UNA NACIÓN WOODSTOCK: FESTIVALES, AUDIENCIAS Y RADIO
¿Conoce el camino a Monterey? Los grandes festivales de música al aire libre se convirtieron por primera vez en un elemento importante de la cultura rock a fines de la década de 1960. En la primavera de 1967, John Phillips de The Mamas and the Papas y el ejecutivo de la compañía discográfica Lou Adler organizaron el Festival Internacional de Pop de Monterey, modelándolo en el ya establecido Festival de Jazz de Monterey. Monterey Pop fue el primer festival internacional de rock importante y reunió a bandas de San Francisco, Los Ángeles y Londres para actuar del 16 al 18 de junio en el recinto ferial del condado de Monterey en California. Jefferson Airplane, The Grateful Dead, Big Brother and the Holding Company, The Byrds, Mamas and the Papas, The Animals, The Who y muchos otros tocaron gratis, cobrando solo los gastos de viaje. La aparición de Jimi Hendrix lo presentó a músicos y hombres de negocios en los Estados Unidos y fue crucial para su éxito posterior. The Mamas and the Papas actuaron por última vez en su formación original. Se pensaba que la decisión de los Beach Boys de no tocar había dañado su reputación dentro de la floreciente contracultura. Otis Redding, respaldado por Booker T. & the MG's, cautivó a la audiencia hippie con la marca Stax de soul sureño. Si bien las cifras de asistencia para cualquier evento al aire libre a menudo varían ampliamente, la mayoría de las cuentas responsables coinciden en que asistieron al festival entre 55.000 y 90.000 personas. En muchos sentidos, Monterey fue simplemente una extensión de los eventos regulares de conciertos hippies en San Francisco que comenzaron en 1965. Mientras que los eventos de San Francisco incluyeron principalmente actos locales y regionales, el Festival de Monterey incluyó una amplia gama de actos internacionales en el mismo cartel. Esto proporcionó un modelo para el festival de rock al aire libre que sería seguido por importantes conciertos organizados en Newport (1968 y 1969), Miami (1968), Toronto (1969), Atlanta (1969), Denver (1969) y muchos más. otros lugares.
EN VIVO DESDE. . . WOODSTOCK de Graeme Boone Dicen que, si recuerdas la década de 1960, no estabas allí. Pero uno de los momentos más importantes de aquí y ahora en la historia estadounidense tuvo lugar en la granja de Max Yasgur en Bethel, Nueva York, del 16 al 18 de agosto de 1969: el Festival de Woodstock. Oficialmente llamada "Feria de Música y Arte de Woodstock, Una Exposición de Acuario", atrajo a medio millón de fanáticos a 600 acres de campo ondulado durante tres días de música, comunidad y puro éxtasis psicodélico. En los meses previos al festival, "¿Vas a ir?" Parecía una pregunta universal entre las tribus modernas, pero nadie sabía qué esperar, porque Woodstock era una apuesta arriesgada con probabilidades incognoscibles. ¿Podría la contracultura de la Costa Este realmente lograr un “acontecimiento” al estilo de la Costa Oeste en una escala tan masiva? Una horda de aficionados apostó a que sí, y tenían razón. Por un momento, la contracultura se convirtió en la cultura, y las diversas corrientes del radicalismo de los años 60 parecieron fusionarse, con todas las variedades de celebración y rebelión convergiendo en un gran río, no de violencia y destrucción, sino de celebración y compartir. En febrero de 1969, cuando comenzó la planificación de este gran evento, la logística se convirtió rápidamente en una complejidad sin precedentes. Los organizadores Michael Lang, Joel Rosenman y Artie Kornfi eld probablemente nunca hubieran continuado si se hubieran dado cuenta de lo difícil que iba a ser su tarea. Pero siguieron adelante hacia su sueño mientras los obstáculos surgían una y otra vez. Las negociaciones procedieron de manera adecuada ya un costo astronómico sobre la vertiginosa variedad de servicios públicos, servicios e infraestructura, todos los cuales tuvieron que ser introducidos o construidos en el lugar; proliferaba la oposición pública; y el permiso para usar el sitio fue denegado apenas un mes antes del festival, por lo que hubo que ubicar otro lugar. Durante el festival mismo, la catástrofe acechaba en todo momento: atascos de tráfico alucinantes; un desglose completo de la toma de entradas; tormentas y ríos de barro; malas drogas y malos viajes; crisis alimentaria, sanitaria y médica; y otras pesadillas logísticas de cada
