Años 70s contexto (USA)
A principios de la década de 1970, la contracultura de finales de la década de 1960 se había convertido en la corriente principal. Los signos de la paz, el cabello largo, el teñido anudado, el incienso y los valores hippies que se habían encontrado principalmente en los campus universitarios, ahora eran populares en los suburbios de clase media y en los centros comerciales de todo el país. Esta mercantilización de la contracultura podría haber sido una señal de que algunos de los problemas que habían dividido a Estados Unidos en los años sesenta fueron "resueltos" en los setenta. Sin embargo, la gente continuó cuestionando estas soluciones y exponiendo nuevos problemas que mantuvieron al país en un estado de confusión durante toda la década. En los primeros años de la década de 1970, Richard Nixon llegó a un acuerdo con los norvietnamitas, poniendo fin de manera efectiva a la guerra de Vietnam, que había sido uno de los temas más divisivos de la década de 1960. Aunque sus verdaderos horrores habían terminado, las cicatrices de Vietnam eran profundas. Muchos la llamaron la primera guerra que Estados Unidos perdió y cuestionaron la atención del gobierno a "la gente" en cuestiones de política. Este escepticismo estalló en 1974, cuando miembros de la Casa Blanca de Nixon encubrieron un asalto republicano a las oficinas demócratas en el complejo de oficinas de Watergate en Washington, D.C. Como resultado del escándalo que siguió, Nixon se convirtió en el primer presidente de la historia en renunciar a su cargo. Jimmy Carter prometió a Estados Unidos un futuro mejor y fue elegido en 1976, pero su presidencia estuvo plagada de problemas. En los últimos años de la década, la economía estadounidense estaba estancada y la inflación era alta, una situación tan pronunciada que los economistas acuñaron un nuevo término para describirla: "estancamiento". Parte del problema fue la escasez de combustible, lo que provocó largas colas en las estaciones de servicio y una sensación general de "crisis energética". La energía nuclear parecía ofrecer una alternativa viable, pero un accidente de 1979 en la planta de energía nuclear de Three Mile Island en Harrisburg, Pensilvania, generó temores públicos sobre la seguridad de tales instalaciones. Finalmente, una revolución política en Irán resultó en la toma de rehenes estadounidenses, una situación que dio más que un indicio de problemas políticos por venir en el Medio Oriente. Como se mencionó anteriormente, los valores hippies de la década de 1960 se convirtieron en la corriente principal en la de 1970. El feminismo se conoció como "liberación de la mujer", o simplemente "liberación de la mujer", en la cultura popular. Gloria Steinem fundó la revista Ms. en 1972, proporcionando un foro mediático de alto perfil sobre cuestiones feministas. En una serie de anuncios de larga duración que comenzó en 1969, Virginia Slims promocionó un cigarrillo hecho especialmente para mujeres con el eslogan "You’ve T has recorrido un largo camino, nena ". La libertad de mujeres también se abrió camino en los deportes y la música convencional. El tenista profesional Bobby Riggs desafió a Billie Jean King a un partido de "Batalla de sexos" en 1973, alegando que un hombre podía vencer fácilmente a una mujer (perdió), y en 1972 Helen Reddy ganó un Grammy por el himno feminista "I Am woman." Los defensores de los derechos de los homosexuales también se hicieron más visibles en la cultura pop. Después de que estallaran los “disturbios de Stonewall” de 1969 como reacción a una redada policial en un club gay de la ciudad de Nueva York, el movimiento se organizó y trabajó para cambiar las leyes estatales que prohíben la actividad homosexual. Un importante paso adelante ocurrió cuando la Asociación Americana de Psicología eliminó la homosexualidad de su lista de enfermedades en 1973. La televisión comenzó a reflejar estos cambios sociales y culturales. All in the Family debutó en 1971 y abordó muchos de los temas candentes de la