial". Yo prefiero " "el mundo del espectáculo" debido a sus connotaciones sabrosas (el grupo Hollywood/Las Vegas/Broadway ... las tendencias autorreflexivas de la zona: "no hay negocio como el espectáculo", "la vida es un cabaret") .
Cuando digo "espacio discursivo", es para dejar claro que no me refiero al sonido de la música (géneros, modos, estilos) sino a las ideas y la retórica que circulan en torno a la música. Sobre cómo los músicos explican la música a sí mismos y a los demás: para qué sirve, para qué sirve. Fanáticos y críticos (fanáticos profesionales) también están en este negocio de explicación. El espacio del triángulo no se trata de prácticas musicales per se sino de las expectativas que rodean a la música, en términos de impacto o recepción, la esfera de actitudes, valores y suposiciones. Dicho esto, existen diferencias estructurales en los arreglos creativos y comerciales que corresponden vagamente a las partes: en el sector del "entretenimiento", por ejemplo, se tiende a separar entre intérprete, compositor y productor/arreglador.
(Más tarde se me ocurrió que podría haber una cuarta cara. A ver si eres tan inteligente como algunos de mis alumnos y averigua cuál podría ser. En realidad, hay varias caras adicionales potenciales, aunque cada vez más empiezan a dejar atrás la "música popular". ).
Muchos artistas están firme y permanentemente establecidos en un lado u otro de este triángulo. Más interesantes son las carreras donde el artista se sitúa entre un eje y otro, o equidistante entre todos ellos. Las carreras más interesantes involucran a artistas que viajan en trayectorias a través del espacio triangular, comenzando en un lado y terminando en el otro, o zigzagueando de un lado a otro.
David Bowie se sitúa entre el arte y el espectáculo pero lejos del lado folk. (Incluso cuando adoptó brevemente el modo de juglar hippie de pelo largo con una guitarra acústica a finales de los años 60, no tenía mucho que ver con la ideología popular: ideas como comunidad, tradición, la canción con mensaje. simplemente buscando un circuito en el que tener éxito, siguiendo el modo predominante).
La carrera de John Lennon da saltos por todos lados: gira, retrocede, borra sus propios pasos.
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Pero, ¿y si hubiera una canción justo al comienzo de la era del rock and roll que hiciera lo del zig-zag? ¿Dónde una oscilación entre "folk" y "showbiz" era integral y constitutiva?
Bueno, está la versión de Elvis Presley de "Hound Dog", uno de los sencillos número uno de 1956 que lo convirtieron en una superestrella mundial.
Había sido un éxito de R&B número uno para Big Mama Thornton cuatro años antes, en 1952. Pero en un giro del mundo del espectáculo, este blues de doce compases fue escrito por Jerry Leiber y Mike Stoller (la separación de los roles de intérprete/escritor/productor es una norma estructural en la música de entretenimiento, desde el teatro musical hasta Motown y Nashville). (La canción está tan identificada con Leiber & Stoller que Hound Dog es el título de su autobiografía conjunta). Es una dura reprimenda a un hombre que es un usuario y un parásito financiero, entregada con picardía mundana.
Elvis encontró la canción por primera vez en una versión diferente y en un contexto diferente: Las Vegas, la ciudadela del mundo del espectáculo. Un popular grupo de salón llamado Freddie Bell and the Bellboys había elaborado una versión irónica que alteraba la letra para que fuera menos salada ("cambiar una canción picante sobre un amante decepcionante por una canción que trataba literalmente sobre un perro "), mientras que la interpretación rayaba en el burlesco de cara negra. Presley y su banda escucharon esta interpretación cuando los Bellboys la interpretaron como parte de su presentación habitual como banda residente en The Silver Queen Bar and Cocktail Lounge en The Sands Hotel and Casino. El propio Elvis estuvo en la ciudad como artista en el Venus Room del New Frontier Hotel and Casino, un tercero en el cartel como "atracción adicional adicional" debajo de la orquesta Freddy Martin y el comediante Shecky Greene.