descripción. El gobernador de Nueva York la declaró zona de desastre y se brindó ayuda de emergencia desde todas las direcciones, desde tiendas locales y servicios médicos hasta la Guardia Nacional y el Ejército. Pero para los fanáticos, tales realidades palidecieron ante la visión triunfal de Woodstock de paz y armonía en acción y adversidad, elevándose sobre una alfombra voladora de sexo, drogas y rock and roll. Una de las muchas incertidumbres sobre el festival fue si los grupos musicales estarían realmente de acuerdo en participar. Muchas bandas inicialmente se negaron a tocar o exigieron tarifas elevadas, e incluso después de que comenzó el festival hubo agujeros y signos de interrogación en el programa de tres días. Los problemas de programación se vieron exacerbados por los atascos de tráfico de cincuenta millas que hicieron necesario que todas las bandas entraran y salieran en helicóptero. En última instancia, la mayoría de los invitados tocaron y representaron una sección representativa notable de la contracultura musical de finales de la década de 1960. En el primer día, los artistas folk y acústicos se destacaron en un set que incluía a Richie Havens, Country Joe McDonald, John Sebastian, Sweetwater, The Incredible String Band, Bert Sommer, Tim Hardin, Ravi Shankar, Melanie, Arlo Guthrie y Joan. Báez, así como una conferencia espiritual de Swami Satchidananda. El segundo día destacó el rock psicodélico, duro y blues, con Quill, Keef Hartley, Santana, Canned Heat, Mountain, Creedence Clearwater Revival, The Grateful Dead, Janis Joplin, Sly Stone, The Who y Jefferson Airplane. La alineación para el tercer día fue aún más ecléctica, con Joe Cocker, Country Joe and the Fish, Alvin Lee, la banda, Blood Sweat & Tears, Johnny Winter, Paul Butterfi eld, Crosby Stills Nash & Young y Sha Na Na. Jimi Hendrix recibió la posición suprema de cerrar el Festival; pero para esa hora, a las 8:30 a.m. del lunes por la mañana, la mayoría de los fanáticos ya se habían ido para el largo viaje a casa. El lanzamiento de un documental cinematográfico en 1970 y un LP de dos álbumes en 1971 ayudó a transformar Woodstock de una experiencia de vuelo en un documento clásico de la cultura de finales de los sesenta. Si bien carecen de las tribulaciones y epifanías envolventes de esos tres días, el documental y el álbum brindan un relato vívido de la música, que todavía suena fresca hoy. Y algunas de las actuaciones, en particular la interpretación de Jimi Hendrix de "Star Spangled Banner", que pasó relativamente desapercibida en ese momento, ahora se cuentan entre las mejores del rock de los sesenta.
PELÍCULA LIVE PERFORMANCE: JIMI HENDRIX EN WOODSTOCK
A medida que el rock se orientaba hacia representaciones más ambiciosas y prolongadas a fines de la década de 1960, las películas documentales proporcionaron un foro apropiado para exhibir representaciones visuales. Entre los documentales de rock más importantes de esta época se encuentra Woodstock, una película estrenada en 1970 que representa el famoso festival de agosto de 1969 en el norte del estado de Nueva York. De las muchas representaciones icónicas asociadas con Woodstock, quizás la más famosa sea la de Jimi Hendrix, que tuvo lugar al final del festival y que también sirve como final de la película. Actuando el lunes por la mañana después de que gran parte de la multitud se haya dispersado, Hendrix dirigió un grupo improvisado llamado Gypsy Suns and Rainbows. Gran parte del metraje se centra en la actuación de Hendrix sin acompañamiento. (También se han lanzado interpretaciones completas del segmento de Hendrix independientemente de la película más grande). La aparición de Hendrix en el "montaje del director" comienza con una interpretación de "Voodoo Chile (A Slight Return)", que da paso a su famosa interpretación de " The Star-Spangled Banner ", y luego pasa a" Purple Haze ". En algunos casos, Hendrix se muestra como un virtuoso de la guitarra, realizando trucos como colocar su mano derecha sobre las cuerdas o tocar el instrumento con los dientes (1 y 2). Sin embargo, hay muchos casos en los que el sonido de la película incluye actuaciones de guitarra apasionantes, mientras que el video se centra únicamente en Hendrix como persona, destacando sus movimientos corporales y expresiones faciales (3). Esto es especialmente evidente durante la interpretación de "The StarSpangled Banner", cuando el rosa, blanco y turquesa del traje de Hendrix forman una correlación interesante con el rojo, blanco y azul de la bandera estadounidense. Sin embargo, en el contexto de la película, la actuación de Hendrix se utiliza para señalar las secuelas del festival de tres días, mostrando varios esfuerzos para limpiar el desorden de más de medio millón de hippies que acampan en las tierras de cultivo empapadas de barro (4). . Como más de la mitad de la multitud se había ido antes de esta actuación, el metraje de vídeo es un registro importante de la parte histórica de Hendrix en este programa que muestra la creciente importancia de los documentales en la recepción del rock durante la década de 1970.