época. Ambientada en la casa de una familia de clase trabajadora de la ciudad de Nueva York, el personaje central de la serie fue Archie Bunker, un fanático de mediana edad y con poca educación. Archie con frecuencia, y con humor, se enfadaba con quienes lo rodeaban, incluido su yerno liberal Michael (a quien llamaba "Meathead"), educado en la universidad, Gloria, su hija inspirada por las libertades femeninas, e incluso su gran corazón, pero algo débil -esposa ingeniosa Edith. Archie a veces se enredaba con el vecino George Jefferson por cuestiones raciales. Jefferson era la contraparte negra de Archie, igual de fanático, pero notablemente más exitoso en su carrera. En 1975, The Jeffersons se convirtió en el primer spin-off de All in the Family, seguido por Maude, cuyo personaje central era una mujer de voluntad fuerte que también había intercambiado púas con Archie. El programa que mejor capturó la creciente sensación de que las mujeres podían hacer una carrera por sí mismas sin el apoyo de un esposo fue The Mary Tyler Moore Show. Desde su primer episodio en 1970, el programa abordó constantemente los problemas que enfrentan las mujeres en el lugar de trabajo, aunque estos generalmente se manejan de una manera alegre. A mediados de la década, Chico and the Man estaba aumentando la conciencia del país sobre la vida hispana, haciendo que la programación de televisión fuera más diversa que nunca. La década de 1970 también vio el surgimiento de la televisión con música rock, un paso adelante con respecto a los programas orientados a adolescentes de la década de 1960, como American Bandstand. El magnate de Brill Building, Don Kirshner, produjo una nueva serie en 1972, In Concert (más tarde llamada Rock Concert), que contó con actuaciones en vivo de las principales bandas y artistas de rock. El especial de medianoche debutó al año siguiente, con el famoso disc jockey de radio Wolfman Jack. El R&B encontró un hogar televisivo en Soul Train de Don Cornelius, que se abrió paso en 1971 y continuó hasta 2006. A fines de la década de 1970, Saturday Night Live se convertiría en el estreno en vivo de grupos de rock, y muchos de ellos lanzaron sus carreras en Estados Unidos allí. La radio FM se convirtió en un gran negocio y dominó el formato de rock orientado a álbumes (AOR), a menudo con dos o tres estaciones en cada ciudad luchando por los oyentes (e ingresos por publicidad). A medida que se desarrolló FM, la radio AM fue cada vez más el hogar del pop preadolescente, los viejos y lo que quedaba de la programación tradicional al estilo de las cadenas. A medida que avanzaba la década, la radio FM rock se convirtió en un formato más ajustado, lo que permitió a los disc jockeys menos control sobre lo que se reproducía y redujo su influencia en la música y la cultura. El espacio exterior siguió siendo una fascinación para los cinéfilos estadounidenses, aunque ahora tenía un tinte definitivamente hippie. Cuando apareció Star Wars de George Lucas en 1977, multitudes récord volaron para ver a Luke Skywalker luchar contra el totalitarismo en una galaxia muy, muy lejana. En el momento culminante de la película, cuando Skywalker debe destruir la malvada Estrella de la Muerte, escucha la voz de su gurú, Obi Wan Kenobi, diciéndole que "use la fuerza". Skywalker apaga su equipo de alta tecnología, se conecta a la unidad cósmica y dispara el tiro que salva a su gente. A lo largo de la década de 1970, los negros lucharon contra los blancos, los hombres lucharon contra las mujeres y los gays lucharon contra los heterosexuales. Sin embargo, estos grupos estaban más cerca unos de otros que nunca. Si la década de los 60 se trató de los problemas de segregación (o división), la de los 70 se trató de los problemas de la diversidad. Como veremos, esta diversidad se reflejó en la música de la época. El folk y el rock progresivo, el disco y el punk, el rhythm and blues y el funk lucharon por, y recibieron, atención. Cada grupo social, al parecer, tenía una banda. Y cada banda tenía una audiencia.