La versión de Presley implicó un re-rock de esta parodia del blues y el rock 'n' roll del mundo del espectáculo. El camino hacia eso implicó un encuentro humillante con las restricciones del mundo del espectáculo. El 1 de julio de 1956, Presley y su banda aparecieron en The Steve Allen Show. El presentador de este programa de variedades despreciaba el rock 'n' roll y aseguró que la actuación era ridícula. Elvis se vio obligado a ponerse un esmoquin y cantar "Hound Dog" a un basset hound que llevaba un sombrero de copa. Allen también le regaló a Presley un rollo de papel higiénico firmado, una broma cursi e insultante sobre el "rock 'n' roll".
Al día siguiente, Presley y la banda entraron al estudio de grabación, donde su enojo por el show de Steve Allen se transformó en una actuación agresiva del cantante, acompañada por la guitarra de Scotty Moore. El musicólogo Robert Fink afirma que esta versión de "Hound Dog" es "destaca por un nivel incesante de lo que sólo puede llamarse disonancia del rock and roll: Elvis simplemente grita... La guitarra de Scotty Moore es salvaje: tocando el ritmo se mantiene en el registro más bajo, cortando quintas abiertas y martillando los fuertes ritmos con curvas y tonos distorsionados; sus pausas repetitivas son punzantes e incluso, cuando comienza un estribillo en el tono equivocado, literalmente atonal... el baterista DJ Fontana simplemente se vuelve loco. La forma de ametralladora de Fontana en este disco se ha vuelto merecidamente famosa: la única parte de su kit consistentemente audible en la mezcla es la caja, tocada tan fuerte e insistentemente que los ingenieros de RCA simplemente se dieron por vencidos y dejaron que sus riffs se distorsionaran en salpicaduras de ruido recortado. . El efecto general no podría ser más diferente del divertido, desprecio relajado hacia Big Mama Thornton; No recuerda nada más que la furia del punk blanco de finales de los 70: los Ramones, Iggy Pop, los Sex Pistols.".
El mundo del espectáculo responde: Frank Sinatra se unió a la campaña del senador George Smathers contra la "música inferior", apuntando específicamente a "Hound Dog" con elogios burlones (" una obra maestra "). Oscar Hammerstein II sentía " un odio particular hacia 'Hound Dog' ". En una entrevista para un periódico, el cantante Perry Como declaró: " cuando escucho 'Hound Dog' tengo que vomitar un poco, pero en 1975 probablemente será un clásico un poco antiguo ".
A pesar de esto, en 1958 "Hound Dog" se había convertido en uno de los tres únicos sencillos que vendieron más de tres millones de copias: los otros eran "White Christmas" de Bing Crosby y "Rudolph The Red-Nosed Reindeer" de Gene Autry.
Y luego, el mundo del espectáculo, por supuesto, se come a Elvis por completo.
Mientras que su primera reserva para Las Vegas en 1956 se acortó drásticamente (hasta sólo una semana) debido a las malas reacciones de la audiencia, en 1959 lo contrataron para un compromiso de cuatro semanas y cincuenta y siete espectáculos en el International Hotel, la sala de exposiciones más grande de la ciudad. , rompiendo en el proceso todos los récords de asistencia existentes en Las Vegas. Su primer álbum en vivo es Elvis in Person en el International Hotel, Las Vegas, Nevada.
Es famoso que solo hay un momento en el que Pelvis recupera su virilidad y regresa bruscamente al lado crudo y real del triángulo: el Comeback Special de 1968. Aquí hay un popurrí que intercala "Hound Dog" entre "Heartbreak Hotel" y "All Shook Up".
https://reynoldsretro.blogspot.com/2023/05/the-king-of-rock-nick-cave.html
Aquí está la parte del capítulo Yo soy el rey donde discutimos el rock, la simbología real, el concepto de soberanía de Bataille y luego examinamos la fijación del rey de Cave:
EL REY DEL ROCK
El rock está lleno de reyes. Algunos son déspotas autoproclamados (por ejemplo, raperos); otros son elevados y coronados por sus seguidores (Elvis). Hay variantes sobre el tema regio: el Jefe (Springsteen), el gangster chic del rap, el chamán, profeta o Mesías (Bono). Entonces, ¿por qué el rock se presta a la postura real?
