The Kingsman comenzó con Sid Herring & Johnny Freeman en 1963 tocando versiones de R&B y el tipo de instrumentales popularizados por The Ventures . Los Gants se formaron poco después por Sid Herring (voz principal y guitarra), Johnny Sanders (8 de octubre de 1945 - 29 de septiembre de 2012; guitarra), [1] Vince Montgomery (bajo) y Don Wood (19 de diciembre de 1949 - 14 de mayo de 2011; batería). [2]
Varios eventos se combinaron para empujar a la banda desde la oscuridad de tocar las canciones de otros artistas en los bailes de Greenwood, Mississippi y hacia los géneros populares del garage-rock de la década de 1960. Freeman abandonó el Kingsman debido a conflictos con sus padres por salir de gira fuera de la ciudad. Después de discutir con Vince Montgomery y Don Wood, Sid Herring reemplazó a Freeman por Johnny Sanders. El nombre de la banda se cambió a The Gants, después de una popular marca de camisa con cuello abotonado, que también es la palabra francesa para "guante". En 1965, The Gants lanzaron su primer sencillo y álbum, Road Runner. Al mismo tiempo, Herring, que se parecía a Peter Noone de Herman's Hermits , [3] comenzó a escribir algunas canciones originales. A principios de 1965, un director de gira estadounidense y coordinador de The Animals , York Noble, escuchó a The Gants mientras tocaban en el salón de baile Holiday Inn en Laurel, Mississippi, y fueron elegidos para abrir en la gira de Florida de esa banda . Esto resultó ser un desarrollo típico de The Gants, tocar el primer set para grupos más famosos, pero las oportunidades eran limitadas con la mitad de la banda todavía en la escuela secundaria y la otra mitad en la universidad. [3]
En este punto, The Gants contaba con un sonido profesional y un repertorio de material original y un repertorio aún mayor de versiones, lo que se reflejó en la elección de caras para su primer sencillo: ( Bo Diddley ) " Road Runner " respaldado por ( Herring) "My Baby Don't Care", lanzado con el sello Statue a mediados de 1965. El disco mostró suficiente potencial para ser reeditado en un sello importante, Liberty Records , en septiembre, y obtuvo un modesto éxito en las listas, alcanzando el puesto 46 en los EE . UU. Y el 28 en Australia . Más tarde ese año, Liberty lanzó el primer álbum de The Gants, Roadrunner . En enero de 1966 se lanzó un nuevo single, " Little Boy Sad ", que incluía un uso temprano del talk box que luego se hizo famoso por Joe Walsh y Peter Frampton . La banda intentó que Liberty lanzara su grabación de " Gloria " de Them , pero el sello se negó. La canción más tarde se convirtió en un éxito para The Shadows of Knight .
Se había establecido un patrón definido: los Gants podían grabar y hacer breves giras durante las vacaciones, pero eso nunca fue suficiente. Las estaciones de radio renunciaron a sus registros cuando la banda no pudo librarse de sus responsabilidades en casa por apariciones promocionales. En 1966 y principios de 1967, se lanzaron varios sencillos y dos álbumes más, Gants Galore y Gants Again . Ninguno de estos lanzamientos tuvo un impacto significativo en los gráficos. Durante este período, Johnny Sanders había renunciado y fue reemplazado por Johnny Freeman, por un par de conciertos y un viaje a California . Luego, Freeman fue reemplazado nuevamente después de que regresaron de California en el verano de 1967 y resultó infructuoso, y tres de los Gants regresaron a Greenwood, dejando a Herring en Los Ángeles con un trabajo como compositor de personal de Liberty Records.
A pesar de su falta de éxitos, los Gants mantuvieron un aura de culto menor dentro del espíritu del garage rock y no fueron completamente olvidados. [ cita requerida ] Una de sus canciones, "I Wonder" de Herring se incluyó en el álbum recopilatorio de 1980 , Pebbles, Volumen 8 . En 2000, Sundazed Records lanzó Roadrunner! The Best of The Gants , con notas de Mike Stax; su sencillo " Little Boy Sad " fue incluido en el CD de música Southern Sampler de la revista Oxford American .