EL CRECIMIENTO DEL MONSTRUO
El final de la década de 1960 proporcionó un terreno fértil
para los músicos de rock de la década de 1970. La mayoría de los estilos surgieron
a partir de nuevos desarrollos en el rock de finales de la década de 1960. Los
elementos que coexistieron dentro de la psicodelia se fragmentaron en estilos
más distintos durante la década de 1970. En general, la primera mitad de la
década de 1970 se caracterizó por bandas que continuaron los ambiciosos experimentos
de finales de la década de 1960, poniendo a prueba los límites de lo que podría
considerarse rock. En la segunda mitad de la década, el negocio de la música
rock creció drásticamente, transformándose en una gran industria dirigida por
conglomerados corporativos con intereses fuera de la música. No es difícil
interpretar una correlación entre los cambios estilísticos en el rock durante
la segunda mitad de la década de 1970 y la expansión corporativa. En
consecuencia, aquellos que desprecian el "rock corporativo" sienten
que la música después de finales de la década de 1960 se corrompió
progresivamente con grandes cantidades de dinero y egos aún mayores, todo
motivado por los resultados corporativos. A pesar de esto, la música de muchas
de las bandas que los críticos tendían a odiar en la década de 1970 (Led
Zeppelin, Bad Company, Boston, Kansas y Foreigner) se convirtió en el núcleo
del formato de radio de "rock clásico" que se desarrolló a lo largo
de la década de 1980. Hay algunos temas centrales a considerar cuando se
estudia el rock en la década de 1970, incluido el rock corporativo como una
forma de corrupción, la celebración y posterior aparición del punk y la nueva
ola desde el underground, y la aparición del rock clásico en la radio FM y la
televisión por cable modernas. desde aproximadamente 1990. La evolución de cada
estilo se rastrea desde sus raíces en la década de 1960 hasta su desarrollo
durante la década de 1970.
Los legados psicodélicos de la estética hippie.
Entre los cambios más importantes en el período 1966-69 se encuentran los cambios de enfoque en la música rock del single al álbum, y del baile a la escucha de música. Si bien los sencillos de éxito no desaparecieron por completo, de hecho, algunos grupos psicodélicos tuvieron lanzamientos de sencillos exitosos, hubo una sensación creciente de que los sencillos eran una parte diferente del negocio. Después del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, muchos artistas se obsesionaron con la creación de álbumes que proporcionaran una experiencia auditiva musicalmente provocativa. Además, los músicos expandieron el rango estilístico del rock incorporando elementos de la música clásica, la música electrónica y el jazz, y se volvieron cada vez más dependientes del estudio de grabación como herramienta creativa, produciendo discos que eran difíciles de reproducir en vivo. Algunos de los principios principales de la revolución del rock de finales de los sesenta continuaron a principios de los setenta, mientras que otros fueron cuestionados. Un enfoque en el arte musical y tecnológico, combinado con un enfoque claramente artístico de la creación musical (incluso entre grupos que cultivaron una imagen sensata y rockera), llevó a un enfoque estético que llamaremos "estética hippie" o la estética de la ambición. De acuerdo con este conjunto de principios, un músico de rock es un artista que tiene la responsabilidad de producir música sofisticada utilizando todos los medios a su disposición, y la música rock debe resistir la escucha repetida y las letras deben abordar cuestiones o temas importantes. El virtuosismo instrumental se volvió especialmente valorado en esta época. Los fanáticos votaron en encuestas anuales de revistas de música para seleccionar artistas en categorías como Mejor Guitarrista, Mejor Tecladista, Mejor Baterista, Mejor Bajista y Mejor Vocalista, además de categorías típicas como Mejor Álbum y Mejor Nuevo Acto. Estas encuestas ya eran habituales en las publicaciones de jazz, que valoraban mucho el virtuosismo musical y la fluidez de la improvisación, y en las revistas para adolescentes que valoraban la popularidad. Ahora los músicos de rock y sus fanáticos comenzaron a usar la capacidad de interpretación y la ambición musical como indicadores de importancia musical. La estética hippie es fundamental para comprender las conexiones entre una amplia variedad de estilos de rock de la década de 1970. Usando este marco, podemos ver que artistas tan diversos como Yes, the Eagles, Allman Brothers Band, Steely Dan e incluso Alice Cooper comparten elementos de un enfoque musical común. Este enfoque ayuda a aclarar que gran parte de la música rock creada durante la década de 1970 tenía vínculos importantes con la psicodelia. Los aspectos de la estética hippie continuaron influyendo en una amplia variedad de artistas hasta bien entrada la década de 1980, incluidos aquellos que parecían rechazarla rotundamente. Por ahora, consideraremos cómo este enfoque influyó en un estilo popular de rock basado en el blues a principios de la década de 1970 en el Reino Unido.
BRITISH BLUES ROCK
Los Rolling Stones, Cream y los Yardbirds.