En un nivel, ser rey significa simplemente ser el mejor en lo que haces. Por otro, es la culminación lógica del autoengrandecimiento inherente al mundo del espectáculo. Pero en un sentido más amplio, el rey representa la posibilidad total, el cenit de lo imaginable. De la misma manera, la estrella del rock es la encarnación de los deseos prohibidos y los sueños imposibles de sus fans. Cuando Johnny Rotten se comparó con el Anticristo y declaró que quería 'ser anarquía', quería ser una ley para sí mismo. Este era el significado de la versión de la anarquía de los Pistols: no consejos obreros y tribunales de autocrítica, sino el derecho a ser tu propio tirano.
De hecho, una comuna de anarquistas en los Estados Unidos de la década de 1850 practicaba una doctrina de 'Soberanía individual' que era pura podrida: cada persona era 'el déspota o soberano absoluto' de su vida. El concepto de soberanía asume un significado especial en el pensamiento de Georges Bataille; era su término para un estado supremo del ser. La soberanía (equivalente al 'falo' de Lacan) es un pináculo de la totalidad del ser no alienada ni castrada. Para Bataille, la soberanía está marcada por la extravagancia y el exceso, como lo ilustran las sociedades cuya jerarquía se organizaba en torno al despilfarro de recursos. Los ejemplos incluyen el sacrificio azteca y el potlatch de los nativos americanos, una forma de entrega de regalos ritualizada en la que el rango estaba determinado por la capacidad de derrochar la riqueza. El equivalente moderno del potlatch son las estrellas de rock destrozando suites de hotel o desperdiciando una fortuna en drogas. De todo esto, Bataille concluyó que existía un impulso humano fundamental hacia la prodigalidad y el 'gasto sin retorno'.
Verdaderos hijos pródigos, las estrellas de rock siempre se han presentado como dandy playboys, siempre han cultivado una estética de exceso. Sus valores son aristocráticos, un rechazo del credo burgués de gratificación diferida, acumulación e inversión. Históricamente, la aristocracia ha sido la clase más capaz de dedicar su vida y sus recursos a la extravagancia (dandismo, combate, juego, arte, sexualidad 'perversa').
La soberanía se define por el consumo de la riqueza porque la productividad es siempre servil, según Bataille. Una existencia soberana es aquella que no está subordinada a la utilidad, que no implica el empleo del presente en aras del futuro. Y así, el vagabundo o vagabundo ('rey del camino') es tan soberano como cualquier monarca, a pesar de su aparente indigencia. Porque la marca definitoria del soberano es que él es, en lugar de hacer. A diferencia del revolucionario de Sartre (que quiere deshacerse por completo de la jerarquía y que sacrifica su presente para trabajar servilmente por ese futuro utópico), el Rebelde solo quiere usurpar el lugar del Rey. Lo quiere TODO y lo quiere YA.
El rock está repleto de estos reyes rebeldes, advenedizos convertidos en monarcas....
Iggy es el puente entre el Rey Lagarto y el rockero más obsesionado con el rey, Nick Cave.
Las fantasías reales de Cave comenzaron con 'King Ink' en Prayers on Fire (1981). El alter ego antiheroico de Cave es el rey de la bohemia, presidiendo un reino de miseria y aletargado impotencia. En el próximo álbum de Birthday Party, Junkyard (1982), 'Hamlet Pow Pow' convierte el psicodrama edípico de Shakespeare en una caricatura. El hijo del rey muerto acusado de vengarse del tío usurpador del trono, que pasa la mayor parte de la obra eludiendo el deber de regicidio, Hamlet ha sido visto durante mucho tiempo como el arquetípico varón adolescente forastero; Cave está feliz de ponerse en sus zapatos llenos de angustia.
Otro tipo de rey arruinado que ha rondado la imaginación de Cave es el ídolo del pop que ha visto días mejores o el profeta del rock abandonado por su rebaño indigno. Ha hablado de su fascinación por el Presley de la era tardía, una parodia hinchada de su yo rebelde (el primer sencillo en solitario de Cave fue una versión de 'In the Ghetto', el último suspiro de brillantez de Presley antes de que realmente comenzara el crepúsculo de su vida creativa) . En su segundo álbum en solitario, The Firstborn Is Dead , Cave reaparece como 'The Black Crow King'. Las notas del transatlántico pastiche etnológico del álbum sugieren que el coro de voces es " un rey rodeado de seguidores que han aprendido a imitarlo ". ¿Cave ridiculizando y repudiando a sus seguidores de culto gótico? Abandonado y absurdo, el Cuervo Negro reina sobre '
Esta postura melodramática -el profeta sin honor- sería retomada en Kicking Against the Pricks con su versión de 'The Singer' de Johnny Cash, donde un juglar mesiánico lamenta su abandono por parte de una audiencia voluble y superficial que no entiende su visión. .
