Tras el final de su supergrupo de glam de bajo rendimientoJeten 1976,las Radio Starsfueron formadas por el ex-vocalistade John's ChildrenAndy Ellison, elexiliado deSparksMartin Gordon(bajo, composición) eIan MacLeod(guitarra) en 1977. Más tarde se agregóSteve Perryen batería, el grupo firmó con Chiswick Records y lanzó su álbum debut,Songs for Swinging Lovers, en 1977. Al margen de la escena punk y new wave,Radio Starsera en el fondo una banda de rock peculiar construida alrededor deGordon .Las canciones de yla voz entusiasta deEllison .AgregandoTrevor White(que también estuvo enSparksyJet) en 1978 sacaron su segundo disco, algo decepcionante,Holiday Album.Gordonse fue poco después de que el disco se derrumbara, acabando efectivamente con la banda, aunqueEllisonintentó revivir el nombre de la banda con poco éxito en los años 80.Las grabaciones del grupo han sido antologadas dos veces, primero enTwo Minutes Mr. Smithde 1982 por el pequeño sello Moonlight, luego enSomewhere There's a Place for Us de Ace de 1992.
Pub rock, el movimiento de rock de raíces inglés de principios de los 70, nunca se habría ganado un culto de seguidores si no fuera por Brinsley Schwarz . Inicialmente, Brinsley Schwarz era una banda de folk-rock neo-psicodélico laberíntico que tomaba mucho de Crosby, Stills & Nash y Grateful Dead . Después de un desastroso truco publicitario para promocionar su álbum debut, la banda se recluyó en las afueras de Londres y desarrolló un sonido relajado inspirado en Eggs Over Easy , una banda estadounidense que había estado tocando una mezcla de temas originales y versiones en pubs ingleses. . Tras su conversión al pub rock, los Brinsleyabandonaron sus pretensiones de estrellato y se convirtieron en una banda de rock & roll modesta y con los pies en la tierra. Entre 1971 y 1974, Brinsley Schwarz realizó innumerables giras por Inglaterra, tocando en pubs de todo el país. En el camino, establecieron un circuito para que lo siguieran bandas similares como Dr. Feelgood y Ducks Deluxe . Aunque el grupo era nominalmente la banda del guitarrista Brinsley Schwarz , el bajista y vocalista principal Nick Lowe proporcionó la mayor parte de las canciones del grupo. Lowe desarrolló una voz de composición distintiva (conversacional, melódica, poco convencional y divertida) y la banda se infundió con su sesgado sentido del humor. A pesar de las fuertes críticas y una base de fans dedicada, los Brinsleynunca lograron escapar del estatus de culto, sin embargo, influyeron en una legión de otros artistas, creando un movimiento clandestino de regreso a lo básico que sentó las bases para el punk rock.
Brinsley Schwarz no planeó iniciar un movimiento de base: los miembros de la banda querían ser estrellas. Lowe y Schwarz ya habían pasado varios años en Kippington Lodge , un grupo de pop de guitarra con sede en Tunbridge Wells que lanzó cinco sencillos en Parlophone a mediados de los años 60 sin éxito. En 1968, los miembros de Kippington Lodge comenzaban a sentirse inquietos con su pop/rock directo y estaban ansiosos por explorar la psicodelia. El teclista Bob Andrews se unió a la banda más tarde ese año y el baterista Billy Rankin se incorporó en el otoño de 1969. En ese momento, Kippington Lodgehabía renovado por completo su estilo musical, evolucionando hacia una banda de folk-rock con pretensiones psicodélicas y cambiando apropiadamente su nombre a Brinsley Schwarz en honor al guitarrista principal del grupo. Irónicamente, fue en esta época cuando Lowe se convirtió en el cantante principal y compositor principal de la banda.
A los pocos meses, Brinsley Schwarz llamó la atención de Dave Robinson , un mánager de rock & roll en ciernes que había fundado la agencia Famepushers. Robinson desarrolló un esquema complejo para elevar a Brinsley Schwarz al estrellato. De acuerdo con su plan, los Brinsley tocarían un set de apertura para Van Morrison en el Fillmore East de Nueva York en la primavera de 1970, y él llevaría a todos los principales periodistas de rock a Estados Unidos para revisar el espectáculo. A fines de 1969, Brinsley Schwarzfirmó un contrato discográfico con United Artists y la banda financió el truco publicitario con su adelanto. El grupo planeó irse unos días antes del espectáculo para ensayar, pero a los Brinsley se les negaron las visas por un tecnicismo. Finalmente, les dieron las visas la mañana del espectáculo y llegaron a Nueva York horas antes del concierto. De vuelta en Gran Bretaña, los periodistas tuvieron problemas, ya que su avión sufrió una falla mecánica, lo que retrasó el vuelo durante cuatro horas. Cuando los periodistas llegaron al Fillmore 18 horas después, estaban borrachos o con resaca. Cuando Brinsley Schwarzfinalmente llegó al escenario, la banda dio una actuación competente pero decepcionante, preparando el escenario para una avalancha de críticas mordaces tanto para el concierto como para el álbum debut homónimo, que apareció semanas después de la presentación.
