ROCK PROGRESIVO: GRANDES IDEAS Y GRANDES AMBICIONES
Letras filosóficas y álbumes conceptuales.
Tras la publicación del Stg. Pepper's Lonely Hearts Club Band, muchas bandas de ambos lados del Atlántico grabaron álbumes conceptuales. Sin embargo, un mayor sentido del concepto se convirtió en el sello distintivo de un nuevo tipo de “rock progresivo” que surgió en el Reino Unido. La idea de convertir un álbum en una declaración artística autónoma ya tenía algunos años en la década de 1970, pero las bandas de rock progresivo convirtieron la práctica en una obsesión dentro de la música rock. Estos grupos también siguieron el ejemplo del Stg. Pepper prestando mucha atención a las portadas de álbumes. Las extrañas versiones que Hipgnosis diseñó para Pink Floyd y los paisajes de fantasía de Roger Dean para Yes, por ejemplo, son parte integral de la experiencia de escuchar un álbum. Estos nuevos álbumes conceptuales también incluían letras que trataban de cuestiones filosóficas como la religión y la espiritualidad, la política y el poder, el avance de la tecnología y la angustia existencial. Algunos fanáticos dedicados a los aspectos emocionales del rock se sintieron repelidos por temas tan ambiciosos en el contexto de la estética hippie, y los críticos a menudo descartaron el rock progresivo como pretencioso. Sin embargo, estos álbumes conceptuales elaboradamente empaquetados eran claramente una extensión de la idea de que la música debería proporcionar un viaje. Los rockeros progresistas pueden haberse tomado a sí mismos y a su música muy en serio, pero el estilo fue un desarrollo lógico de las ambiciones cada vez más elevadas que el rock había adoptado a lo largo de la década de 1960. Los contrastes entre el auge del rock progresivo y el movimiento de cantautores, que abrazó un regreso a la simplicidad . muestran dos manifestaciones diferentes de la estética hippie durante la década de 1970.
El uso de la música clásica con el rock.
Un elemento principal del rock progresivo británico en la década de 1970 fue el uso claro y consciente de la música clásica. Los Beatles fueron la fuente más obvia de esta práctica, aunque muchos otros grupos psicodélicos emplearon elementos extraídos de la música clásica . Por ejemplo, la pista más conocida de Procol Harum, "A Whiter Shade of Pale" ( 1967), combina la sensación de "When a Man Loves a Woman" de Percy Sledge con una progresión de acordes extraída de una cantata de J. S. Bach.
Entre la Los primeros intentos de mezclar música clásica
en un álbum conceptual son Days of Future Passed de Moody Blues (1967). La banda ya tenía un sencillo de éxito con "Go Now" ( 1965) cuando su sello, Decca, les pidió que grabaran una versión rock de la New
World Symphony de Dvor˘ák como un disco de demostración para ayudar a vender
unidades estéreo. En cambio, el grupo ideó una suite de canciones, y se
contrató a un arreglista profesional para componer los interludios orquestales
entre las pistas, creando finalmente Days of Future Passed. The Moody Blues
pasó a colocar una serie de álbumes en lo más alto de las listas, incluidos A Question
of Balance (1970), Every Good Boy Deserves Favor ( 1971) y
Seventh Sojourn (1972).
The Who: los grandes proyectos de Townshend.
Aunque normalmente no se les considera una banda de rock progresivo, los Who fueron tremendamente influyentes en el desarrollo de la ambición del rock a finales de la década de 1960. Formada por el guitarrista Pete Townshend, el vocalista Roger Daltrey, el bajista John Entwistle y el baterista Keith Moon, la banda estaba dirigida por Kit Lambert, hijo de un conocido compositor de música clásica en Gran Bretaña. El joven Lambert conocía bien la estructura de la música clásica y animó a Townshend a tomar prestadas ideas de música clásica en sus escritos para The Who. Los primeros intentos de Townshend fueron piezas relativamente cortas, "A Quick One While He’s Away" (1966) y "Rael" (1968).
Estos sentaron las bases para un trabajo mucho más grande, Tommy (1969). Tommy cuenta la historia de un niño sordo, mudo y ciego que obtiene iluminación espiritual jugando al pinball. Cuando Tommy se cura de sus discapacidades, se le considera un gurú, que posee la gran sabiduría de todas las épocas. La historia es una parábola sobre la superficialidad de gran parte de la espiritualidad hippie. Cuando Tommy les dice a sus seguidores que para obtener una visión espiritual necesitarán renunciar a fumar marihuana y beber, silenciar sus sentidos y jugar al pinball, la multitud lo rechaza rotundamente. A través de Tommy, Townshend envió un mensaje de que las búsquedas espirituales requieren esfuerzo y sacrificio. Irónicamente, muchos de los hippies que eran los objetivos previstos de este álbum nunca entendieron su mensaje. Musicalmente, Townshend empleó una variedad de material recurrente que se reintroduce durante momentos importantes del álbum, una práctica que ocurre a menudo en la ópera.