Por supuesto, el autoengrandecimiento es intrínseco al rock rebelde; cantantes desde Johnny Rotten hasta Morrissey han recurrido a la postura del mártir, del salvador crucificado o despreciado. Cave parece particularmente aficionado a la grandeza destartalada del rey caído. La canción clave aquí es 'Junkyard'. ' Yo soy el Rey' entona un Cave obviamente desperdiciado en medio de una agitación cacofónica de guitarras salobres que en ese momento (1982) se sintió como los últimos estertores autoinmoladores del rock'n'roll. Una vez más, el reino de Cave está en ruinas, literalmente, un depósito de chatarra. El título es un juego de palabras basado en la adicción a la heroína de Cave. El yonqui se siente como un rey, omnipotente, envuelto y resplandeciente en su invulnerabilidad solipsista (especialmente si la heroína se corta con el último euforizante megalómano, la velocidad). Se cree Dios, ajeno a la realidad de su entorno. Las letras de 'Junkyard' giran en torno a opuestos compactados violentamente: rey/chatarra, miel/basura, cuerpo celestial/violación brutal. La línea crucial es: 'otra vez hay basura en el saco de miel', que evoca tanto a la heroína como a la el nirvana del útero y el horror de las toxinas principales. La voz de Cave desaparece en un cenagal hirviente de sonido purulento.
¿El yonqui como rey del siglo XX? Bataille nunca lo consideró, pero es un desarrollo plausible de su noción de soberanía como esplendor estéril. ('Heroína' viene de la palabra alemana 'heroisch', que significa fuerte, poderoso, heroico.) La paradoja final de Bataille fue que la última palabra del soberano es 'Yo soy NADA'. La adicción a la heroína es un retorno a la autosuficiencia invulnerable del feto, una huida total de la ignominia del mundo productivo, la forma más pura de derrochar la vida. Robert Bly argumenta que la adicción a las drogas es una expresión pervertida del anhelo de prestigio real: “Como románticos, anhelamos ese sentimiento oceánico que sentimos en el útero, cuando éramos divinos y nos alimentábamos de ambrosía. La adicción equivale a un intento de escapar de las limitaciones y permanecer en la Sala del Rey.
¿Su modelo de estilo?
Hablando de la monarquía, siempre es un buen momento para familiarizarse o volver a familiarizarse con "The Monarch of Middlebrow". Escrito por Anwen Crawford para la revista literaria australiana Overland, es un tour de force regicida, que disecciona la misoginia de Cave y rastrea su " transformación en un Elvis Costello de las antípodas... viejo, afable y respetablemente burgués " (sin dejar de ofrecer imaginaciones febriles de los primeros días como "From Her To Eternity" su merecido).
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Hace unos meses estaba en Inglaterra y me quedé con mamá, a quien le gusta salir en los periódicos dominicales, y para mi sorpresa, he aquí que en la portada de The Sunday Times Magazine estaba Nicholas Cave sentado en los bancos de un iglesia junto a Rowan Williams, el ex arzobispo de Canterbury. En el interior, el clérigo entrevista al cantante sobre su regreso a la Iglesia y el papel de la fe en su vida.
Recuerdo que cuando entrevisté a Cave en 1988, habló sobre casi sufrir una conversión durante un vuelo muy largo y angustioso del Reino Unido a Australia, o de Australia al Reino Unido. Se había sentado al lado de algún verdadero creyente nacido de nuevo, o tal vez fuera un sacerdote; en cualquier caso, se había consumido mucho alcohol, se había instalado una especie de noche larga y oscura del alma, y se convirtió en vulnerable al tono de su compañero de viaje, comenzaron a orar juntos. Esto va de memoria, no me atrevo a buscar en el corte original , pero esa es la esencia: estaba a punto de aceptar al Señor en su corazón.