En 2005, The Gants estaban actuando juntos de nuevo: Sid Herring, Don Wood, Johnny Sanders, ((Johnny Freeman se reincorporó a la banda en 2001)) con el bajista Ed Foresman reemplazando a Vince Montgomery, quien murió de causas naturales en enero de 2001 en su en Clarksdale, Mississippi , a los 54 años. [4]
Johnny Sanders murió en su casa el 29 de septiembre de 2012 de la enfermedad de Alzheimer, a los 66 años. [1] Era médico y fundó la Clínica Sanders para Mujeres en Tupelo, MS. Correcciones de Sid Herring de The Gants
Evie Sands (nacida el 18 de julio de 1946) es una cantante, compositora y música estadounidense.
La carrera musical de Sands abarca más de 50 años. Comenzó su carrera cuando era adolescente a mediados de la década de 1960. Después de un comienzo difícil, finalmente encontró el éxito en las listas de éxitos en 1969, antes de retirarse de la actuación en 1979 para concentrarse en escribir y producir. Experimentó un aumento de la popularidad de culto liderado por la moda en el Reino Unido a partir de la década de 1990 y volvió a las presentaciones en vivo a mediados de 1998. Sands continúa escribiendo y actuando.
Primeros años
Evie Sands nació en Brooklyn , Nueva York, en una familia de músicos. Su madre era cantante y Sands creció escuchando a artistas como Billie Holiday , Dinah Washington , Frank Sinatra , Jackie Wilson , Little Willie John y The Beatles . Ella se inspiró en estos artistas para aprender teclado y guitarra y desarrollar su propia habilidad como cantante y compositora. Grabó sus primeros sencillos a mediados de la adolescencia: "The Roll / My Dog" (ABC 10458/1963), " Danny Boy ", "I Love You So" / "I Was Moved" (Gold 215/1964)
Carrera musical
1960
En 1965 Sands firmó con el sello Blue Cat de Red Bird ; realizó una gira con la estrella de Red Bird, Shangri-Las, y comenzó una colaboración duradera con los productores y compositores Chip Taylor y Al Gorgoni con el lanzamiento del sencillo de Blue-Eyed Soul [2]Northern Soul "Take Me For a Little While" ( escrito por Trade Martin ). Antes de su lanzamiento, un promotor discográfico con sede en Chicago robó una copia de prueba de la grabación de Sands y se la llevó al artista de grabación de Chess , Jackie Ross ., que venía del gran éxito del pop-soul "Selfish One". A Ross y sus productores les encantó la canción y grabaron, editaron y lanzaron el disco en 48 horas, superando la versión de Sands en la calle por una semana. Respaldada por el poder de marketing y promoción de Chess, y con el nombre de Ross adjunto, esta versión recibió la mayor parte de la difusión al aire. La lucha legal posterior retrasó la carrera de Sands antes de que tuviera la oportunidad de comenzar. Para cuando Chess retiró el sencillo de Ross del mercado, la versión de Sands alcanzó el número 114 en Bubbling Under Hot 100 Singles de Billboard , pero realmente solo se abrió paso en las pocas ciudades, como Los Ángeles, que se habían mantenido "en la cerca". , esperando a ver qué versión jugar. [2]Ross no estaba al tanto de la duplicidad involucrada y dejó Chess poco después.