Recuperándose del fiasco de Fillmore, el grupo alquiló una casa en las afueras de Londres y pasó días y noches tocando música. A fines de 1970, los Brinsley lanzaron un segundo álbum, A pesar de todo , que indicaba que estaban evolucionando hacia un grupo de country-rock; el guitarrista/vocalista Ian Gomm se unió a la banda al final de las sesiones para el disco. Durante gran parte de 1971, Brinsley Schwarz ensayó, desarrollando una mezcla de country, folk, R&B y rock & roll que se inspiró en gran medida en los Byrds , Van Morrison y The Band , así como en Eggs Over Easy ., que el grupo conoció en el pub Tally Ho en Kentish Town. Silver Pistol , lanzado a principios de 1972, demostró una nueva versatilidad, pero el grupo realmente mostró sus músculos en concierto, particularmente durante los conciertos regulares en el Tally Ho. Pronto, habían construido un público pequeño pero leal, y varias bandas con ideas afines comenzaron a tocar en el mismo circuito. Eventualmente, este fenómeno de base llamó la atención de la prensa del Reino Unido, que denominó el estilo de los grupos como "pub rock" y proclamó a Brinsley Schwarz como los líderes del estilo.
Nervous on the Road , lanzado en el otoño de 1972, fue el álbum con mejores reseñas de Brinsley Schwarz hasta la fecha, y aunque no entró en las listas, ayudó al grupo a conseguir un puesto de apertura para Paul McCartney . A lo largo de 1973, los Brinsley realizaron giras constantemente, no solo tocando en pubs, sino también en universidades. Como resultado, no pudieron grabar con frecuencia, lo que perjudicó su ya débil carrera discográfica. En un intento por conseguir un éxito, la banda lanzó una serie de sencillos que no pertenecen al álbum, ninguno de los cuales llegó a las listas; fueron compilados para el álbum Please Don't Ever Change , que fue lanzado a finales de 1973. A principios del año siguiente, el grupo grabó su quinto álbum con el productor Dave Edmunds . Lanzado en el verano de 1974,New Favourites of Brinsley Schwarz fue más pulido que los álbumes anteriores de la banda, pero el disco no logró generar ventas. El grupo continuó durante casi un año más, produciendo un puñado de sencillos con otros nombres, antes de decidir dar por terminado el día en la primavera de 1975. Tras la desaparición de la banda, Schwarz y Andrews se convirtieron en miembros de la banda de acompañamiento de Graham Parker , the rumor _ Gomm siguió una carrera en solitario; Rankin tocó con Terraplane y Tiger de Big Jim Sullivan antes de retirarse de la música. bajose convirtió en un exitoso solista y productor, logrando su mayor éxito en 1980 con "Cruel to Be Kind", un remanente de Brinsley que la banda nunca grabó.
Con Spotify en la mira después del éxodo de Neil Young del servicio de transmisión de música por la desinformación que permiten los podcasts del sitio, puede ser hora de ver cómo recibimos, compramos y escuchamos música en estos días. Atrás quedaron los álbumes y los CD, en números significativos, porque el 84 por ciento de los ingresos por ventas de música (solo en los EE. UU.) proviene de la transmisión. También puede ser hora de reconsiderar la idea de que las fuentes de música en línea están cumpliendo sus promesas de "democratización de la música". Paul Bisbort nos da pistas sobre el campo de juego.
En 2017, Egor Shkutko, Roman Komogortsev y Pavel Kozlov formaron una banda en Minsk, Bielorrusia, a la que llamaron Molchat Doma ('Las casas son silenciosas'). Su primer álbum autoeditado, S krysh nashikh domov ('Desde los techos de nuestras casas'), llegó el mismo año. Su segundo álbum, Etazhi ('Floors'), fue lanzado al año siguiente en Detriti Records, un pequeño sello independiente con sede en Alemania. El sonido frío, gótico y minimalista de Molchat Doma, influenciado por el ícono de la música soviética/rusa Viktor Tsoi, había logrado un éxito razonable entre los oyentes jóvenes en Bielorrusia, muchos de los cuales estaban desilusionados con el estado político de su país.
