LOS CANTAUTORES
La importancia de ser sincero. El estilo de cantautor de la década de 1970 surgió en parte del resurgimiento del folk de la década de 1960 y de la música acústica de los Beatles. Cuando Bob Dylan entregó una canción detrás de su guitarra acústica, o Paul McCartney cantó mientras estaba en el piano, se entendió que cada uno expresaba sinceramente los resultados de su propia reflexión personal. El movimiento de cantautores era especialmente atractivo para el público que había dejado la universidad y se había convertido en adulto. En un famoso artículo de la revista de Nueva York de 1976, el escritor Tom Wolfe se refirió a la década de 1970 como la “Década del yo”, que encaja particularmente en el contexto del movimiento de cantautores orientado hacia el “yo”. Los cantautores eran la antítesis directa de Bowie y Cooper: en lugar de interpretar personajes, estos artistas parecían revelar sus perspectivas personales inmediatas. Mucho de esto, es importante entender, es solo un ideal. No importa cuán auténtica parezca una actuación o grabación, las preocupaciones del mundo del espectáculo por proyectar la imagen adecuada casi siempre la median. La impresión auditiva de sinceridad e intimidad creada por la mayoría de los discos de cantautores se logró colocando al cantante al frente y al centro, con el acompañamiento en un papel secundario y de apoyo. En la década de 1970, Dylan continuó su carrera como cantautor, al igual que John Lennon. Lennon disfrutó de varios exitosos sencillos y álbumes en la primera mitad de la década, quizás el más notable de ellos Imagine
( 1971) , que incluía un sencillo principal que llegó al
número tres en Estados Unidos. En el caso de ambos artistas, el foco siempre
fue el cantante y la canción.
Conexiones de la década de 1960:
James Taylor, Carole King y Paul Simon.
Uno de los nuevos cantautores importantes que surgió a finales de la década de 1960 fue James Taylor. Taylor fue uno de los primeros artistas que firmó con el sello discográfico de los Beatles, Apple, en 1968. Su debut en Apple, James Taylor (1968), no llegó a las listas, aunque contenía "Carolina in My Mind", que se haría internacionalmente popular.
Con el tiempo. Taylor pronto firmó con Warner y llegó en 1970 con "Fire and Rain" y Sweet Baby James (1970), lo que estableció su popularidad en ambos lados del Atlántico. Disfrutó de un éxito continuo con álbumes como Mud Slide Slim. (1971) y One Man Dog ( 1972). El sencillo de Taylor "You’ve Got a Friend" ( 1971) fue escrito por un nombre familiar en la música popular estadounidense, Carole King. A fines de la década de 1960, King había decidido salir de detrás de escena y convertirse en una de las artistas femeninas más importantes e influyentes de la década de 1970. Marcó una serie de álbumes exitosos, comenzando con Tapestry (1970), que contenía el éxito "It's Too Late" (, 1971),
así como su propia versión de "You've Got a Friend" y un reinterpretación de "Will You Love Me Tomorrow?" Los álbumes posteriores de King incluyeron Music (1972) y Rhymes and Reasons ( 1972). Otro nombre familiar entre los cantautores fue Paul Simon. A raíz de su tremenda racha de éxitos con Art Garfunkel, Simon decidió lanzarse por su cuenta, actualizando su enfoque de la década de 1960 y lanzando a Paul Simon (1972). El álbum contenía “Mother and Child Reunion” ( 1972), una canción que presentaba a músicos jamaicanos antes de que el reggae fuera bien conocido.
A menudo empleó músicos de estudio para tocar en sus pistas y expandió el estilo de cantautor. Simon incorporó cada vez más elementos de jazz en su música con una serie de álbumes y sencillos que incluyen There Goes Rhymin 'Simon (1973), "Kodachrome" (1973), Still Crazy After All These Years ( 1975), y “50 maneras de dejar a tu amante” ( 1975). Un claro ejemplo de esto es "Todavía loco después de todos estos años". La letra refleja en conocer por casualidad a un viejo amante y reevaluar el rumbo que ha tomado su vida. La reproducción de respaldo es tenue pero sofisticada durante los versos, mientras que Sociedad Americana de Poetas. Carly Simon (sin relación con Paul) llamó por primera vez la atención de la mayoría de los oyentes de rock con "Esa es la forma en que siempre escuché que debería ser" ( 1971) y "Anticipation" ( 1971).
