PSICODELIA
La música y la cultura psicodélicas comenzaron en las
escenas subterráneas regionales de Londres y San Francisco en la década de 1950
y estaban bien establecidas a fines de 1965. Por lo tanto, el verano del amor
no marca el comienzo de la psicodelia per se, sino más bien su avance hacia la
corriente principal.. A principios de 1966, solo se encontraron indicios de
música psicodélica en los registros de los principales artistas del rock. En
cambio, músicos relativamente desconocidos estaban desarrollando el nuevo
estilo. Algunas de estas bandas tuvieron éxito comercial (Grateful Dead, Pink
Floyd, Jefferson Airplane), aunque otras no (Soft Machine, Tomorrow, the
Charlatans). La psicodelia surgió desde sus orígenes en los movimientos
clandestinos de Londres y San Francisco (que consisten en bandas regionales,
clubes, tiendas y periódicos) en la cultura pop dominante y se convirtió en una
influencia generalizada en la cultura rock a fines de la década de 1960. Es
importante examinar el desarrollo de la música psicodélica en dos frentes,
explorando las escenas subterráneas en Londres y San Francisco y considerando
cómo esta música se infiltró en las listas de éxitos del pop. Pero antes de
trazar su historia, necesitamos definirla: ¿Qué es la psicodelia y qué hace que
la música sea psicodélica?
LAS DROGAS Y LA BÚSQUEDA DE UNA CONCIENCIA SUPERIOR
La improbable mezcla de espiritualidad oriental y consumo de
drogas que evocaba “Eight Miles High” había sido defendida por Timothy Leary en
su libro de 1964 The Psychedelic Experience. Coescrito con sus colegas de
Harvard Ralph Metzner y Richard Alpert (que más tarde cambiaría su nombre a Ram
Dass y jugaría un papel importante en la popularización de la religión oriental
entre los hippies), el libro ofrecía una guía para el uso del ácido basada en
los antiguos Libro tibetano de los muertos. El interés en la filosofía oriental
se vio reforzado por los Beatles, que se convirtieron en estudiantes de
meditación trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi en la época en que
lanzaron Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Si bien el consumo de drogas no
es parte de la práctica del yoga en la mayoría de las tradiciones orientales,
se vinculó con la religión oriental y una conciencia superior a los ojos de la
floreciente cultura hippie. Mientras los gurús orientales buscaban la verdad a
través de la disciplina espiritual, los hippies buscaban la verdad mediante el
uso de LSD. En conjunto, estos enfoques a veces contradictorios estaban en el
corazón de una contracultura floreciente de la década de 1960: una cosmovisión
hippie comprometida con el cambio cultural. Y la música estaba en el centro de
este estilo de vida. Dos enfoques psicodélicos de la música. Hay dos formas
generales en que la música puede reflejar un interés creciente en la conciencia
superior. La primera es utilizar música para mejorar un viaje de drogas. Según
este enfoque, el foco es la experiencia de la droga en sí, y la música es una
banda sonora que puede provocar una respuesta con sonidos novedosos y
desconocidos, pero no proporciona un viaje en sí. Encontraremos ejemplos de
esta tendencia en nuestras discusiones sobre las escenas subterráneas de San
Francisco y Londres y grupos como Grateful Dead y Pink Floyd. Un segundo
enfoque es entender la música como un viaje. En este caso, el artista debe
crear música que actúe como una droga estética, llevando al oyente a un viaje
auditivo que puede o no ser mejorado por el uso de drogas. Este enfoque se
demuestra con la música de los Doors y los Beatles, que se analiza a
continuación. En ambos casos, el viaje y la búsqueda de una conciencia superior
son esenciales, y en este contexto los músicos se volvieron más experimentales
y ambiciosos sobre la escritura, interpretación y grabación de música. Sin
embargo, para que la música mejore o proporcione un viaje, tuvo que ir más allá
del formato de radio de dos o tres minutos que era estándar para la radio AM a
mediados de la década de 1960.
AMBICIÓN PSICODÉLICA: LOS BEACH BOYS Y LOS BEATLES
Dos bandas, una
etiqueta.