El sencillo de seguimiento de Sands, " I Can't Let Go ", se perdió en medio del caos que siguió a "Take Me For a Little While", dejando a los británicos Hollies libres para obtener una portada exitosa en la primavera de 1966. Ese mismo año, Sands debutó en Cameo-Parkway y continuó el patrón de canciones introducidas por ella convirtiéndose en un éxito para otros artistas. En 1967, la versión de Sands de " Angel of the Morning ", escrita por Chip Taylor, quedó atrapada en los problemas comerciales del sello. A pesar de que el sencillo es una de las canciones de radio más solicitadas dondequiera que se reproduzca, y de que se agotaron las 10.000 copias iniciales, la bancarrota pendiente del sello abortó el éxito potencial del disco; unos meses después, la entonces desconocida Merrilee Rushobtuvo un sencillo entre los diez primeros con la canción. El último lanzamiento de Sands en Cameo-Parkway fue "Billy Sunshine" en enero de 1968, que alcanzó el puesto 133 en la lista Bubbling Under Hot 100 Singles de Billboard antes de la desaparición de Cameo. [3]
En 1969, Sands finalmente marcó con el sencillo de A&M "Any Way That You Want Me", una composición de Chip Taylor previamente grabada tanto por American Breed como por los Troggs en 1966. Un éxito número 1 en Birmingham, Alabama , "Any Way" de Sands That You Want Me" también alcanzó el top ten o mejor en Columbus, Ohio ; Houston , Texas; San Diego , California; y un número de otras ciudades. El récord alcanzó el puesto 53 en el Hot 100 y empató con " Tiny Bubbles " de Don Ho durante la mayoría de las semanas (17) en esa lista en la década de 1960 con un pico inferior a 50. [4]
También en 1969, Sands grabó "Maybe Tomorrow", compuesta por Quincy Jones con letra de Alan y Marilyn Bergman, para la película John and Mary . La canción fue lanzada como sencillo por A&M Records y también se incluyó en el LP de la banda sonora de A&M.
1970
El álbum debut de Sands, también llamado Any Way That You Want Me , fue lanzado en A&M en 1970, varios meses después de que el sencillo alcanzara su punto máximo. Sands hizo su debut grabado como compositora en el álbum con "It's This I Am", versionada años después por Beck y Beth Orton , respectivamente.
En marzo de 1971 se anunció un álbum de Sands que sería producido por Val Garay para Buddah , pero no llegó a buen término. En cambio, el lanzamiento de 1975 Estate of Mind en el sello Capitol Haven puso fin a la ausencia de cinco años de Sands en las grabaciones. Producido por Dennis Lambert y Brian Potter, el álbum marcó la producción continua de Sands como compositor, y también colaboró con Richard Germinaro y el veterano compositor Ben Weisman . Dos pistas del álbum, "You Brought The Woman Out Of Me" de Lambert y Potter y la colaboración de Sands-Weisman-Germinaro "I Love Makin 'Love To You", se acercaron al estatus de gran éxito. Terminaron alcanzando el número 50. Sands vería este último incluido en elÁlbum ButterFly de Barbra Streisand . Varias otras canciones de Sands del álbum Estate of Mind también fueron versionadas por varios artistas, incluidos Dionne Warwick , Dobie Gray , Dusty Springfield, Frankie Valli , Gladys Knight , Arthur Prysock , The Manhattans , Cher / Gregg Allman , Jose Feliciano y Phyllis . Hyman .
Después de un último lanzamiento de un sencillo en 1976 en Haven, una nueva versión de " The Way You Do the Things You Do ", el siguiente lanzamiento de Sands fue en RCA . La compañía publicó el álbum Suspended Animation , producido por Sands y Michael Stewart en la primavera de 1979, aunque Sands había comenzado a trabajar con el coproductor Michael Stewart en mayo de 1977. Los músicos del álbum incluían a los miembros de Toto David Hungate , Steve Lukather y Greg . Phillinganes , y también Lee Ritenour y Buzz Feiten . Los vocalistas que respaldaron a Sands incluyeron al líder de Toto, Bobby Kimball ,Bill Champlin de Chicago y, en el tema "Lady of the Night", Dusty Springfield . A pesar de su personal, Suspended Animation no tuvo un impacto real en las listas de éxitos por sus lanzamientos individuales. Al igual que con su álbum anterior, algunas de las canciones fueron versionadas por otros artistas, incluidos Helen Reddy , Linda Clifford , Phyllis Hyman , June Pointer , The Weather Girls y Shirley Bassey . Karen Carpenter grabó dos de las canciones de Sands para su álbum en solitario , pero quedaron inéditas.
Después del lanzamiento de este álbum, Sands se retiró de la interpretación en 1979, [5] pero continuó trabajando como compositor y productor.