Similar a la música de Carole King, las canciones confesionales de Simon se enfocan en su voz, piano, guitarra acústica y cuerdas. Las letras de Simon frecuentemente hablan de los cambios de vida que enfrenta la generación post-universitaria. Su álbum No Secrets ( 1973) se erige como la cima de su atractivo popular y contiene el sencillo "You’re So Vain" ( 1972).
La canción presenta coros de Mick Jagger y se rumoreaba que se refería a la relación romántica de Simon con Jagger, el actor Warren Beatty o muchos otros personajes masculinos dominantes en su vida en ese momento. Después de casi 40 años de permanecer en secreto sobre el tema de la canción, en 2010 Simon reveló que "You’re So Vain" fue escrito sobre ejecutivo musical. David Geffen. Harry Chapin fue otro importante cantautor de la época. Su "Taxi" (1972) y "Cat's in the Cradle" (1974) reflejan los giros y vueltas de la vida al tiempo que destacan su emotiva voz de barítono y su guitarra acústica.
Don McLean también usó piano, guitarra acústica y letras nostálgicas para crear música alineada con este movimiento. Su “American Pie” ( 1972) intenta resumir las dos décadas anteriores de la historia del rock and roll,
mientras que su canción “Vincent” ( 1972) ofrece un retrato del pintor Vincent Van Gogh. Jim Croce estaba en el apogeo de su popularidad en 1973 cuando murió en un accidente aéreo. Su canción "Bad, Bad Leroy Brown" ( 1973) estaba en lo más alto de las listas estadounidenses en el momento del accidente.
El lanzamiento unos meses más tarde de su "Time in a
Bottle" (1974), una reflexión sobre la desagradable aproximación de la
muerte, grabada pocos meses antes del accidente, le dio a la canción una
inquietante conmoción.
Cantautores británicos:
Van Morrison, Cat Stevens y Elton John.
El estilo de cantautor no se limitó a los estadounidenses, ya que Van Morrison, Cat Stevens y Elton John disfrutaron de un éxito considerable a principios y mediados de la década de 1970. Morrison continuó su éxito de los sesenta en la nueva década, llevando su mezcla de influencias del jazz y el rhythm and blues a álbumes como Moondance (1970)
y Tupelo Honey (1971).
Cat Stevens irrumpió por primera vez en las listas de éxitos estadounidenses con su sencillo "Peace Train" (1971).
Una serie de álbumes exitosos lo convirtió en un habitual en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico, incluidos Teaser and the Firecat (1971), Catch Bull at Four (1972) y Buddha and the Chocolate Box ( 1974). Quizás el más exitoso de los cantautores fue Elton John. John fue presentado al público estadounidense con el sencillo "Your Song" (1971)
, y siguió con una serie de álbumes de gran éxito: Honky Chateau ( 1972),
Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player ( 1973), Goodbye Yellow Brick Road (1973)
y Caribou (1974). Escribió la mayoría de sus canciones con el letrista Bernie Taupin, formando un equipo de compositores que rivalizó con el éxito de Lennon y McCartney. Las imágenes de Taupin son inteligentes y convincentes, y el sentido melodiarmónico de John se basa en una amplia gama de influencias. Excepto por el hecho de que John interpreta las melodías, la asociación recuerda mucho a los equipos de composición de canciones de Tin Pan Alley y Brill Building de décadas anteriores, debido al hecho de que escribieron sus partes respectivas completamente por separado. John comenzó a emplear una banda de respaldo a principios de la década de 1970 (con mayor frecuencia el baterista Nigel Olsson, el bajista Dee Murray y el guitarrista Davey Johnstone) y la idea del cantautor como líder se convirtió en el modelo para muchos otros más tarde. en la década. El paso de Elton John al rock preparó el camino para el siguiente grupo de cantautores de rock más duro, incluidos Billy Joel, Bob Seger y Bruce Springsteen
Voces canadienses: Joni Mitchell y Neil Young.