El auge cultural de la psicodelia coincidió con una
tendencia hacia enfoques más ambiciosos para la composición, los arreglos y la
grabación de canciones de rock. Por ejemplo, una vez que estuvo firmemente
dentro del dominio de los intereses de los adolescentes, la música tanto de los
Beatles como de los Beach Boys se volvió cada vez más complicada a medida que
avanzaban los años sesenta. Las letras abordaron temas más serios, se utilizó
una gama más amplia de instrumentación, el lenguaje armónico se volvió más
innovador, los tipos formales estándar a menudo se modificaron o abandonaron, y
se tomó más tiempo en el estudio para grabar pistas que a menudo no eran
reproducibles en presentaciones en vivo. Los Beatles se alejaron gradualmente
del modelo de artesanos profesionales (mejor ejemplificado por los compositores
de Brill Building) y adoptaron una postura más conscientemente “artística”
(similar a la de un compositor o artista de música clásica). Con los Beach
Boys, una búsqueda para igualar y superar los logros de Phil Spector pareció
llevar a Brian Wilson a un enfoque cada vez más experimental. En los Estados
Unidos, los Beatles y los Beach Boys estaban en el mismo sello discográfico,
Capitol. Esto significó que no solo compitieron por la atención del público
sino también por la atención de su propio registro. a. El efecto combinado del
aumento de las ambiciones artísticas de ambas bandas y una rivalidad comercial
produjo una secuencia de discos que exhiben la transformación del rock de la
música de baile a la música auditiva.). Aquí consideramos cómo estas bandas se
influenciaron e incluso se inspiraron unas a otras. Brian Wilson ha comentado,
por ejemplo, que admiraba la forma en que las canciones de Rubber Soul
trabajaban juntas como un álbum. Esto inspiró a Wilson a pensar en Pet Sounds como
un álbum de canciones relacionadas. Paul McCartney recuerda que escuchó Pet
Sounds constantemente después de su lanzamiento, admirando la producción y la
composición. Con Revolver, y especialmente con “Tomorrow Never Knows”, los
Beatles traspasaron los límites de la experimentación en el estudio,
produciendo una pista que muchos consideran la introducción de la psicodelia en
la corriente principal.
" Good Vibrations ".
Para no dejarse vencer por la ambición de "Tomorrow
Never Knows", Wilson y los Beach Boys lanzaron "Good Vibrations"
(p1 uk1, 1966), un sencillo que consumió más tiempo de estudio y asignación de
presupuesto que cualquier otro sencillo pop antes. Wilson lo llamó su
"sinfonía de bolsillo", y muchos consideran que este sencillo es su
mayor logro. “Buenas vibraciones” comienza con un enfoque de coro de verso
contrastante. Pero después de la segunda vez a través del coro, la pista
continúa con una secuencia de tres secciones de material nuevo. En cierto
sentido, "Good Vibrations" lleva al oyente en un "viaje" a
través de un territorio musical desconocido. Cada sección de la canción se
grabó por separado y se unió más tarde, cortando y pegando cinta con cinta
adhesiva y una cuchilla de afeitar. Cada una de las tres secciones presenta
nuevo material musical. La sección 1 emplea un piano de tachuela (un piano
vertical con tachuelas clavadas en los martillos para crear un ataque más
agudo), un arpa judía (un pequeño instrumento
Rising Rock
Ambitions Beatles,
Rubber Soul
(late 1965)
Beach Boys,
Pet Sounds (early to mid-1966)
Beatles,
Revolver (late summer 1966), “Tomorrow Never Knows”
Beach Boys, “Good Vibrations” (late 1966)
Beatles,
“Penny Lane/Strawberry Fields Forever” (early 1967)
Beach Boys,
SMiLE (late 1966/early 1967; not released)
Beatles,
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (June 1, 1967)
Beach Boys, Smiley Smile (August 1967)
. El empalme en la Sección 2 se puede escuchar claramente, ya que la
música se vuelve más silenciosa de inmediato, comenzando solo con un órgano
bajo y percusión. Después de la voz, un órgano más alto y el bajo entran, el