Carrera posterior
En 1982, Sands coprodujo (con Leslie Ann Jones ) el álbum Speed Of Light de Holly Near . La banda básica estaba formada por Adrienne Torf en los teclados, Carrie Barton en el bajo, Cam Davis en la batería y Ray Obiedo en las guitarras eléctricas y acústicas. Músicos y cantantes adicionales incluidos, Sands-guitarra eléctrica, guitarra acústica y coros, Sheila E. - percusión, Robben Ford - guitarra eléctrica, Vicki Randle y Linda Tillery -coros. El álbum fue grabado y mezclado en San Francisco, California en The Automatt . [8]
A fines de 1996, Sands fue a ver a Chip Taylor actuar en un concierto en un club y él la invitó al escenario para actuar con él. A pesar de no haberse mantenido activamente en contacto durante los años anteriores, la experiencia fue tan exitosa que los dos reiniciaron su colaboración, junto con Al Gorgoni, lo que resultó en el LP Women In Prison , aclamado por la crítica , que fue lanzado en 1999 (y nuevamente en 2000) en los registros de Taylor's Train Wreck. [5] Un proyecto más arraigado que el alma de ojos azules de su producción de finales de los años 60 y 70, el álbum constaba de varios originales de Sands-Taylor-Gorgoni, incluido un dueto con Lucinda Williams .en la pista "Cool Blues Story". A varias pistas les fue bien en las listas independientes del Reino Unido/Europa. Después de la reconexión con Taylor, Sands volvió a actuar en 1998. Sands y Taylor hicieron algunos shows en el Reino Unido y Europa cuando se lanzó el álbum, incluidos Londres, Glasgow, Bruselas y varias fechas en los Países Bajos.
Los álbumes anteriores de Sands Any Way... y Estate... fueron reeditados en septiembre de 2005 y junio de 2006 respectivamente, en el sello Rev-Ola del cofundador de Creation, Joe Foster, en el Reino Unido. Sands pasó a interpretar su propio material en solitario, además de actuar como guitarrista principal en el ecléctico grupo con sede en Los Ángeles, Adam Marsland 's Chaos Band. Apareció en el CD en vivo de 2007 de esa banda, Long Promised Road: Songs of Dennis and Carl Wilson , en el que cantó varias voces principales, incluida la primera grabación lanzada de "Wouldn't It Be Nice to Live Again" de Dennis Wilson. También hizo un extenso trabajo vocal y de guitarra en el CD doble Go West de Marsland de 2009., incluida la voz principal en una pista. Un nuevo álbum, "Queen Of Diamonds / Jack Of Hearts" - Billy Vera & Evie Sands - cantando nuevas canciones de Chip Taylor, fue lanzado el 9 de septiembre de 2014, en el sello Train Wreck de Taylor. [9] Un nuevo EP de 6 canciones, "Shine For Me", fue lanzado el 22 de abril de 2017 en R-Spot Records. [10] [11] [12] Se anunció el lanzamiento de un nuevo disco de larga duración titulado Get Out of Your Own Way en 2020. El primer sencillo, "If You Give Up", que presenta a Willie Aron (antes de Traductor ) e Isobel Campbell (antes de Belle & Sebastian ) se estrenó en abril de 2020.
Eight Miles High fue el sencillo que debería haber lanzado a The Byrds a la estratosfera. Entonces, ¿por qué marcó el momento preciso en que todo se derrumbó?
Gene Clark de los Byrds pasó su primer vuelo transatlántico, en agosto de 1965, mirando por la ventana, viendo cómo el sol de California dejaba paso a la llovizna de Londres. Mientras el avión descendía lentamente hacia la pista azotada por la lluvia del aeropuerto de Londres, la musa de Clark intervino y, cuando The Byrds regresó a Estados Unidos , había escrito algunas letras sobre el viaje.
Cuando se estrenó Eight Miles High de The Byrds en diciembre de 1965, no fue necesario indagar mucho para identificar la "ciudad gris lluvia, conocida por su sonido" como el Londres que Clark había observado desde el avión. La referencia a ' letreros en la calle que dicen a dónde vas ' se reveló como una excavación en la ubicación aleatoria de los letreros de las calles alrededor de la capital inglesa, mientras que 'no hay ningún lugar para encontrar calor entre los que pierden su terreno' fue un un guiño a la hostilidad que encontraron por parte de The Birds, un grupo mod británico que acusó a la banda de robar su nombre. Ese mismo vuelo también motivó el título de la canción.