Monterey Pop fue filmado por D. A. Pennebaker, y el lanzamiento de la película Monterey Pop en diciembre de 1968 (así como un álbum no muy representativo) aumentó aún más la importancia del festival.
Buen viaje, mal viaje: Woodstock y Altamont.
Si Monterey marcó el comienzo de la era de los grandes festivales de rock al aire libre, Woodstock fue su apogeo. Celebrada en una gran parcela de tierra de cultivo en Bethel, Nueva York, del 15 al 17 de agosto de 1969, la El Festival de Música y Arte de Woodstock atrajo al menos a 400.000 hippies. Las carreteras en el norte del estado de Nueva York estaban tan inesperadamente abarrotadas que muchas tuvieron que cerrarse para evitar un estancamiento regional a gran escala. Los boletos se habían puesto a la venta con anticipación, pero la mayoría de los fanáticos acudieron al evento esperando ingresar gratis. Las escasas fuerzas de seguridad se vieron abrumadas, todo con el espíritu del compañerismo hippie, y la mayoría de las personas terminaron en el evento sin pagar. Además, las fuertes lluvias detuvieron el espectáculo y crearon condiciones de barro y otros problemas. A pesar de estos contratiempos económicos y logísticos potencialmente devastadores, el evento fue tremendamente exitoso, convirtiendo el lema del festival, "Tres días de paz y música", en un ideal que representaba el poder y la influencia de la contracultura hippie. Actuaron muchas bandas estadounidenses y británicas importantes (The Grateful Dead, Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Janis Joplin, The Who), mientras que Santana; Crosby, Stills y Nash; Joe Cocker; y Sly and the Family Stone presentaron efectivamente estos actos a una audiencia mucho más amplia. El estreno en 1970 de la película documental de Michael Wadleigh, Woodstock, y un álbum en vivo de varios discos ayudaron a que el evento fuera un éxito financiero y, como la película y el álbum de Monterey, contribuyeron a la importancia del evento. Después de reuniones a gran escala en Monterey y Woodstock, la era terminó simbólicamente el 6 de diciembre de 1969 con un festival organizado por los Rolling Stones en el Altamont Speedway en Livermore, California. El plan original era que Grateful Dead llevaría a los Stones al Golden Gate Park de San Francisco para un espectáculo sorpresa gratuito para los fieles hippies. Los Stones vieron el espectáculo como una forma de agradecer a los fans leales y anunciaron el concierto en una conferencia de prensa unos días antes. Los planes originales se cancelaron cuando los funcionarios de la ciudad de San Francisco se enteraron del evento, pero un lugar estaba ubicado fuera de la ciudad en un antiguo hipódromo. Dos decisiones parecen haber llevado al desastre que siguió: los Stones emplearon a una banda de motociclistas, los Hells Angels, para brindar seguridad; y esperaron hasta el anochecer para comenzar su parte del espectáculo, dejando un lugar abierto en el día programa que dejó a los asistentes al concierto sin nada que hacer. Los Stones esperaron hasta el anochecer porque habían planeado un espectáculo de luces y estaban filmando una película, que luego se estrenó como Gimme Shelter en 1970. Los Hells Angels estaban sin algunos de sus miembros mayores, y algunas confrontaciones se salieron de control, con fans golpeados si se acercaban demasiado al escenario (Marty Balin de Jefferson Airplane quedó inconsciente en un momento). Cuando Meridith Hunter, una fan negra de dieciocho años, sacó con un arma en la parte delantera del escenario, la mataron a golpes; los hechos fueron capturados en una película y tuvieron lugar frente a los ojos de la banda mientras intentaban actuar. Desde entonces, muchos escritores han señalado que la organización a veces desordenada de estos eventos significaba que era solo cuestión de tiempo antes de que sucediera algo trágico. Sin embargo, el asesinato de Hunter ha hecho que muchos vean a Altamont como el evento que marcó el final de la era hippie.
Festivales en el Reino Unido y Europa.