La música de Joni Mitchell en la década de 1960 estaba muy en deuda con el resurgimiento del folk y, como Paul Simon, comenzó a experimentar con el uso del jazz en la década de 1970. Mitchell subió por primera vez en las listas de éxitos como compositor cuando Judy Collins grabó “Both Sides Now” ( 1968). Los álbumes de Mitchell, incluidos Ladies of the Canyon (1970) y Blue (1972) no alcanzaron una popularidad a la altura de su éxito de crítica.
Su música se desarrolló aún más a mediados de la década de 1970, ya que hizo una práctica de utilizar músicos muy talentosos y, a veces, conocidos para respaldarla. Court and Spark ( 1974), que contenía el sencillo "Help Me"
, fue su mayor éxito comercial y contó con la interpretación de LA Express de Tom Scott. Un año después, experimentó con un territorio estilístico nuevo, a veces de vanguardia, con The Hissing of Summer Lawns ( 1975), y luego exploró el jazz esotérico con Mingus ( 1979). Mitchell fue probablemente la cantautora más experimental y musicalmente ecléctica de la década, y su influencia se extendió directamente al movimiento Lilith Fair de la década de 1990
También con raíces en la década de 1960, Neil Young disfrutó del éxito como miembro de Buffalo Springfield y en su relación intermitente con Crosby, Stills y Nash. Como solista, Young colocó una serie de álbumes en lo más alto de las listas. Comenzó la década de 1970 con After the Gold Rush (1970), que contiene “Southern Man”, una canción que confronta directamente la esclavitud y la cuestión de las reparaciones. La pista nunca llegó a las listas, pero recibió suficiente difusión que Lynyrd Skynyrd sintió que tenían que responderla en la letra de "Sweet Home Alabama" (todo el segundo verso responde a la aguda crítica de Young al racismo en el sur).
Young disfrutó de su mayor éxito comercial y crítico con Harvest ( 1972),
que contó con el éxito "Heart of Gold" .
Actuando en un estilo en el que las voces suelen ser bonitas y
controlada, la voz de Young al cantar suele ser débil, algo desafinada y
aparentemente insegura. Pero al igual que Bob Dylan, Young demostró que en el
contexto del rock las cualidades vocales imperfectas pueden ser profundamente
expresivas y evocadoras.
COUNTRY ROCK
. Al igual que el movimiento de cantautores, el estilo country-rock que surgió a principios de la década de 1970 fue en muchos sentidos el resultado de una reacción contra los crecientes excesos del rock psicodélico. El impulso que hizo que los oyentes de rock se interesaran por el blues o el folk también atrajo a muchos rockeros a la música country. La aparente simplicidad de la música country parecía más honesta y auténtica para la experiencia estadounidense que la mayoría de la música pop. Como vimos en el Capítulo 1, esto se debió en parte a que el género proyectaba una percepción de que era música casera. Nashville y Bakersfield, California, se convirtieron en destinos para que muchos músicos de rock se conectaran con el campo del negocio de la música. Los Byrds estuvieron entre los primeros rockeros en grabar en Nashville con el nuevo estilo country rock. Para 1968, la mayoría de los Byrds originales habían dejado la banda y Roger McGuinn trajo al guitarrista Gram Parsons a bordo. Parsons conocía bien el estilo country, y esto es evidente en la influyente Sweetheart of the Rodeo (1968)
. Bob Dylan también se dirigió a Nashville para grabar Nashville Skyline ( 1969)
durante este período, que contiene una versión a dúo de “Girl from the North Country” cantada con Johnny Cash. Ahora fuera de los Byrds, David Crosby se asoció con Stephen Stills de Buffalo Springfield y Graham Nash de Hollies para grabar Crosby Stills y Nash ( 1969). Su siguiente álbum, Déjà Vu 1970), incluyó a Neil Young (que había estado en Buffalo Springfield con Stills), seguido del álbum en vivo, Four Way Street (, 1971). Crosby, Stills y Nash (con o sin Young) mezclaron el folk rock de los Byrds con toques de jazz, country y blues. "Suite: Judy Blue Eyes" ( 1969) proporciona un buen ejemplo de la combinación de instrumentos acústicos y eléctricos, armonía vocal cercana y composición de canciones pop pegadiza de la banda.
La narrativa familiar de “Teach Your Children” (1970) (además de una prominente guitarra de pedal steel interpretada por Jerry García) también muestra fuertes conexiones con la música country.