La música rock basada en el blues que salió de Gran Bretaña en la década de 1970 fue una extensión importante del rock anterior influenciado por el blues. La música blues, especialmente el blues eléctrico de Chicago de músicos como Muddy Waters y Howlin ’Wolf, fue fundamental para gran parte de la música rock de la década de 1960, especialmente en el Reino Unido., Grupos como los Rolling Stones trajeron este estilo de regreso a Estados Unidos, o quizás más específicamente, introdujeron el blues a los adolescentes estadounidenses blancos. Después de los Stones llegaron los Yardbirds, un grupo que en varios momentos contó con Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. A principios de la década de 1970, bandas británicas como Deep Purple, Led Zeppelin y Black Sabbath se basaron en esta base estilística establecida por los Stones, los Yardbirds y Cream. Los propios Stones disfrutaron de un tremendo éxito comercial durante este período al regresar a sus raíces del blues después de una breve incursión en la psicodelia. Álbumes como Sticky Fingers (1971), Exile on Main Street (1972) y Goat's Head Soup ( 1973) fueron tremendamente populares en ambos lados del Atlántico, sacando a los Stones de la sombra de los Beatles y posicionándolos como uno de los grupos más importantes para hacer la transición de la década de 1960 a la de 1970.
Los ex alumnos de Yardbirds también se mantuvieron activos: Clapton continuó como solista después de su paso por Cream y Derek and the Dominoes, emergiendo con el exitoso sencillo "I Shot the Sheriff" (1974), y Jeff Beck lideró una sucesión de bandas. , incluidos Jeff Beck Group y Beck, Bogert & Appice, que tendían hacia un enfoque de fusión de jazz. Mezclando raíces de blues con sonidos psicodélicos y volumen de rock pesado, Jimmy Page jugó un papel importante en la continuación del virtuosismo de la guitarra y los estándares de espectacularidad establecidos por Clapton y Hendrix durante la década de 1960. Reclutado en los Yardbirds hacia el final de la carrera de la banda, Page era el único miembro de la banda que quedaba en 1969. Para cumplir con una serie de obligaciones de interpretación, Page llamó al bajista John Paul Jones, un músico de sesión experimentado, y a dos recién llegados: el vocalista Robert Plant y el baterista John Bonham. Después de trabajar por un corto tiempo bajo el nombre de New Yardbirds, la banda cambió su nombre a Led Zeppelin.
Led Zeppelin:
Blues, Folk y
Psychedelia dan el siguiente paso.
Con una serie de ocho álbumes número uno en el Reino Unido y seis números uno en los Estados Unidos, Led Zeppelin se encontraba entre los nuevos grupos británicos más exitosos de la década de 1970. Page coescribió la mayor parte de la música del grupo (a menudo con Robert Plant proporcionando la letra) y, profundamente dedicada al formato del álbum, la banda se resistió a lanzar singles. Cuando Page se acercó por primera vez a Plant sobre la formación de una banda, describió su visión como una mezcla de blues eléctrico tradicional, folk acústico y una buena cantidad de experimentación. A lo largo de los años, los oyentes y críticos se han centrado en los elementos más pesados de la música del grupo, olvidando otros aspectos de su catálogo. Por ejemplo, una mezcla entre instrumentación eléctrica y acústica es clara en los dos primeros álbumes del grupo, Led Zeppelin ( 1969) y Led Zeppelin II ( 1970). En el primer disco, "Babe I'm Gonna Leave You" es un reflejo de las tendencias acústicas de la banda, mientras que "Good Times, Bad Times" muestra un tono más duro
. El lado más psicodélico aparece en "Dazed and Confused", un elemento básico de los shows en vivo de la banda que mostraba a Page tocando su guitarra con un arco de violín.
También se puede encontrar una mezcla de los elementos más duros y la psicodelia en "Whole Lotta Love".
Esta mezcla de elementos acústicos, blues y psicodélicos también se puede encontrar en lo que podría decirse que es la pista más conocida de Led Zeppelin, "Stairway to Heaven", de su cuarto álbum sin título (1972).