The Who siguió a Tommy con dos álbumes conceptuales más, Who’s Next ( 1971) y Quadrophenia ( 1973). Who's Next comenzó como un proyecto llamado Lifehouse, que buscaba fusionar a la banda y sus oyentes a través de una serie de experiencias de conciertos que quedarían grabadas. Cuando esto no funcionó, la banda grabó gran parte de la música como la colección Who's Next.
Con Quadrophenia, Townshend regresó a
su pasado Mod, elaborando una historia sobre un joven Mod que busca significado
en su vida. The Who tuvo un éxito continuo a lo largo de la década de 1970,
aunque se alejó de los grandes proyectos conceptuales.
el nacimiento: King Crimson y Emerson, Lake & Palmer.
Mientras que los Beatles, The Moody Blues, Procol Harum y The Who fueron influencias claras en el rock progresivo de la década de 1970, el álbum que creó la plantilla estilística para el rock progresivo que siguió fue In the Court of the Crimson King de King Crimson ( 1969).
La banda estaba dirigida por el guitarrista Robert Fripp, al que se unieron el bajista y vocalista Greg Lake, el baterista Michael Giles y el multiinstrumentista Ian McDonald en teclados y vientos. King Crimson mezcló los aspectos más duros y disonantes de la música del siglo XX, los elementos más suaves y consonantes de la música clásica del siglo XIX y una influencia del jazz moderno en un contexto de rock. El primer álbum del grupo se abre con "21st Century Schizoid Man", que presenta a Lake con una voz agresiva y una sección intermedia virtuosa llena de extrañas síncopas rítmicas y riffs melódicos angulares. El grupo sufrió una serie de cambios de personal, aunque la formación que se instaló para varios álbumes a principios de la década de 1970, con Fripp con el baterista Bill Bruford, el bajista y vocalista John Wetton y el violinista David Cross, produjo parte de la mejor música de la banda. incluyendo Larks 'Tongues in Aspic (1973) y Red ( 1974).
King Crimson disfrutó de mucho menos éxito comercial que las bandas centradas en el tecladista múltiple Keith Emerson. Ya en 1967, Emerson era bien conocido en la escena londinense como miembro de Nice, que disfrutó de dos álbumes exitosos en Gran Bretaña, The Nice (1969) y Five Bridges Suite (1970). Durante su tiempo con el Nice, Emerson se ganó la reputación de tocar y destruir (o parecer destruir) teclados virtuosos durante los shows, una idea que obtuvo de Jimi Hendrix (el Nice realizó una gira con Jimi Hendrix Experience a finales de los 60). Emerson también se hizo conocido por sus inteligentes adaptaciones al rock de los favoritos de la música clásica. Mientras estaban de gira por los Estados Unidos con King Crimson a finales de 1969, Emerson y Lake decidieron formar su propia banda juntos, recurriendo a Carl Palmer, que había tocado la batería con Arthur Brown. Emerson, Lake & Palmer ("ELP") retomó donde lo había dejado el Nice, y el álbum debut homónimo de la banda subió al número cuatro en el Reino Unido en 1970 .
Para su segundo álbum, la banda consideró lanzar un álbum doble que consta de un disco de material original y un segundo que contiene una versión en vivo de la suite de piano del compositor ruso Modest Mussorgsky del siglo XIX, Pictures at an Exhibition. El plan de doble lanzamiento fue descartado y los álbumes se lanzaron por separado como Tarkus (1971) y Pictures at an Exhibition ( 1971). Estos dos registros ilustran las dos características clave del enfoque de ELP hacia el rock progresivo. La música original de Tarkus incluye pistas largas que alternan canciones líricas con la versátil interpretación de Emerson en el órgano, piano y sintetizador. Pictures proporciona un ejemplo de cómo la banda reelabora la música clásica, eliminando algunas partes y agregando otras recién compuestas, para producir un nuevo trabajo por derecho propio.
La banda siguió con Trilogy (1972) y Brain Salad Surgery ( 1973) y mantuvo su éxito en ambos lados del Atlántico durante la década de 1970.
Espiritualidad hippie: Jethro Tull y Yes.
Así como Tommy había mencionado el papel de la espiritualidad en la cultura hippie, Jethro Tull y Yes centraron sus obras más ambiciosas en las instituciones y tradiciones religiosas. A diferencia de la mayoría de las otras bandas de rock progresivo, Jethro Tull comenzó como una banda de blues. En álbumes tempranos como Stand Up (1969), el líder del grupo Ian Anderson tocaba más armónica que su flauta de marca registrada (además de cantar la voz principal). Sin embargo, a principios de la década de 1970, Anderson se centró cada vez más en cuestiones de espiritualidad y, al igual que Townshend, desconfiaba mucho de las instituciones religiosas y políticas. El primer álbum que expresó estas ideas fue Aqualung (1971), que trata del trato que la sociedad da a los pobres y es, en parte, una amarga acusación contra la Iglesia de Inglaterra.