Así como Monterey se había expandido en eventos de Family Dog y reuniones al aire libre como Human Be-In, también lo hizo el Festival de Niños de las Flores de agosto de 1967 en Woburn Abbey expandiendo el Sueño Tecnicolor de 14 horas para los hippies británicos. Este evento al aire libre de tres días incluyó actuaciones de Jimi Hendrix, Tomorrow, Jeff Beck Group y Small Faces, entre otros. (La duquesa de Bedford asistió, creyendo erróneamente que sería un espectáculo de flores.) Los actos de rock también aparecieron en el cartel del Festival Nacional de Jazz y Blues, un evento anual que había comenzado en 1961. En agosto de 1967 el festival se llevó a cabo en Windsor e incluyó a Cream, Tomorrow, Donovan y el mundo loco de Arthur Brown. Siguieron otros conciertos a gran escala en Francia, Italia y Suiza. Los festivales británicos posteriores más importantes se celebraron en el Hyde Park de Londres en julio de 1969 (organizado por los Rolling Stones en honor al recientemente fallecido Brian Jones), y el Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970. Los festivales de la Isla de Wight comenzaron en 1968, cuando unas 10.000 personas disfrutaron de una factura de un día que incluía el mundo loco de Arthur Brown y Jefferson Airplane. El festival de 1969 fue una empresa mucho más ambiciosa: se amplió a dos días e incluyó a Bob Dylan y The Band en una lista junto con The Who, The Moody Blues y The Nice, y atrajo a unos 150.000 asistentes. Las estimaciones conservadoras sitúan la asistencia al enorme Festival de la Isla de Wight de 1970 en 500.000, y este festival sigue siendo uno de los más grandes que se hayan celebrado en Gran Bretaña. El programa incluyó una mezcla de artistas consagrados y actos emergentes que se harían famosos en los años siguientes. A The Doors, Donovan y Jimi Hendrix (en su última actuación pública) se unieron Emerson, Lake & Palmer, Jethro Tull y Chicago
La fracturación de la audiencia de radio estadounidense:
AM versus FM.
La música psicodélica
nunca tuvo la intención de atraer a los adolescentes o preadolescentes. Como
folk, era música dirigida a oyentes en edad universitaria. Con el desarrollo de
la radio FM de formato libre en 1967 y su expansión a los mercados de radio en
todo el país, comenzó a desarrollarse una distinción importante entre el pop AM
orientado a un solo y el rock FM orientado a los álbumes: los oyentes más
jóvenes tendían hacia el dial AM mientras que hermanos escuchaban FM. A finales
de la década, el formato de forma libre se estaba volviendo algo más organizado
y, a mediados de la década de 1970, las crecientes limitaciones del formato de
rock orientado a álbumes (AOR) provocaron un gran debate dentro de la comunidad
del rock. Sin embargo, a fines de la década de 1960, era posible sintonizar una
estación de AM y escuchar a los Monkees, la Quinta Dimensión, la Asociación y
muchos otros artistas orientados al éxito, mientras que el dial FM podía
reproducir pistas más largas de álbumes de grupos que no lo hacían. han golpeado
sencillos. Hubo algunos cruces: "Light My Fire" de The Doors se trazó
como un sencillo pop, por ejemplo, en una versión editada que eliminó gran
parte de los solos instrumentales de la sección central. Esta separación por
grupos de edad dentro del mercado del rock presagió la fragmentación aún mayor
de ese mercado en la década de 1970, incluso entre las estaciones de rock FM.
Como veremos más adelante, la música rock en la década de 1970 tomó la era
psicodélica como punto de partida, tomando características musicales que
coexistían dentro de la psicodelia y separándolas para un mayor desarrollo.
LECTURAS RECOMENDADAS:
Nick Bromell, Tomorrow Never Knows: Rock and Psychedelics in the 1960s (University of Chicago Press, 2002).
Ray Coleman, Clapton! An Authorized Biography (Pan Books, 1995).
Jim DeRogatis, Kaleidoscope Eyes: Psychedelic Rock from the ’60s to the ’90s (Citadel
Press, 1996).
James Henke and Parke Puterbaugh, eds., I Want to Take You Higher: The Psychedelic
Era 1965–1969 (Chronicle Books, 1997).
Michael Hicks, Sixties Rock: Garage, Psychedelic, and Other Satisfactions (University
of Illinois Press, 2000).
Jerry Hopkins and Daniel Sugerman, No One Here Gets Out Alive (Grand Central
Publishing, 2006).
Timothy Leary, Ralph Metzner, and Richard Alpert, The Psychedelic Experience: A
Manual Based on the Tibetan Book of the Dead [1964] (Citadel Press, 2000).
Ray Manzarek, Light My Fire: My Life with the Doors (Century, 1998).
John McDermott with Eddie Kramer, Hendrix: Setting the Record Straight (Warner
Books, 1992).
Gene Sculatti and Davin Seay, San Francisco Nights: The Psychedelic Music Trip,
1965–68 (St. Martin’s Press, 1985).
Joel Selvin, Summer of Love: The Inside Story of LSD, Rock and Roll, Free Love, and
High Times in the Wild West (Cooper Square Press, 1999).
Grace Slick with Andrea Cagan, Somebody to Love? A Rock-and-Roll Memoir (Warner
Books, 1998).
Derek Taylor, It Was Twenty Years Ago Today (Simon and Schuster, 1987).
Chris Welch with Steve Winwood, Steve Winwood: Roll with It (Perigee, 1990).
Tom Wolfe, The Electric Kool-Aid Acid Test (Picador, 2008).
https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html
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