Por un lado, esto no era tan sorprendente, dado que había estado hablando en los últimos años acerca de que su lectura favorita era la versión King James de la Biblia. Las imágenes religiosas, una cadencia parecida a una parábola, se habían estado infiltrando en las canciones de Bad Seeds.
Por otro lado, solo pasaron unos años desde The Birthday Party, donde la vibra era mucho más sobre el sacrilegio y la profanación.
Como esta canción:
Segundo: lo amordacé con una almohada.
Pero despertó a las monjas dentro
Mi cabeza
Golpearon sus puños divinos-dioses
(Desde adentro - entonces desde afuera)
Y luego, el anuncio del éxito de la pista de baile gótica de vampiros sexuales "Release the Bats" proclamó: " La suciedad está al lado de la anti-divisidad " .
En 2009, vi una producción de Shakespeare* The War of the Roses**. Al final de la sección de Ricardo II, cuando Bolingbroke es coronado como Enrique IV, tocaron "Junkyard" por los altavoces, con "I am the king" resonando en el auditorio. Una pena que Charles no haya tomado prestada esa idea para su propia coronación.
Realmente nunca he visto a Nick Cave como alguien particularmente progresista o interesado en el cambio social. Y su aparente obsesión de por vida con la religión hace que su regreso a la Iglesia no sea sorprendente. Quizás la única sorpresa es que eligió la Iglesia Anglicana, la iglesia más aburrida que existe, que carece tanto del exceso ritualista de la católica y la ortodoxa como de la intensidad performativa de los inconformistas. Aunque puedo entender a un hombre de mediana edad que experimenta una pérdida profunda y quiere algo, bueno, no dramático.
Y realmente nunca pensé en Nick Cave como unas malditas monjas. Escribir un libro en el que las monjas fueran jodidas, seguro. Después de The Birthday Party, sus transgresiones siempre se mantuvieron en una diferencia estetizada.
*En lugar de Danny Devito.
**Este: https://www.benedictandrews.com/the-war-of-the-roses-/-richard-ii
Eso es divertido sobre Junkyard y Richard II,
Nun-fucking, como metáfora de la transgresión y la blasfemia, parece ser de lo que se trataba la fiesta de cumpleaños. Esvásticas en la carátula del disco, bebiendo sangre papal. Hay humor ahí, pero no se siente particularmente distante. Creo que estaban en un serio viaje al estilo de los poetas de fin de siglo: trastorno sistemático de los sentidos, derrocar al superyó y dejar que el ello se desbocara. Flower of Evil, etc. Silenciar a las monjas dentro de tu cabeza, también conocida como la conciencia. Luego cambia a Southern Gothic, Faulkner, etc., pero el mismo tipo de impulsos en el trabajo.
Todo gira en torno a la polaridad sagrado/sacrilegio, una especie de intercambiabilidad o reversibilidad.
Nunca ha sido un progresista, cierto. Todo ese lenguaje de pecado y retribución y maldiciones y condenación, etc. Es una cosmovisión fundamentalmente anti-moderna.
duque duque duque de conde duque duque
Yendo directamente por la tangente aquí, pero una cosa que parece haberse olvidado fue cuán importante fue la muerte de Elvis. Lo recuerdo cuando era niño y era un evento enorme, al nivel de Diana. El luto de los medios pareció durar semanas, con la programación dedicada a Elvis ocupando los espacios de máxima audiencia de la BBC1 día tras día. Su padre, que llora, se convierte en una celebridad internacional. Las películas y biografías de Elvis se proyectan durante meses. Como espectáculo mediático fue mucho más grande que Punk.
ResponderY, sin embargo, cualquiera que no estuviera allí no tendría idea de que algo de esto había sucedido alguna vez. Es increíble realmente.
En realidad no lo recuerdo, pero en 1977 apenas prestaba atención a la música pop. Mi mente estaba en otras cosas; creo que principalmente en ciencia ficción.
Se perdió el punk por completo, aparte de una o dos fotografías en los suplementos de color. Probablemente vi el episodio de The Goodies parodiando al punk.
Lo único que realmente recuerdo haber notado ese año fue "I Feel Love" de Donna Summer, sonaba muy inusual. Y probablemente Abba.