“Comenzamos como Six Miles High”, recuerda el guitarrista Roger McGuinn, “porque esa es la altitud aproximada a la que vuelan las aerolíneas comerciales. Cuarenta y dos mil pies, o unas ocho millas de altura, es la altitud reservada para los aviones militares. Pero Gene dijo que ocho millas suenan mejor que seis, y sonaba más poético. También fue en la época de Eight Days A Week [de The Beatles] , así que ese fue otro gancho”.
Eight Miles High representó una salida musical para The Byrds. Si bien los versos aún estaban acompañados por las armonías de Clark, Roger McGuinn y David Crosby , la introducción psicodélica y el desglose mostraban influencias que habían sido enterradas en sus versiones de canciones de Bob Dylan .
“La introducción del bajo realmente está tomada de A Love Supreme de John Coltrane ”, admite el bajista Chris Hillman. “Y estábamos escuchando mucho a Ravi Shankar”.
The Byrds originalmente grabaron Eight Miles High en Victor Studios de RCA, con Jim Dickson como productor y Dave Hassinger como ingeniero. Era crudo pero poderoso. La banda quedó destrozada al descubrir que su contrato con CBS estipulaba que la canción no podía ser lanzada porque había sido grabada en un estudio que no era de Columbia.
Para bien o para mal, Eight Miles High se volvió a grabar rápidamente con la producción de Allen Stanton. Cuando se le preguntó si es mejor, Hillman reflexiona: “No estoy seguro. La versión RCA es más espontánea. Intentamos incluir la versión RCA como la toma de Columbia, pero nos atraparon haciéndolo”.
En abril de 1966, una inocua hoja de papel aterrizó en el escritorio de todos los programadores de radio y disc jockeys de Estados Unidos. Record Report de Bill Gavin, una 'hoja de consejos' semanal que prescribía qué estaciones debían reproducir, era un espectáculo familiar entre los expertos de la industria. En esta ocasión, su tono fue de farfullante indignación. "Hemos eliminado Eight Miles High de nuestra lista de reproducción recomendada", olfateó el informe. 'En nuestra opinión, este registro implica el fomento y/o aprobación del uso de marihuana o LSD'.
Como resultado, el sencillo fue prohibido en Houston, Baltimore y Washington, y se estancó en su pico número 14 de Billboard . ¿ Eight Miles High realmente se trataba de drogas? Hillman insiste en lo contrario: “Soy testigo”, dice el bajista, “nunca se trató de eso. Todo el mundo se estaba volviendo loco por el consumo de marihuana, así que nos marcaron de inmediato. Estaba encabezando las listas en los Estados Unidos hasta esa hoja de consejos. Creo que la palabra 'alto' lo hizo. Creo que la inclusión de esa palabra puso en marcha a los ignorantes”.
“Podríamos haber llamado a la canción FortyTwo Thousand, Two Hundred And Forty Feet ”, agregó, sobre su controvertido título, “pero de alguna manera ese no parecía un título de canción muy comercial, y ciertamente no lo habría escaneado”.
A pesar de todas las protestas de la banda, parece ingenuo concluir que Eight Miles High se refería únicamente a la altitud. Ciertamente, The Byrds estaban tomando drogas en este momento, aunque no en las cantidades que tomarían más tarde.
“Cigarrillos, un poco de marihuana, algunas bebidas, un par de cosas ácidas, eso es todo”, recuerda Hillman. "Gene probablemente estaba tomando café cuando escribió esa letra".
Quizás la conclusión lógica es que Eight Miles High se refiere tanto al vuelo como a las drogas. Es un argumento que se ve reforzado por el resbaladizo testimonio de Crosby (su versión cambia cada vez que se presiona sobre el tema).
“Por supuesto que era una canción de drogas”, afirmó una vez. “Estábamos drogados cuando lo escribimos. También podemos decir con razón que no era una canción sobre drogas porque estaba escrita sobre el viaje a Londres. Era una canción de drogas y no era una canción de drogas al mismo tiempo”.