El siguiente álbum de la banda, Thick as a Brick (1972), es un ataque a los valores burgueses, mientras que A Passion Play ( 1973) aborda el tema de la vida después de la muerte y la reencarnación. Mientras que Aqualung se divide en pistas separadas, los otros álbumes se dividen solo por la pausa obligatoria requerida para dar la vuelta al disco y son esencialmente pistas individuales de unos cuarenta minutos de duración. El personal de la banda cambió a lo largo de la década, aunque la formación de Anderson, Martin Barre (guitarra), John Evans (teclados), Barrie Barlow (batería) y Jeffrey Hammond (bajo) tocaron en la mayoría de los álbumes más conceptuales.
Dirigido por el vocalista Jon Anderson (sin relación con Ian), Yes también se preocupó por cuestiones de espiritualidad inspiradas en la mezcla hippie de ideas religiosas orientales. Aunque el grupo había lanzado tres álbumes, Fragile ( 1971) marca el primer lanzamiento de la formación definitiva de la banda, compuesta por Anderson, el guitarrista Steve Howe, el bajista Chris Squire, el baterista Bill Bruford y el multi-tecladista Rick Wakeman.
En términos de destreza instrumental, Yes fue quizás el grupo más exitoso de todo el rock progresivo, con Howe, Squire, Wakeman y Bruford ganando constantemente premios por su participación en encuestas de revistas a ambos lados del Atlántico. Mientras que los temas espirituales se pueden encontrar en Fragile, son mucho más obvios en Close to the Edge ( 1972). Basada en parte en la novela Siddhartha de Hermann Hesse, la canción principal de dieciocho minutos está inspirada en la búsqueda de la sabiduría espiritual con muy poca crítica cáustica que se encuentra en la música de Jethro Tull. (Si alguna banda de la década de 1970 captura a la perfección la ingenua y esperanzada inocencia de la psicodelia, esa es Yes.) El concepto para la continuación de la banda, Tales from Topographic Oceans (1973), se inspiró en las escrituras orientales (extraídas de una nota al pie de la Autobiografía de un yogui de Paramahansa Yogananda, un favorito hippie) y consta de cuatro pistas en dos álbumes.
Después del lanzamiento de Tales, Wakeman se fue para seguir una carrera en solitario y la banda seleccionó al teclista suizo Patrick Moraz para Relayer ( 1974), con el tema épico "The Gates of Delirium", inspirado en La guerra y la paz de León Tolstoi. La embriagadora mezcla de virtuosismo instrumental y temas espirituales de la banda resultó ser una combinación ganadora. Junto con ELP y Jethro Tull, Yes fue una de las bandas de rock de mayor éxito comercial durante la primera mitad de la década de 1970.
Expansión sinfónica.
La mayoría de las bandas de rock progresivo estaban ansiosas por
integrar influencias de la música clásica para crear arreglos musicales más
largos y complejos, pero los elementos de estas pistas de rock más sinfónico
provienen de formas populares de música pop. El "Rotonda" de Yes
ilustra cómo una pista larga (de casi nueve minutos) puede construirse con
componentes más cortos y familiares. La pieza usa la misma forma AABA compuesta
que vimos en "Whole Lotta Love" de Led Zeppelin. “Roundabout” está
repleto de muchas características musicales que muestran influencias de la
música clásica, incluida la idea de reutilizar material melódico de nuevas
formas, que es una característica central de gran parte de la música clásica.
La pieza también incorpora una serie de ideas rítmicas inventivas. Observe cómo
las secciones del puente no se pueden contar de acuerdo con un patrón simple de
cuatro tiempos. Este tipo de patrón rítmico (llamado "compás
cambiante") es estándar en gran parte de la música clásica del siglo XX y
en algo de jazz, pero no suele ser una característica del rock anterior
("All You Need Is Love" de los Beatles es una excepción notable:
Pruébelo contando tres y cuatro tiempos). Se puede escuchar un uso similar del
medidor de cambio en el "Whipping Post" de Allman Brothers. Con su
patrón formal extraído de formas pop más simples y su manipulación de material
melódico y rítmico extraído de la música clásica, “Roundabout” demuestra cómo
el rock progresivo dependía tanto del pop como de la tradición clásica. Si bien
los patrones formales dentro del rock progresivo varían considerablemente, el
patrón que se encuentra en "Roundabout" se repite regularmente
(aunque con alguna variación) en la música de Yes de la década de 1970. La Guía
de escucha también muestra que la pista está dividida en dos partes grandes,
marcadas por la introducción de la guitarra clásica y su regreso a las 4:57
(indicado por asteriscos). Sin embargo, esta división no se alinea con la forma
AABA, revelando una estructura formal que opera en múltiples niveles (dos en
este caso), otra característica común en la música clásica.