pasaje se abre camino hacia una hermosa armonía en "ah" para terminar
la sección (escuche atentamente el eco mientras las voces se apagan). La
tercera sección comienza como si fuera otro coro, solo para introducir un nuevo
pasaje vocal de tres partes antes de reanudar la música del coro para el
desvanecimiento. Si bien “Good Vibrations” comienza como una forma de
verso-coro contrastante, la adición de estas tres secciones y la forma en que
introducen nuevos sonidos y material representó un cambio importante para la
música pop. Wilson pasó mucho tiempo experimentando con el orden de estas
secciones antes de llegar a la versión final. Más tarde, Capitol lanzó algunas
de las versiones alternativas y ensayos de estudio de "Good
Vibrations" y estas cintas ilustran la centralidad de las técnicas de
estudio y el sentido de experimentación en la creación de esta canción. Las
cintas de ensayo revelan cuán diligentemente trabajó Wilson para encontrar los
sonidos instrumentales precisos que empleó, lo que proporciona una rara visión
de su método de trabajo. “Good Vibrations” marcó un punto alto en la ambición
musical de los Beach Boys que nunca volverían a igualar.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
Después del
lanzamiento de Revolver, los Beatles abandonaron las giras y dedicaron sus
energías a la grabación. Hubo varias razones para este cambio drástico. Algunas
de las canciones recientes del grupo eran casi imposibles de interpretar en
vivo como cuarteto, y el ruido de los fans hacía que las actuaciones fueran en
general desagradables. A raíz de la controversia en torno a los comentarios de
John Lennon sobre el cristianismo, las apariciones en vivo también se habían
vuelto demasiado peligrosas. Quizás lo más importante es que trabajar en
grabaciones que el grupo sabía que no necesitaban ser reproducidas en vivo
permitió una inmensa libertad en el estudio de grabación, satisfaciendo las
ambiciones creativas de un movimiento psicodélico emergente. En el otoño de
1966, los Beatles comenzaron a trabajar en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club
Band, que busca utilizar todos los recursos de un estudio de grabación y la
comunidad musical de Londres. Al principio, la idea era unir todas las
canciones del álbum en torno a un tema central: sus recuerdos de crecer en
Liverpool. Pero a principios de 1967, EMI estaba ansiosa por al menos lanzar un
sencillo, ya que el sello sabía que nunca era bueno para un acto pop, ni
siquiera los Beatles, estar lejos de las listas de éxitos durante demasiado
tiempo. El siguiente lanzamiento fue un sencillo de doble cara de "Penny
Lane" y "Strawberry Fields Forever". La letra de "Penny
Lane" describe una variedad de escenas que McCartney sintió capturaron una
sección transversal de la vida cotidiana en su ciudad natal, mientras que
"Strawberry Fields Forever" recuerda un parque del vecindario donde
Lennon jugaba cuando era niño. Las crecientes ambiciones musicales del grupo se
pueden escuchar en el solo de trompeta piccolo en "Penny Lane",
inspirado en un concierto de Bach que McCartney escuchó mientras trabajaban en
la pista. "Strawberry Fields Forever" es más aventurero en términos
de grabación. Utiliza una amplia variedad de sonidos que incluyen violonchelos,
tocar dentro del piano, cinta invertida y el Mellotron, un teclado de muestreo
temprano que usa sonidos grabados para crear cuerdas orquestales, voces corales
y un conjunto de flautas dulces (fla de madera simple). . Este teclado se puede
escuchar al principio de la canción usando su configuración de conjunto de
grabadora. La versión final de “Strawberry Fields Forever” es en realidad una
combinación de dos versiones que se habían grabado en diferentes tempos y en
diferentes tonos. El productor George Martin varió la velocidad de la cinta
para que las grabaciones pudieran unirse sin que el oyente notara el empalme.