Mientras trabajaba con Dylan en el norte del estado de Nueva York, The Band grabó su primer álbum, Music from Big Pink (1968). Liderado por el baterista Levon Helm y el guitarrista Robbie Robertson, este grupo de músicos, en su mayoría canadienses, tenía un profundo amor por la música del sur de Estados Unidos, incluida la música country. Una serie de álbumes exitosos, incluidos The Band ( , 1970), Cahoots ( 1971) y Rock of Ages (1972), los estableció entre los oyentes estadounidenses. Su primer sencillo fue "The Weight" (1968), un gran ejemplo de una canción que pasó desapercibida en los Estados Unidos en el momento de su lanzamiento, pero que desde entonces se ha convertido en un elemento fijo en el repertorio estándar del rock.
El siguiente lanzamiento del grupo, "Up on Cripple Creek"
( 1970), tenía como cara B "The Night They Drove Old Dixie Down".
"Dixie" narra la caída del sur durante la Guerra Civil y se inspira
tanto en estilos folk como country.
Los chicos pobres lo hacen bien
Creedence Clearwater Revival.
La mayoría de los oyentes a finales de la década de 1960 se sorprendieron al
saber que la banda estaba formada por los hermanos John y Tom
, y extendió su éxito a Gran Bretaña con "Proud Mary" (1969)
y "Bad Moon Rising" ( 1969). John Fogerty escribió la mayor parte de la música de la banda, entregando álbumes comercialmente exitosos como Green River (1969), Willy and the Poor Boys ( u 1970), y Cosmo's Factory 1970). El componente hippie no estaba del todo ausente de la música de CCR. Willy and the Poor Boys mostraron la influencia de Sgt. Pepper, ya que los miembros de CCR se convirtieron en la banda de jarras que aparece en la portada y que aparece en el título. Desde la primera pista, "Down on the Corner", hasta "Poor Boy Shuffl e" y "Fortunate Son",
las pistas parecen generarse a partir del "concepto" central del álbum. Sin embargo, al igual que los miembros canadienses de la banda, los temas sureños de esta música alinearon a CCR más estrechamente con el country rock.
A principios de la década de 1970, Los Ángeles, Woodstock y San Francisco se convirtieron en centros del country rock en Estados Unidos. En el sur de California, los Eagles eran la banda líder que trabajaba en este estilo. El guitarrista Glenn Frey y el baterista Don Henley se conocieron mientras tocaban en la banda de gira de la cantante Linda Ronstadt. Después de grabar Silk Purse de Ronstadt (1970), Frey y Henley fueron contratados como musicos suplentes. Pronto el bajista Randy Meisner se unió a la banda, y por lo menos para un concierto, el guitarrista Bernie Leadon se unió al show de Ronstadt. El cuarteto rápidamente decidió emprender el camino por su cuenta, dejando a Ronstadt y grabando su álbum debut, irónicamente en Londres y no en la soleada California, bajo la producción de Glyn Johns. Este álbum, llamado Eagles (1972), fue seguido por un álbum conceptual de country-rock sobre el Viejo Oeste llamado Desperado (1973). El guitarrista Don Felder se unió al grupo después del segundo álbum, y posteriormente lanzaron On the Border ( 1974) y One of These Nights 1975). Comenzando con "Take It Easy" ( 1972), la banda colocó ocho sencillos en el Top 40 estadounidense en 1975, incluidos "Best of My Love" (1974) y "One of These Nights" ( 1975)
. A mediados de la
década, Leadon fue reemplazado por el ex guitarrista de James Gang, Joe Walsh,
y la banda se alejó de su sonido country rock para convertirse en estrellas aún
más grandes.
"Take It Easy" de The Eagles.
The Eagles reunió muchos elementos de estilos de rock anteriores, y su primer éxito, "Take It Easy", es un buen ejemplo del enfoque country-rock del grupo.