Sin embargo, a principios de 2020, la canción de la banda "Sudno" ("Vessels") comenzó a aparecer en videos que se publicaron en la plataforma de redes sociales TikTok. Los clips de personas probándose atuendos o varios videos de mascotas están acompañados por la canción sombría pero pegadiza. Los usuarios alegres parecen no preocuparse por el hecho de que la letra de la canción trata sobre un hombre que contempla el suicidio mientras está rodeado por una infraestructura de la era soviética que se desmorona. A pesar de este contraste discordante entre la música y las imágenes, "Sudno" ahora se ha utilizado en casi 200,000 videos de TikTok e incluso alcanzó el puesto número 1 en las listas de Spotify de EE. UU. en mayo de 2020.
Esta canción de éxito anómala solo podría haber sucedido con la ayuda de Internet. Plataformas como TikTok y YouTube ayudaron a poner la canción frente a millones de usuarios que, sin estos lugares, probablemente ni siquiera hubieran sabido que la banda existía. Este mismo fenómeno ha ocurrido en otros lugares y con otros artistas musicales. Una fama similar generada por las redes sociales, por ejemplo, llegó a Leyland Kirby por su melancólico proyecto ambiental The Caretaker .
Lo mismo ocurre con la banda de rock twinkly con sede en Illinois, American Football, cuyas grabaciones de finales de la década de 1990 fueron redescubiertas a través de las redes sociales, lo que llevó a la banda a reformar, hacer giras y grabar material nuevo en 2014. Incluso las canciones de décadas pasadas están experimentando un aumento aparentemente inexplicable en popularidad, como “Dreams” de Fleetwood Mac.
Con docenas de servicios en línea para transmitir, descargar, indexar y discutir música [vea la lista a continuación], acceder a música de diferentes países, géneros y períodos de tiempo se ha vuelto más fácil que nunca. En teoría, esto resultaría, o debería, en la democratización de la producción musical: sin guardianes de la industria, cualquiera puede subir su visión musical a una gran audiencia digital. Para algunos creadores de música, como Molchat Doma, ciertamente ha hecho exactamente eso. Pero incluso si ha nivelado un poco el campo de juego, todavía hay áreas importantes de desigualdad que dificultan las cosas para los creadores clandestinos e independientes en la era digital.
REGLAS DE SPOTIFY, POR AHORA
En 2006, los desarrolladores tecnológicos suecos Daniel Ek y Martin Lorentzon fundaron una plataforma digital basada en la idea de una distribución legal de música en línea. El programa llegaría a ser conocido como Spotify, y después de que Mark Zuckerberg le diera a la plataforma su bendición para funcionar en Facebook en 2009, el servicio se disparó en popularidad hasta convertirse, hoy en día, en el servicio de transmisión de música más grande del planeta, con 172 millones de suscriptores ( más del 30 por ciento del total de suscriptores de música en el mundo). Sin embargo, ser capaz de convencer a los artistas musicales para que su música esté disponible esencialmente de forma gratuita no fue una tarea fácil ( la revista Business Insider estima que Spotify paga a los artistas de grabación "entre $ 0,003 y $ 0,005 por transmisión, lo que significa que necesitará alrededor de 250 transmisiones hacer un dólar”).
Muchos músicos se resistieron al gigante de la transmisión, pero para 2022, casi todos los artistas importantes tenían la mayor parte o la totalidad de su catálogo de música disponible en Spotify. Es probable que el reciente enfrentamiento con Neil Young, seguido de su éxodo de Spotify, junto con Joni Mitchell, Graham Nash, Nils Lofgren y la popular cantante de R&B India.Arie, haya cambiado un poquito esa dinámica (veremos o, más bien, escuchar…).
El ímpetu de este éxodo se debe en parte a la decisión de Spotify de expandirse más allá de la música para incluir podcasts. En estos podcasts, autoproclamados expertos de todas las tendencias políticas pueden opinar, pontificar y parlotear sin cesar, el tipo de contenido que solía ser el dominio de la radio hablada. El podcast que en particular atrajo la atención de Neil Young fue The Joe Rogan Experience y la transmisión repetida del presentador de información errónea relacionada con COVID-19, vacunas, máscaras. Cuanto menos se hable de Rogan (o de la política), mejor, aparte de esto: Rogan firmó un acuerdo exclusivo con Spotify en 2020 por valor de unos 100 millones de dólares, según el New York Times .