Eight Miles High debería haber sido la canción que lanzó a The Byrds a la estratosfera. En cambio, marcó el momento preciso en que todo se derrumbó. Poco después de que se grabara, Gene Clark abandonó la banda. Y aunque su éxito continuó, la química se fracturó nuevamente en 1967 con la partida de David Crosby.
"Si The Byrds se hubieran mantenido unidos, los cinco chicos originales, después de Eight Miles High ", suspira Hillman, "¿quién sabe lo que habríamos hecho?".
McGuinn es más contundente sobre el daño causado por la controversia: “Nos sacó del juego”.
UNA NACIÓN WOODSTOCK: FESTIVALES, AUDIENCIAS Y RADIO
¿Conoce el camino a Monterey? Los grandes festivales de música al aire libre se convirtieron por primera vez en un elemento importante de la cultura rock a fines de la década de 1960. En la primavera de 1967, John Phillips de The Mamas and the Papas y el ejecutivo de la compañía discográfica Lou Adler organizaron el Festival Internacional de Pop de Monterey, modelándolo en el ya establecido Festival de Jazz de Monterey. Monterey Pop fue el primer festival internacional de rock importante y reunió a bandas de San Francisco, Los Ángeles y Londres para actuar del 16 al 18 de junio en el recinto ferial del condado de Monterey en California. Jefferson Airplane, The Grateful Dead, Big Brother and the Holding Company, The Byrds, Mamas and the Papas, The Animals, The Who y muchos otros tocaron gratis, cobrando solo los gastos de viaje. La aparición de Jimi Hendrix lo presentó a músicos y hombres de negocios en los Estados Unidos y fue crucial para su éxito posterior. The Mamas and the Papas actuaron por última vez en su formación original. Se pensaba que la decisión de los Beach Boys de no tocar había dañado su reputación dentro de la floreciente contracultura. Otis Redding, respaldado por Booker T. & the MG's, cautivó a la audiencia hippie con la marca Stax de soul sureño. Si bien las cifras de asistencia para cualquier evento al aire libre a menudo varían ampliamente, la mayoría de las cuentas responsables coinciden en que asistieron al festival entre 55.000 y 90.000 personas. En muchos sentidos, Monterey fue simplemente una extensión de los eventos regulares de conciertos hippies en San Francisco que comenzaron en 1965. Mientras que los eventos de San Francisco incluyeron principalmente actos locales y regionales, el Festival de Monterey incluyó una amplia gama de actos internacionales en el mismo cartel. Esto proporcionó un modelo para el festival de rock al aire libre que sería seguido por importantes conciertos organizados en Newport (1968 y 1969), Miami (1968), Toronto (1969), Atlanta (1969), Denver (1969) y muchos más. otros lugares.
EN VIVO DESDE. . . WOODSTOCK de Graeme Boone Dicen que, si recuerdas la década de 1960, no estabas allí. Pero uno de los momentos más importantes de aquí y ahora en la historia estadounidense tuvo lugar en la granja de Max Yasgur en Bethel, Nueva York, del 16 al 18 de agosto de 1969: el Festival de Woodstock. Oficialmente llamada "Feria de Música y Arte de Woodstock, Una Exposición de Acuario", atrajo a medio millón de fanáticos a 600 acres de campo ondulado durante tres días de música, comunidad y puro éxtasis psicodélico. En los meses previos al festival, "¿Vas a ir?" Parecía una pregunta universal entre las tribus modernas, pero nadie sabía qué esperar, porque Woodstock era una apuesta arriesgada con probabilidades incognoscibles. ¿Podría la contracultura de la Costa Este realmente lograr un “acontecimiento” al estilo de la Costa Oeste en una escala tan masiva? Una horda de aficionados apostó a que sí, y tenían razón. Por un momento, la contracultura se convirtió en la cultura, y las diversas corrientes del radicalismo de los años 60 parecieron fusionarse, con todas las variedades de celebración