La canción comienza con un pasaje de guitarra acústica e introduce un coro de flautas dulces seguido de la voz de Robert Plant. Esta textura continúa durante los primeros dos minutos de la canción. A medida que el arreglo se construye lentamente, se agregan guitarra eléctrica de doce cuerdas, piano eléctrico, bajo y batería. La sección final de la canción se mueve hacia el rock pesado, con un solo de guitarra eléctrica con influencias de blues de las voces agudas y distintivas de Page y Plant. La letra de “Stairway to Heaven” trata sobre el tema de la iluminación espiritual, una preocupación perenne entre los hippies de finales de los sesenta y un tema recurrente en el rock de los setenta. Más tarde, la banda volvería a los temas de la espiritualidad y la sabiduría de los antiguos y de Oriente, el más famoso en "Kashmir" de Physical Graffiti (1975). Las letras de Led Zeppelin a menudo también se centran en temas sexuales. La arrogancia de Plant en "Whole Lotta Love" y "Black Dog" lleva las divertidas letras de blues hokum de canciones como "Shake, Rattle, and Roll" más allá de la metáfora, haciendo referencias directas a la sexualidad. Page produjo todos los álbumes de la banda y fue especialmente magistral en la creación de una paleta sonora espesa con voces de doble seguimiento, creando una reverberación profunda para las pistas de batería de Bonham y superponiendo guitarras eléctricas, agregando una tras otra, cada una tocando partes distintas. Led Zeppelin continuó actuando ampliamente a lo largo de la década de 1970, lanzando álbumes como Houses of the Holy ( 1973), Presence (1976) e In Through the Out Door ( 1979). El grupo se disolvió después de la trágica muerte relacionada con el alcohol de John Bonham en septiembre de 1980. Como vimos en nuestra discusión sobre "Sunshine of Your Love" de Cream, la adaptación de las prácticas de blues al rock a menudo resultó en temas que se alejaban mucho de la estética. del blues tradicional. El tema de 1969 de Led Zeppelin, "Whole Lotta Love", brinda otra oportunidad de ver esta transformación en acción y da una idea de cómo las bandas británicas combinaron el blues con otros elementos. Originalmente atribuida a Jimmy Page y Robert Plant, la canción es una adaptación de un número de Willie Dixon llamado "You Need Love". (Después de algunas disputas legales, ahora se le atribuye a Dixon y a los cuatro miembros de Led Zeppelin).
Si bien el blues es claramente un componente central de "Whole Lotta Love", se pueden encontrar elementos de la psicodelia y características que anticipan el rock de finales de los setenta en la canción. Comienza como una forma simple de verso-coro, presentando dos pares de verso-coro basados en la misma música después de la breve introducción de guitarra y riff. Sigue una larga sección central, más larga, de hecho, que toda la música que la precede. Esta sección utiliza la panorámica en todo el espectro estéreo para que parezca que el sonido gira en círculos. Los gemidos vocales de Plant crean un sabor psicodélico distintivo, mientras que el solo de guitarra agresivo de Page continúa el virtuosismo psicodélico del blues-rock asociado con Eric Clapton y Jimi Hendrix. Luego, la canción vuelve al par verso-estribillo, presentado por tercera vez con sólo ligeras alteraciones. La pista termina con una coda, que se mueve desde una frase vocal de Plant de forma libre (una especie de "Cadenza" en la que la música se detiene y Plant proporciona un toque de solista), con un retorno del riff de guitarra y el desvanecimiento de la melodía. La estructura formal general de "Whole Lotta Love" sigue un patrón que se volvió común entre las bandas de rock en la década de 1970. Después de dos pares de verso-coro, se produce una sección contrastante: esta sección puede ser un solo de guitarra, saxo o teclado sobre el material del verso, o puede consistir en material completamente nuevo. Un regreso al par verso-coro o al verso a menudo concluye este patrón. Si los pares de verso-coro se consideran secciones A y la sección contrastante se considera la sección B, surge un patrón AABA a gran escala. Cuando una sección AABA está formada por componentes de coro verso, se utiliza el término "AABA compuesto" (reservando "AABA" para las formas de las canciones discutidas anteriormente). “Whole Lotta Love” proporciona un puente desde la década de 1960 hasta la de 1970, con sus raíces de blues, sección central psicodélica, virtuosismo agresivo de la guitarra y el uso de la forma AABA compuesta. La
LED ZEPPELIN IN CONCERT, 1970–79
Susan Fast
Las grabaciones de estudio de Led Zeppelin son innovadoras e
inspiradoras, pero solo cuentan una parte de la historia de la banda. Para los
fanáticos de Led Zep en la década de 1970, los shows en vivo se consideraban el
"verdadero negocio", y no hay duda de que el escenario del concierto
destacó mucho de lo que se ha vuelto legendario sobre este grupo. Hasta hace
poco, sólo había un lanzamiento oficial de concierto en vivo, la película
documental de 1976 The Song Remains the Same (también lanzada como un álbum
doble en vivo). Esta película captura a Zeppelin en concierto en el Madison
Square Garden en su gira de 1973, en el apogeo de su dominio de las listas de