Y, para ser justos, Neil Young no fue el primer artista en dejar Spotify. La megavendedora Taylor Swift abandonó el servicio de transmisión de música en 2014 debido a la implementación de una plataforma "freemium", que, según dijo, redujo injustamente la paga de los artistas. Regresó a Spotify en 2017 y ha estado allí desde entonces. Cardiacs, la enigmática banda de culto de Inglaterra, eliminó su música a principios de este año, antes del altercado de Neil Young con Spotify, aunque la retuvo en otros servicios de transmisión. De su página de Facebook: “ya no deseamos estar afiliados. No tenemos ningún deseo de entrar en una discusión, aquí, sobre las razones por las que hemos tomado esta decisión”.
Perdido en la discusión sobre el programa de Rogan en Spotify estaba lo que probablemente fue el verdadero problema de Neil Young con Spotify: la calidad de sonido del gigante de la transmisión de música. Insistió en que la empresa puede jugar con el sonido, en su forma digital, de formas que serían imposibles con las grabaciones analógicas. En una carta abierta que envió después de dejar Spotify, Young escribió: “…[N]egocios como los que manejan Spotify redujeron la calidad hasta el 5% del contenido de la música… Es fácil hacer eso con lo digital, lo que permite más canciones y menos música para transmitir más rápido. Eso es porque falta el 95 %… Spotify luego te vende esta música degradada”. Esto no es solo un problema de un viejo hippie malhumorado con el estado corporativo porque Young rápidamente promocionó a Apple Music, Amazon y Qobuz por ofrecer "lo real" con su calidad de sonido.
Apple Music paga a los artistas musicales (o titulares de derechos) alrededor de un centavo por transmisión, según el Wall Street Journal , que es dos o tres veces más que Spotify. Sin embargo, la base de usuarios de Spotify es mucho mayor que la de Apple, por lo que genera muchas más transmisiones. Spotify tiene más de 365 millones de usuarios activos y 70 millones de canciones en su archivo, además de la expansión a los podcasts. Todos, desde las superestrellas del pop hasta 'lo que sea que sea', pueden subir su música a la plataforma para una audiencia potencial de millones.
Sin embargo, esta fantasía de exposición fácil tiende a ser solo humo y espejos. El espacio infinito en los estantes puede abrumar rápidamente al usuario: hay demasiadas opciones. Por lo tanto, los usuarios tienden a apegarse a lo que saben, que en la mayoría de los casos es lo que es popular. Este efecto se ve exacerbado por dos cosas: 1) el algoritmo de recomendación de Spotify y 2) sus listas de reproducción oficiales.
El algoritmo de recomendacióntiene un sesgo de popularidad extremo, lo que significa que es más probable que los usuarios que escuchan a artistas populares obtengan mejores recomendaciones. También significa que es más probable que se recomiende a un usuario a los artistas populares que a los menos conocidos. Esto se debe principalmente a que hay más datos disponibles sobre artistas populares, aunque Spotify ha admitido que a veces aumenta la tasa de exposición de cierto artista por una tarifa pagada por el artista. El algoritmo de recomendación de Spotify también tiene un sesgo anglocéntrico extremo. Los artistas que cantan en inglés tienen más probabilidades de ser recomendados a usuarios de todo el mundo, incluso en países de habla no inglesa. Es probable que los artistas que hablan un idioma que no sea inglés solo se recomienden a personas del país de donde proviene ese artista. Esto puede correr el riesgo de minimizar los sonidos, técnicas e idiomas específicos de la ubicación.
Las listas de reproducción de Spotify también impiden la democratización de la música en el sitio. Las listas de reproducción populares se basan en algoritmos extremadamente refinados que se calculan utilizando datos como "tasas de omisión" y "tasas de finalización". Las canciones que no pasan el corte se eliminan de la lista de reproducción. Algoritmos como este favorecen a artistas y tendencias preestablecidos. Es probable que los artistas que ofrecen música desconocida y poco convencional se eliminen de la lista de reproducción. Los estudios también muestran que existe un sesgo en estas listas de reproducción, con las principales listas "globales" que generalmente favorecen la música estadounidense y de las principales discográficas. También es más probable que los oyentes se salten a un artista que no han escuchado antes, lo que dificulta que un artista relativamente desconocido entre en la cola de escucha de un usuario de Spotify. "Democratización"? No tanto…
Si bien el Molchat Doma y el fútbol americano mencionados anteriormente pueden parecer excepciones a esta regla, en realidad pueden beneficiarse de los cálculos de "capacidad de salto" de Spotify. Tanto "Sudno" como "Never Meant" (una pista de fútbol americano de su álbum debut homónimo de 1999) tienen una melodía instrumental bailable inmediatamente pegadiza que comienza al principio de la canción, ofreciendo instantáneamente un gancho para el oyente.