“Strawberry Fields Forever” también incluye una característica novedosa:
después de que la canción se desvanece al final, hay un momento de silencio y
luego un breve pasaje de nueva música se desvanece nuevamente. Esto debe haber
sorprendido a los disc jockeys la primera vez que tocaron el canción: justo
cuando el deportista hablaba sobre el final de la canción, ¡la música volvió a
entrar! La idea de crear un álbum basado en la infancia en Liverpool se
abandonó cuando "Penny Lane" ensamblado para crear un fondo auditivo
caleidoscópico. “A Day in the Life” también incorpora técnicas experimentales
con dos pasajes en los que los intérpretes de cuerdas de la orquesta comienzan
desde una nota baja en su instrumento y gradualmente tocan notas más altas
hasta que se les da una señal para tocar un acorde de mi mayor más cercano a
donde se encuentren. fin. Tales técnicas de azar, llamadas
"aleatorias" en la música clásica, fueron una parte muy importante de
la música de vanguardia en la década de 1960. Los Beatles eran muy conscientes
de la conexión, ya que incluyeron al compositor de vanguardia Karlheinz
Stockhausen en la portada del álbum. El uso de tales técnicas subraya aún más
la seriedad con la que ahora los Beatles abordan su música. Quizás uno de los
aspectos más importantes e influyentes de Sgt. Pepper es que creó un nuevo
enfoque en el álbum en lugar del sencillo. En los años siguientes al sargento.
Pepper, el pop orientado a singles se dirigiría a una audiencia adolescente a
través de la radio AM, y el rock orientado a álbumes (AOR) se dirigiría a
adolescentes mayores y oyentes en edad universitaria en FM. Mientras que los
Beatles continuarían sacando sencillos después de Sgt. Pepper, la nueva idea de
álbum como unidad básica sirvió como modelo para el rock durante varias décadas
después de 1967.
Colapso y retirada:
SMiLE y Smiley Smile.
Mientras los Beatles grababan “Penny Lane” y “Strawberry
Fields Forever”, Brian Wilson estaba trabajando en quizás el álbum más famoso
jamás lanzado. Trabajando a partir de la idea de que la risa y el "buen
rollo" eran lo que hacía del mundo un lugar mejor, Wilson planeó llamar a
su nuevo álbum conceptual SMiLE. Después de que se perdiera la fecha de
lanzamiento prevista de diciembre de 1966, continuó trabajando durante los
primeros meses de 1967 antes de abandonar finalmente el proyecto, con más del
70 por ciento del álbum terminado según algunos informes. Los Beach Boys
lanzaron Smiley Smile (p41 uk9, 1967), un álbum significativamente diferente de
lo que SMiLE habría sido (y resultó ser). En los años transcurridos desde
entonces, han surgido muchos mitos sobre SMiLE. Algunos escritores especulan
que habría sido la obra maestra de Wilson, mientras que otros afirman que su
alto consumo de drogas lo dejó confundido e incapaz de manejar la complejidad
de la música. Los académicos ahora tienen una buena idea de cómo podría haber
sonado el álbum a partir del material de estudio publicado por Capitol en la
década de 1990 y de grabaciones piratas. Una pista fue lanzada en ese momento y
proporciona una muestra del SMiLE original. Al igual que "Good
Vibrations", "Heroes and Villains" es un producto del estudio de
grabación, con separaciones secciones cuidadosamente grabadas y altamente
producidas unidas para crear una secuencia de episodios musicales. Si bien una
versión fue lanzada oficialmente durante el verano de 1967 (p14 uk8), existen
varias versiones alternativas lanzadas más tarde que son mucho más
experimentales: una se ejecuta durante diez minutos. La versión regrabada de
Wilson de 2004 mantiene el espíritu del original, aunque su energía vocal es
menos activa y las pistas musicales delatan un brillo del siglo XXI. Desde que
fue abandonado, SMiLE ha alcanzado un estatus considerable, por lo que puede
parecer sorprendente que el proyecto creara controversia dentro de la banda
cuando Wilson estaba trabajando en él. Los otros Beach Boys pasaron mucho
tiempo de gira interpretando los éxitos anteriores de la banda. Cuando se
encontraron con la música más nueva de Brian a fines de 1966, pensaron que
nunca sería popular entre los fanáticos. Hasta cierto punto, esto era cierto:
Pet Sounds no se había vendido tan bien como álbumes anteriores. En Smiley
Smile y los álbumes posteriores durante el resto de la década, los Beach Boys
hicieron un esfuerzo por simplificar su sonido, aunque el grupo nunca volvió a
lograr el tipo de éxito comercial que habían disfrutado a mediados de la década
de 1960. Wilson todavía estaba escribiendo para la banda y actuando en las
grabaciones, pero los álbumes ahora figuraban como "producidos por los
Beach Boys".