Los primeros diecisiete
segundos de la melodía le dicen mucho al oyente acerca de dónde viene la banda
musicalmente. Abriendo con grandes y brillantes acordes de guitarra eléctrica
que recuerdan al folk rock, pronto entra otra guitarra eléctrica con un lick
que pretende imitar el sonido de la guitarra de acero, característico de la
música country. Mientras la canción continúa y entra la voz principal, Glenn
Frey canta con acento sureño. Cuando entran los coros, muestran una marcada
influencia de los Beatles y los Beach Boys (observe cómo las armonías se ponen
altas en el registro de voz masculina). En el segundo verso, se agrega una alta
armonía para convertirlo en un dúo, muy al estilo de los Everly Brothers. La
guitarra sigue emulando una guitarra de acero durante el solo, y se agrega
banjo en el acompañamiento para reforzar la conexión country. En el Tercer verso,
se agrega una nueva parte vocal por encima de la voz principal para crear
interés y mantener fresco el arreglo. En la coda, el banjo pasa al frente de la
mezcla, y la banda muestra su armonía vocal. La canción está en forma de verso
simple — no hay un coro o puente claro — pero la estructura del verso es más
complicada de lo que es usual para una forma de verso simple. En este caso,
consta de tres secciones de 8 barras para un total de 24 barras. Note que solo
las dos primeras secciones de 8 compases se usan en el verso instrumental. Este
capítulo ha seguido el desarrollo de varios estilos de rock de la primera mitad
de la década de 1970, rastreando sus raíces en la era psicodélica. Examinando
la música de la primera mitad de la década de 1970, queda claro que aspectos de
la psicodelia se convirtieron en el ímpetu para la formación de nuevos estilos.
El country rock se centró en la integración de la música country en el rock,
por ejemplo, mientras que el rock progresivo refinó el uso de la música clásica
y el jazz rock experimentó con la infusión del jazz en la tradición del rock.
Las estrechas conexiones encontradas en la música rock entre 1966 y 1976
podrían plantear interrogantes. sobre la utilidad de estas divisiones
estilísticas. Probablemente sea mejor ver la música discutida en los capítulos
7 y 8 como más unificada que dividida, y buscar conexiones entre categorías
estilísticas. Lo que comparte la música es una reacción aparentemente necesaria
a la estética hippie, y hasta aproximadamente 1975 no hubo nada que disuadiera
la idea de que la música rock continuaría desarrollando los subgéneros que
surgieron bajo la bandera de la psicodelia. Sin embargo, a mediados de la
década de 1970 sucedieron tres cosas que cambiaron el curso de la historia del
rock: (1) los conglomerados corporativos se involucraron en el negocio de la
música, (2) el movimiento punk comenzó a emerger del underground y (3) la
música disco produjo para acompañar el baile en los clubes a gran escala se
hicieron muy populares. Estos temas entrarán en nuestra narrativa en los
próximos dos capítulos.
FURTHER READING
Mark Blake, Comfortably Numb: The Inside Story of Pink Floyd (Da Capo, 2008).
Hank Bordowitz, Bad Moon Rising: The Unoffi cial History of Creedence Clearwater
Revival (Schirmer, 1998).
Marley Brandt, Southern Rockers: The Roots and Legacy of Southern Rock (Billboard
Books, 1999).
Henry Edwards and Tony Zanetta, Stardust: The David Bowie Story (McGraw-Hill,
1986).
John Einarson, Desperados: The Roots of Country Rock (Cooper Square Press, 2001).
Susan Fast, In the Houses of the Holy: Led Zeppelin and the Power of Rock Music
(Oxford University Press, 2001).
Edward Macan, Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture
(Oxford, 1997).
Dave Marsh, Before I Get Old: The Story of the Who (St. Martin’s, 1983).
Barry Miles, Zappa: A Biography (Grove Press, 2005).
Stuart Nicholson, Jazz Rock: A History (Schirmer, 1998).
Philip Norman, Sir Elton: The Defi nitive Biography (Carroll & Graf, 2001).
Keith Richards, Life (Little, Brown & Company, 2010).
Marc Shapiro, The Long Run: The Story of the Eagles (Omnibus, 1995).
Paul Stump, The Music’s All That Matters: A History of Progressive Rock (Quartet
Books, 1997).
Brian Sweet, Steely Dan: Reelin’ in the Years (Omnibus, 2000).
Sheila Weller, Girls Like Us: Carole King, Joni Mitchell, Carly Simon—and the Journey
of a Generation (Washington Square Press, 2008).
Dave Zimmer, Crosby, Stills, and Nash: The Authorized Biography (Da Capo, 2000).
https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html
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