Cuando se le preguntó sobre la composición de canciones en la era digital, el músico pop Charli XCX le dijo a The Verge que una canción debe tener un “estribillo en los primeros 30 segundos. Nada de introducciones raras y autoindulgentes... Enganche en la parte superior de la introducción, tal vez incluso comience con el estribillo, en menos de tres minutos... Se trata de: ¿los atrapó en los primeros cinco segundos? ¿Y lo agregaron a su lista de reproducción?”. Teniendo en cuenta que Spotify solo le paga a un artista por una transmisión si el oyente dura más de 30 segundos, este consejo es aún más importante, pero también muestra cómo, de alguna manera, Spotify contribuye a dar forma a la música que graban los artistas.
n cuanto a The Caretaker de Leyland Kirby, el 'gancho' de su música está más en su concepto general, y Kirby no pone su música en Spotify, de todos modos. Lo que lleva a otro punto. El propio catálogo de Spotify puede ser un factor limitante para ciertos artistas. Spotify promueve la idea de que tienen "toda la música que hay", pero esto no es cierto. Faltan muchos álbumes y artistas además de Leyland Kirby en Spotify, desde artistas clandestinos hasta artistas importantes que se niegan a colaborar con la plataforma. Teniendo en cuenta la gran base de usuarios de Spotify y que este medio es el único medio a través del cual muchos oyentes obtienen su música, no estar en él puede poner a un artista en una desventaja extrema en términos de exposición. También hay álbumes que están bloqueados por región y solo están disponibles en ciertos países, lo que amplifica la separación del gusto musical según la nacionalidad.
YOUTUBE
Los servicios de transmisión como Spotify o Apple Music no son la única forma en que las personas obtienen su música en línea. Servicios como YouTube, que es principalmente una plataforma de video, también sirve como una forma popular de intercambiar música. Desde su inicio en 2005, la gente ha subido fragmentos de música a YouTube. La mayoría de los videos más vistos de YouTube son de música. Una gran cantidad de la música que no está disponible en Spotify se puede encontrar en YouTube, lo que hace que la biblioteca de YouTube sea más importante que la de Spotify. YouTube tiene un algoritmo notoriamente desconcertante, con videos que aparentemente no tienen motivos para recomendarse al usuario de todos modos. Si navega por YouTube con frecuencia, es probable que reconozca al menos una de estas portadas de álbumes de su pestaña recomendada. No parece haber ningún género o tema relacionado entre ninguno de estos álbumes, aunque muchos se centran en los sonidos ambientales y atmosféricos. Por supuesto, aunque el algoritmo de YouTube bendice unas pocas docenas de piezas musicales, miles de piezas musicales no disfrutan de ese beneficio. Pero, por supuesto, este fenómeno es uno que nunca podría haber ocurrido en la era anterior a Internet.
Dos plataformas que fomentan significativamente el contenido generado por los usuarios son SoundCloud y Bandcamp. SoundCloud parece ser una fábrica para sacar a los principales músicos pop, en parte debido a su énfasis en el aspecto de las redes sociales de la plataforma. El diseño del sitio presenta las canciones como una forma de onda y permite a los usuarios comentar secciones específicas de una canción que les gusta especialmente. Con esta configuración, la brecha entre el creador de música y el fanático se reduce significativamente. Los principales géneros en los que se centra SoundCloud son el pop, la electrónica y, sobre todo, el hip-hop. Los usuarios del sitio han creado subgéneros completamente nuevos de hip-hop, denominados 'mumble rap' o 'emo rap'. Estos géneros suelen tener un sonido lo-fi, arenoso y distorsionado como resultado del valor de la producción de bricolaje. Algunos artistas que han tenido éxito en SoundCloud han firmado con los principales sellos discográficos, mientras que otros prefieren la libertad creativa de ser independientes. Sin embargo, se ha revelado que algunos artistas que afirman haber comenzado en SoundCloud en realidad tienen conexiones preexistentes en la industria. Esto lleva a que casi todos los artistas importantes que salen de SoundCloud sean acusados de ser una 'planta industrial'. A medida que crecía la popularidad de SoundCloud, los usuarios comenzaron a preocuparse de que aquellos con conexiones en la industria sacaran a la luz a los músicos de base.