Quiero decir, sabía que había muerto, pero no recuerdo la sobrecarga. Pero probablemente era un experto en desconectarme de cosas irrelevantes para mí, y Elvis parecía de otra época.
Debe ser una fase a la que llegas alrededor de las 9 o 10, porque experimenté la muerte de John Lennon como una molestia menor: había aprendido a desconectarme de los medios.
¿Podría un cuarto ser artesanal? Supongo que eso se ubicaría entre el folk y el mundo del espectáculo. Usando tus palabras, tal vez el virtuosismo sería mejor (el arte definitivamente parece la antítesis, ciertamente en un sentido post-punk). Sin embargo, parece un poco específico en un contexto pop moderno... a menos que incluyas la composición de canciones como un oficio que entonces realmente no funciona con el virtuosismo. Jazz, clásica, metal, sólo géneros que realmente me vienen a la mente. O ejemplos anticuados como Clapton.
ResponderPero luego tienes a alguien como hendrix a quien podría describir como artísticamente virtuoso. Parece que me he metido en un lío aquí...
Creo que el "artesanía" es algo que cualquiera de esos tres bandos existentes podría implicar: es una especie de conjunto preideológico de habilidades y procedimientos. Ciertos tipos de música ideológica popular o música ideológica artística, en determinadas coyunturas históricas, han tenido menos interés en el oficio: han preferido un sonido crudo, descuidado y aparentemente espontáneo, o han creído que las ideas y los conceptos cuentan más que la capacidad técnica, que la formación es un impedimento para la música. Pero no creo que el "artesanía" constituya en sí mismo toda una esfera ideológica que sea única en sí misma.
La 'cuarta cara' que luego me di cuenta de que era un contendiente es 'funcional': música ambiental, new age, pero también, posiblemente, ciertos tipos de música dance (house y techno muy orientados a la función). Pero posiblemente también en "funcional" se incluiría música que desempeña un papel auxiliar respecto de otra forma de arte: la banda sonora, o lo que hizo BBC Radiophonic Workshop.
El Taller Radiofónico utilizaba exactamente las mismas técnicas que las unidades de sonido experimentales basadas en radio francesas, italianas y alemanas, pero mientras que a la gente del continente se le permitía/alentaba a escribir sinfonías, etc., la gente del Taller estaba atada a su papel auxiliar de jingles, efectos de sonido, temas musicales, etc. para dramas de radio, series de televisión, etc. Es realmente un reposicionamiento retrospectivo impulsado por los consumidores y fanáticos que ha tratado su producción como "arte". Algunos de los veteranos de Radiophonic como Brian Hodgson están muy desconcertados por esto: gente que escucha seriamente efectos de sonido de 15 segundos o un jingle de 40 segundos.
El mismo nombre Taller lo coloca en una posición nada artística, nada elevada y vagamente servil.
El término "taller" en realidad proviene de la cultura teatral del Reino Unido posterior a la Segunda Guerra Mundial, el tipo de entorno del que surgió alguien como Shelagh Delaney. Una especie de idea del teatro proletarizada, desponceyificada y de West End. De hecho, el teatro se salvó del mundo del espectáculo y se convirtió en una especie de arte popular.
Ése es un gran punto sobre la música "funcional". Otro ejemplo en esa categoría: la música utilizada para crear el ambiente para el amor, incluidos bailes lentos al final de la discoteca, y temas de Quiet Storm creados para ser una banda sonora para hacer el amor.
Por supuesto, las percepciones y valoraciones cambian con el tiempo, por lo que los sencillos de Motown que alguna vez se consideraron profundamente adentrados en la dimensión funcional ahora son ampliamente considerados como declaraciones artísticas mayores que las óperas rock de Pretty Things y Who.
Debo admitir que me siento un poco así con respecto a los innovadores electrónicos del siglo XX. Los fragmentos funcionales del Taller Radiofónico son a menudo más sorprendentes y divertidos que el trabajo de los titanes de las academias continentales.
A pesar de todos sus resoplidos y resoplidos,
Otro ejemplo de funcionalidad: música diseñada para acompañar y mejorar ciertos tipos de experiencia con las drogas. Así Dub, rock psicodélico, Trance, etc.