éxitos y escenarios de conciertos en todo el mundo. Es un documento fascinante,
no solo por la música, sino también por las famosas “secuencias de fantasía” en
las que Page, Plant y Jones son representados como protagonistas en diferentes
narrativas de búsqueda ficticia. Pero la calidad de la interpretación no logra
captar lo grandiosos que fueron realmente en concierto. Durante años, los
fanáticos comprometidos circularon grabaciones piratas de conciertos de
Zeppelin particularmente famosos, y The Song Remains the Same simplemente
palideció en comparación. En 2003, algunas de estas grabaciones fueron
remasterizadas y publicadas oficialmente como un conjunto de dos DVD (Led
Zeppelin) y en el CD How the West Was Won. Estas grabaciones proporcionan una
instantánea precisa y fácilmente accesible del legado de conciertos de la
banda. Los conciertos de Led Zeppelin eran maratones: los espectáculos de tres
horas no eran inusuales y el aumento de la duración de las canciones
individuales, llenas de improvisación prolongada, es una marca registrada de
Led Zeppelin que indica la muy venerada inclinación de la banda por asumir
riesgos musicales. Su concierto de 1970 en el Royal Albert Hall se ubica como
una de las mejores representaciones de las capacidades musicales de la banda.
Los largos solos de guitarra virtuosos de Page, a veces brillantes y a veces un
poco fuera de lugar, son momentos en los que la expresividad supera a la
técnica, generalmente con gran efecto. Aparte de los solos de guitarra, la
improvisación también incluyó atascos completos de la banda en viejas canciones
de blues y pop, y las ideas musicales se desarrollaron en el acto. Page se
refirió a la combinación de precisión y asunción de riesgos como el factor
"apretado pero suelto" de la banda. La voz de Robert Plant está en
plena forma en este espectáculo, y el poder abrumador de su voz llega por
encima del volumen excesivo de los instrumentos. La interpretación de “How Many
More Times” reúne todos estos elementos: escuche la increíble energía impulsora
del riff, interpretado por Page, Jones y Bonham durante grandes tramos de la
canción; los intercambios improvisados entre Page y Plant; y las largas
improvisaciones basadas en blues hacia el final de la canción. El solo de
batería de Bonham, el núcleo de la canción "Moby Dick", ya es una característica
de este primer concierto y siguió siendo un componente central de sus shows en
vivo. Gran parte de lo "pesado" del sonido de Zeppelin proviene de
Bonham, un batería asombrosamente poderoso que también era ágil y capaz de
realizar gestos muy sutiles. Otro elemento importante de los shows en vivo fue
el de Page uso del arco de violín para tocar su guitarra durante "Dazed
and Confused". El propósito de esto fue explorar timbres nuevos e
interesantes en la guitarra eléctrica. La técnica se asoció fuertemente con la
imagen de Page como una especie de mago musical. Algunas características
cruciales para la experiencia posterior del concierto de Led Zeppelin aún no
están presentes en el espectáculo del Royal Albert Hall. Al igual que con otras
bandas de rock, cuando se mudaron a los estadios y tocaron para multitudes
mucho más grandes, la banda exageró sus gestos visuales para que la audiencia
pudiera verlos. Page comenzó a usar trajes hechos a medida, uno de ellos negro
con estrellas y planetas, otro con dragones y un traje de seda blanco adornado
con amapolas rojas, que aumentaban el aura mágica que lo rodeaba. También
comenzó a cultivar un tipo más grandioso de espectáculo, caminando como un pato
por el escenario y levantando su mano izquierda triunfalmente después de hacer
un riff. Estos gestos se volvieron más “mágicos” y enfáticos cuando Page tocó
el theremin, un sencillo instrumento electrónico utilizado para recrear la
sección intermedia experimental de “Whole Lotta Love” en concierto. Plant
comenzó a desnudar su pecho en una demostración de virilidad, como muchos
rockeros en la década de 1970. La banda rara vez usaba pirotecnia, que sentían
que restaría valor a la presentación "pura" de la música, pero Bonham
prendió fuego a su gong al final del concierto. El combate musical y visual
entre Page y Plant era una característica constante de los programas, Page a
menudo tocaba licks en su guitarra que Plant respondía o imitaba. La suya fue
una de las muchas muestras de intimidad entre cantante y guitarrista que se han
convertido en sellos distintivos de la música rock. Page tocó el instrumental
acústico "White Summer" en el Royal Albert Hall, pero la banda
interpretaría posteriormente un conjunto acústico completo. Si bien la banda se
hizo legendaria por la potencia y el volumen crudos y excesivos de su música
(algunos los han reclamado como los progenitores del heavy metal), también
produjeron una gran cantidad de música acústica. Esto es especialmente evidente
en su tercer álbum, y sus canciones acústicas se exhibieron en una sección
separada de sus conciertos. El set acústico demostró un elemento importante de
la habilidad musical de la banda: eran músicos flexibles y polifacéticos. Las
bandas de heavy rock han utilizado actuaciones acústicas para demostrar su versatilidad
desde entonces.