Y el final: The Beatles después de Sgt. Pepper.
John Lennon pudo
haber insistido en que el sargento. Pepper no era un álbum conceptual, pero
mucho de lo que hicieron los Beatles después de Sgt. Pepper fue impulsado por
temas organizativos, a menudo ideados por Paul McCartney. Magical Mystery Tour,
por ejemplo, se construyó en torno al concepto de la banda viajando por la
campiña inglesa en autobús, haciendo una película sobre la marcha. A principios
de 1968, la banda viajó a la India para estudiar meditación en el ashram del
Maharishi Mahesh Yogi y trajo decenas de canciones, muchas de las cuales
aparecerían en The Beatles (a menudo llamado el "Álbum Blanco"). También
se le acercó a la banda para hacer una película animada que los usaría como
personajes en una aventura surrealista en Pepperland. El resultado, Yellow
Submarine, podría describirse como una especie de psicodélico A Hard Day’s
Night. Después de esto, McCartney ideó un plan para hacer una película
documental de los Beatles escribiendo, ensayando y grabando un álbum,
concluyendo con una interpretación de la música terminada. El proyecto
"Get Back" salió mal, con el productor George Martin saliendo (fue reemplazado
por Phil Spector), y la cámara capturaba con frecuencia las discusiones entre
los miembros de la banda. La película y el álbum fueron descartados y los
Beatles se reunieron con Martin para grabar lo que se convertiría en su último
álbum de estudio, Abbey Road (1969). Las pistas de película y estudio de
"Get Back" se salvaron y lanzaron posteriormente como Let It Be en
1970. (En 2003, los Beatles volvieron a publicar estas mismas grabaciones que
Let It Be Naked, que borraron gran parte de la producción de Spector para
devolver la música a un sonido más elemental y crudo.) El período posterior al
sargento. Pepper también vio cambios importantes en el lado comercial de los
Beatles: en el verano de 1967, su manager Brian Epstein murió de una sobredosis
de drogas. La banda finalmente decidió hacerse cargo de sus asuntos
comerciales, alquilando oficinas y formando Apple Records (los Beach Boys
formaron Brother Records aproximadamente al mismo tiempo). Apple se lanzó con
mucha fanfarria: los Beatles no solo ejecutarían sus propias carreras, sino que
también promoverían el trabajo de artistas merecedores que de otro modo serían
rechazados por los principales patrocinadores comerciales. Se basó en una idea
generosa, pero Apple pronto estaba perdiendo dinero y hubo que llamar a
profesionales para detener las pérdidas y reorganizar las finanzas del grupo. A
finales de 1969, los cuatro Beatles estaban listos para disolverse, y en abril
de 1970, los Beatles se separaron oficialmente. En los años que siguieron, cada
miembro de la banda tuvo una exitosa carrera en solitario. A pesar de algunos
proyectos fallidos y el fiasco de Apple, el éxito de los Beatles nunca se quedó
atrás durante el período 1967-70: todos los álbumes y sencillos que lanzaron
ocuparon un lugar destacado en las listas de éxitos, la mayoría en el número
uno tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. En muchos sentidos, la
música posterior de la banda demostraría ser más influyente para los futuros
músicos de rock que sus primeros lanzamientos. En cuanto al desarrollo de la
música psicodélica, la competencia amistosa entre los Beach Boys y los Beatles
tuvo importantes consecuencias. La forma en que estas bandas se aplicaron para
desarrollar el rango estilístico, tímbrico y compositivo de la música rock fue
un modelo para otros grupos. Pet sounds, "Good vibrations",
"Strawberry Fields Forever" y Sgt. Pepper demostró que el rock puede
valerse por sí solo como música y ser tomado en serio. La música rock ya no era
simplemente música de baile sobre el romance adolescente. Debido a que estas
bandas tuvieron tanto éxito, Capitol y EMI les dieron cierta libertad para
experimentar. Cuando estos experimentos produjeron singles y álbumes de éxito,
otros grupos también recibieron una mayor licencia.
https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html
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