y rebelión convergiendo en un gran río, no de violencia y destrucción, sino de celebración y compartir. En febrero de 1969, cuando comenzó la planificación de este gran evento, la logística se convirtió rápidamente en una complejidad sin precedentes. Los organizadores Michael Lang, Joel Rosenman y Artie Kornfi eld probablemente nunca hubieran continuado si se hubieran dado cuenta de lo difícil que iba a ser su tarea. Pero siguieron adelante hacia su sueño mientras los obstáculos surgían una y otra vez. Las negociaciones procedieron de manera adecuada ya un costo astronómico sobre la vertiginosa variedad de servicios públicos, servicios e infraestructura, todos los cuales tuvieron que ser introducidos o construidos en el lugar; proliferaba la oposición pública; y el permiso para usar el sitio fue denegado apenas un mes antes del festival, por lo que hubo que ubicar otro lugar. Durante el festival mismo, la catástrofe acechaba en todo momento: atascos de tráfico alucinantes; un desglose completo de la toma de entradas; tormentas y ríos de barro; malas drogas y malos viajes; crisis alimentaria, sanitaria y médica; y otras pesadillas logísticas de cada
descripción. El gobernador de Nueva York la declaró zona de desastre y se brindó ayuda de emergencia desde todas las direcciones, desde tiendas locales y servicios médicos hasta la Guardia Nacional y el Ejército. Pero para los fanáticos, tales realidades palidecieron ante la visión triunfal de Woodstock de paz y armonía en acción y adversidad, elevándose sobre una alfombra voladora de sexo, drogas y rock and roll. Una de las muchas incertidumbres sobre el festival fue si los grupos musicales estarían realmente de acuerdo en participar. Muchas bandas inicialmente se negaron a tocar o exigieron tarifas elevadas, e incluso después de que comenzó el festival hubo agujeros y signos de interrogación en el programa de tres días. Los problemas de programación se vieron exacerbados por los atascos de tráfico de cincuenta millas que hicieron necesario que todas las bandas entraran y salieran en helicóptero. En última instancia, la mayoría de los invitados tocaron y representaron una sección representativa notable de la contracultura musical de finales de la década de 1960. En el primer día, los artistas folk y acústicos se destacaron en un set que incluía a Richie Havens, Country Joe McDonald, John Sebastian, Sweetwater, The Incredible String Band, Bert Sommer, Tim Hardin, Ravi Shankar, Melanie, Arlo Guthrie y Joan. Báez, así como una conferencia espiritual de Swami Satchidananda. El segundo día destacó el rock psicodélico, duro y blues, con Quill, Keef Hartley, Santana, Canned Heat, Mountain, Creedence Clearwater Revival, The Grateful Dead, Janis Joplin, Sly Stone, The Who y Jefferson Airplane. La alineación para el tercer día fue aún más ecléctica, con Joe Cocker, Country Joe and the Fish, Alvin Lee, la banda, Blood Sweat & Tears, Johnny Winter, Paul Butterfi eld, Crosby Stills Nash & Young y Sha Na Na. Jimi Hendrix recibió la posición suprema de cerrar el Festival; pero para esa hora, a las 8:30 a.m. del lunes por la mañana, la mayoría de los fanáticos ya se habían ido para el largo viaje a casa. El lanzamiento de un documental cinematográfico en 1970 y un LP de dos álbumes en 1971 ayudó a transformar Woodstock de una experiencia de vuelo en un documento clásico de la cultura de finales de los sesenta. Si bien carecen de las tribulaciones y epifanías envolventes de esos tres días, el documental y el álbum brindan un relato vívido de la música, que todavía suena fresca hoy. Y algunas de las actuaciones, en particular la interpretación de Jimi Hendrix de "Star Spangled Banner", que pasó relativamente desapercibida en ese momento, ahora se cuentan entre las mejores del rock de los sesenta.