Cuentos extraños y Rock progreviso teatral: Genesis y Pink Floyd.
Durante la primera mitad de la década de 1970, Genesis fue una de las bandas más creativas y extrañas del rock progresivo. La banda incluía al cantante Peter Gabriel, el baterista y vocalista de respaldo Phil Collins, Michael Rutherford al bajo, Steve Hackett a la guitarra y Tony Banks a los teclados. Musicalmente, Genesis se centró en arreglos largos y cuidadosamente elaborados, mientras que la letra de Gabriel hilaba historias fantásticas que presentaban críticas punzantes, aunque a veces oscuras, de la vida y los valores británicos. En el escenario, mientras los otros miembros de la banda estaban absortos en su interpretación, Gabriel representó estas historias. Usando vestuario y accesorios para crear un nuevo tipo de teatro de rock, Genesis extendió las ambiciones de ópera rock del álbum conceptual a la sala de conciertos. Por ejemplo, durante las presentaciones en vivo de “The Musical Box” de Nursery Cryme (1971), Gabriel se puso una máscara para ayudarlo a representar el papel de un espíritu reencarnado que ha envejecido setenta años y acumulado décadas de anhelo sexual insatisfecho.
Foxtrot (1972), incluye la pista de veinte minutos "Supper's Ready", cuyas actuaciones en vivo presentaban a Gabriel en el papel del Mesías que regresaba, levantándolo del escenario con cables para aumentar el efecto de la presencia divina. En The Lamb Lies Down on Broadway ( 1974), al igual que en A Passion Play de Jethro Tull, seguimos al personaje principal, Rael (como la pieza de Who mencionada anteriormente), después de la muerte y antes del renacimiento. El vestuario de Gabriel para las representaciones de El cordero se volvió tan elaborado que a veces le resultaba difícil mantener el micrófono lo suficientemente cerca de la boca para cantar.
La inclinación de Gabriel por lo extraño fue paralela a la fascinación de Roger Waters por la locura, que es evidente en muchos álbumes de Pink Floyd de la década de 1970.
Después de su éxito en la escena psicodélica de Londres a fines de la década de 1960, Pink Floyd, con Waters en el bajo y la voz, Rick Wright en los teclados, Nick Mason en la batería y el guitarrista David Gilmour, compuso una serie de álbumes exitosos en el Reino Unido, incluido Ummagumma. (1969), Atom Heart Mother (1970) y Meddle (uk3, 1971). Fieles al espíritu psicodélico, estos álbumes fueron marcadamente experimental, dependiendo más de interesantes timbres electrónicos y dispositivos compositivos que del virtuosismo instrumental. The Dark Side of the Moon (1973) estableció firmemente la banda en los Estados Unidos: el álbum tuvo un enorme éxito y muchos de sus temas han sido elementos básicos de la radio FM rock desde su lanzamiento.
Barrett se vio obligado a abandonar el grupo a fines
de la década de 1960 por la aparición de una enfermedad mental, y Waters
parecía obsesionado con la enfermedad de Barrett y la muerte de su propio padre
durante la Segunda Guerra Mundial. Muchas letras de Pink Floyd se remontan a
estos dos temas: Wish You Were Here (1975), por ejemplo, trata
directamente de la locura de Barrett, especialmente en el tema "Shine On
You Crazy Diamond". Mientras que Genesis hizo de Peter Gabriel el foco de
su show en vivo, Pink Floyd optó por extender la idea del espectáculo de luces
psicodélicas para incluir una variedad de elaborados efectos de escenario, como
un avión estrellado y un cerdo volador. El complejo espectáculo teatral del
álbum conceptual de dos discos de la banda The Wall ( 1979) presentaba
una pared que se estaba construyendo lentamente en el escenario entre la banda
y el público, y animaciones proyectadas (similares a la famosa carátula del
álbum) del artista Gerald Scarfe. La iluminación impresionante y los efectos de
utilería eran parte de casi todos los espectáculos de rock progresivo, aunque
algunas bandas llevaron esta idea más lejos que otras. Los álbumes conceptuales
y las óperas de rock se desarrollaron por primera vez a fines de la década de
1960, al igual que la noción de abordar temas importantes y serios. El rock
progresivo de la década de 1970 extendió y refinó estas tendencias
psicodélicas, y tuvo raíces que se remontan a los playlets de Leiber y Stoller.
De toda la música de la década de 1970, el rock progresivo fue más fiel a la
estética hippie, convirtiéndolo en el principal objetivo contra el que el punk
se rebeló más adelante en la década
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