Deep Purple:
Blues, Clásico y Psicodelia. Al igual que Led Zeppelin, Deep Purple tuvo sus orígenes en el rock de finales de los sesenta. Formado en Londres en 1968, el grupo tuvo un sencillo número cuatro en Estados Unidos ese año con una versión de "Hush" de Joe South. Desde sus inicios, la banda mezcló rock basado en blues con música clásica, lanzando uno de los primeros álbumes en combinar una banda de rock con una orquesta sinfónica, Concierto para grupo y orquesta ( 1969). Después de tres álbumes relativamente fracasados (a pesar de “Hush”), los miembros fundadores Jon Lord (teclados), Ritchie Blackmore (guitarra) e Ian Paice (batería) reemplazaron al cantante original Rod Evans y al bajista Nick Simper por el cantante Ian Gillan y el bajista Roger Glover. Esta formación irrumpió en las listas de rock en la primera mitad de la década de 1970. Deep Purple in Rock llegó al número cuatro en el Reino Unido en 1970, seguido de Fireball ( 1971) y Machine Head ( 1971), álbumes que mostraron una creciente popularidad en los Estados Unidos. Machine Head contiene "Smoke on the Water" y "Highway Star", dos canciones que se han convertido en elementos básicos de la radio rock.
Black Sabbath:
el rock británico se encuentra con Boris Karloff y los inicios góticos del metal.
Compuesto por el guitarrista Tony Iommi, el bajista Geezer Butler, el baterista Bill Ward y el cantante John “Ozzy” Osbourne, Black Sabbath comenzó como una banda de blues a fines de la década de 1960, pero rápidamente se volvió hacia los elementos más oscuros del rock. Al principio, la banda cambió su nombre de "Earth" a "Black Sabbath", en honor a una película de terror de Boris Karloff. "Black Sabbath",
el primer tema de su primer álbum, Black Sabbath ( 1970), comienza con el repique de las campanas de una iglesia distante, seguido de un riff siniestro que utiliza el intervalo musical del tritono, un disonante e inestable combinación de notas conocida entre los aficionados a la música clásica por su asociación con Satanás. El próximo álbum de la banda, Paranoid ( 1970), contiene "Iron Man", que comienza con el tañido grave de las guitarras para acompañar la voz distorsionada de Osbourne que entona "I am Iron Man".
Instrumentalmente, las canciones de Black Sabbath a menudo
transmiten una textura oscura porque la guitarra, el bajo y la voz interpretan
variantes del mismo riff simultáneamente (“Iron Man” es un buen ejemplo de
esto). Sin embargo, a pesar de estos toques góticos, la música de Black Sabbath
se basa principalmente en riffs de blues y estructuras de rock comunes. Los
primeros cuatro álbumes del grupo, incluidos Master of Reality ( 1971) y Black
Sabbath, vol. 4 ( 1972), fueron grandes éxitos comerciales y sentaron las bases
para el uso de la música y las imágenes que se convertirían en fundamentales
para el surgimiento del heavy metal unos años más tarde. A finales de la
década, la formación original se separó y Ozzy pasó a una carrera en solitario
como uno de los practicantes más destacados del heavy metal en las décadas de
1980 y 1990. A finales de la década, los miembros habían formado otras bandas,
incluidas Rainbow (Blackmore), Whitesnake (Coverdale) y Gillan (Gillian)..
https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html
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