Si bien SoundCloud es principalmente un hogar para el hip-hop y el pop, Bandcamp, fundado en 2008, se enfoca más en géneros alternativos como el rock, el indie y las pistas experimentales. A diferencia de SoundCloud, Bandcamp no es un servicio de transmisión, sino más bien un sitio web tipo tienda donde los usuarios pueden pagar una tarifa para descargar el trabajo de un músico directamente. Algunos músicos sienten que Bandcamp les da una mayor capacidad para expresar su visión artística y que es lo más cercano, en forma digital, a un lanzamiento de álbum físico. Los artistas pueden incluso vender lanzamientos físicos y productos a través del sitio web. Bandcamp también permite a los artistas establecer sus propios precios, y los artistas pueden incluso "vender" su música de forma gratuita si así lo desean. En comparación con Spotify, Bandcamp es mucho más amigable para los artistas, lo que explica por qué muchos han migrado al sitio web. En 2010, por ejemplo, Amanda Palmer dejó su sello y en su lugar puso a la venta su catálogo en Bandcamp usando Twitter como promoción. En tres minutos, Palmer había aportado más de $15,000 al sitio web. Otros músicos importantes como Peter Gabriel, Björk y Radiohead también han puesto a disposición sus catálogos en el sitio. Los principales actos independientes de la década de 2010, como Car Seat Headrest, Alex G y Clairo, también comenzaron en la plataforma.
REDDIT, 4CHAN, ETC.
Will Toledo de Car Seat Headrest también atribuye su éxito a que su música se comparte en foros de discusión en línea como Reddit y 4chan. Si bien estos dos sitios son algo controvertidos, especialmente el último, cada uno ofrece formas únicas de promover la música menos conocida. En Reddit, se pueden crear 'subreddits' para discutir nichos específicos de música que pueden no ser de conocimiento público general. Y en 4chan, la falta de votos a favor, me gusta o incluso cuentas democratiza despiadadamente cada publicación para que cada tema y opinión en el tablero de música, desde la superestrella del pop hasta la oscura música regional, reciban relativamente la misma cantidad de atención. Sitios como Reddit y 4chan, así como sitios específicos de música como Discogs, RateYourMusic y last.fm, han ayudado a preservar e incluso aumentar las bases de fans de ciertos músicos. Bandas como My Bloody Valentine, Slowdive, Duster y American Football se reformaron en la década de 2010 debido a que tenían una base de fans mucho más grande, principalmente en línea, que la que tenían mientras estaban activos.
Internet también puede servir como una forma de preservar la música que podría haberse perdido por completo de otra manera. Grupos como Dust-to-Digital, The Numero Group y Light in the Attic Records se dedican a reeditar música antigua en formato digital remasterizado. Los digitalizadores aficionados se pueden encontrar en los sitios mencionados anteriormente, como 4chan y Reddit. Ejemplos de esto incluyen el redescubrimiento de Panchiko, una oscura banda independiente de finales de los 90 que solo sacó 30 copias físicas de una demostración que hicieron antes de que un usuario descubriera un CD suyo en 2016; o “The Most Mysterious Song on the Internet”, una canción que aún no se ha identificado pero que tiene varias comunidades de Reddit y Discord dedicadas a conocer el origen de la enigmática pero cautivadora melodía.
Dado que la transmisión de música llegó para quedarse, no tiene sentido suspirar por los fiordos de los días de los álbumes de vinilo, las portadas tentadoras, las notas detalladas o incluso los paquetes de CD con sus gráficos aplastados. Esas cosas todavía existen, por supuesto, pero en cantidades tan pequeñas que no representan una amenaza para la revolución digital. Como dijo Neil Young en su “Carta abierta”, “las empresas privadas tienen derecho a elegir de qué se benefician, al igual que yo puedo elegir que mi música no apoye una plataforma que difunda información dañina. Estoy feliz y orgulloso de solidarizarme con los trabajadores de atención médica de primera línea que arriesgan sus vidas todos los días para ayudar a los demás. Como un bono inesperado, sueno mejor en cualquier otro lugar”.