PELÍCULA LIVE PERFORMANCE: JIMI HENDRIX EN WOODSTOCK
A medida que el rock se orientaba hacia representaciones más ambiciosas y prolongadas a fines de la década de 1960, las películas documentales proporcionaron un foro apropiado para exhibir representaciones visuales. Entre los documentales de rock más importantes de esta época se encuentra Woodstock, una película estrenada en 1970 que representa el famoso festival de agosto de 1969 en el norte del estado de Nueva York. De las muchas representaciones icónicas asociadas con Woodstock, quizás la más famosa sea la de Jimi Hendrix, que tuvo lugar al final del festival y que también sirve como final de la película. Actuando el lunes por la mañana después de que gran parte de la multitud se haya dispersado, Hendrix dirigió un grupo improvisado llamado Gypsy Suns and Rainbows. Gran parte del metraje se centra en la actuación de Hendrix sin acompañamiento. (También se han lanzado interpretaciones completas del segmento de Hendrix independientemente de la película más grande). La aparición de Hendrix en el "montaje del director" comienza con una interpretación de "Voodoo Chile (A Slight Return)", que da paso a su famosa interpretación de " The Star-Spangled Banner ", y luego pasa a" Purple Haze ". En algunos casos, Hendrix se muestra como un virtuoso de la guitarra, realizando trucos como colocar su mano derecha sobre las cuerdas o tocar el instrumento con los dientes (1 y 2). Sin embargo, hay muchos casos en los que el sonido de la película incluye actuaciones de guitarra apasionantes, mientras que el video se centra únicamente en Hendrix como persona, destacando sus movimientos corporales y expresiones faciales (3). Esto es especialmente evidente durante la interpretación de "The StarSpangled Banner", cuando el rosa, blanco y turquesa del traje de Hendrix forman una correlación interesante con el rojo, blanco y azul de la bandera estadounidense. Sin embargo, en el contexto de la película, la actuación de Hendrix se utiliza para señalar las secuelas del festival de tres días, mostrando varios esfuerzos para limpiar el desorden de más de medio millón de hippies que acampan en las tierras de cultivo empapadas de barro (4). . Como más de la mitad de la multitud se había ido antes de esta actuación, el metraje de vídeo es un registro importante de la parte histórica de Hendrix en este programa que muestra la creciente importancia de los documentales en la recepción del rock durante la década de 1970.
Monterey Pop fue filmado por D. A. Pennebaker, y el lanzamiento de la película Monterey Pop en diciembre de 1968 (así como un álbum no muy representativo) aumentó aún más la importancia del festival.
Buen viaje, mal viaje: Woodstock y Altamont.
Si Monterey marcó el comienzo de la era de los grandes festivales de rock al aire libre, Woodstock fue su apogeo. Celebrada en una gran parcela de tierra de cultivo en Bethel, Nueva York, del 15 al 17 de agosto de 1969, la El Festival de Música y Arte de Woodstock atrajo al menos a 400.000 hippies. Las carreteras en el norte del estado de Nueva York estaban tan inesperadamente abarrotadas que muchas tuvieron que cerrarse para evitar un estancamiento regional a gran escala. Los boletos se habían puesto a la venta con anticipación, pero la mayoría de los fanáticos acudieron al evento esperando ingresar gratis. Las escasas fuerzas de seguridad se vieron abrumadas, todo con el espíritu del compañerismo hippie, y la mayoría de las personas terminaron en el evento sin pagar. Además, las fuertes lluvias detuvieron el espectáculo y crearon condiciones de barro y otros problemas. A pesar de estos contratiempos económicos y logísticos potencialmente devastadores, el evento fue tremendamente exitoso, convirtiendo el lema del festival, "Tres días de paz y música", en un ideal que representaba el poder y la influencia de la contracultura hippie. Actuaron muchas bandas estadounidenses y británicas importantes (The Grateful Dead, Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Janis Joplin, The Who), mientras que Santana; Crosby, Stills y Nash; Joe Cocker; y Sly and the Family Stone presentaron efectivamente estos actos a una audiencia mucho más amplia. El estreno en 1970 de la película documental de Michael Wadleigh, Woodstock, y un álbum en vivo de varios discos ayudaron a que el evento fuera un éxito financiero y, como la película y el álbum de Monterey, contribuyeron a la importancia del evento. Después de reuniones a gran escala en Monterey y Woodstock, la era terminó simbólicamente el 6 de diciembre de 1969 con un festival organizado por los Rolling Stones en el Altamont Speedway en Livermore, California. El plan original era que Grateful Dead llevaría a los Stones al Golden Gate Park de San Francisco para un espectáculo sorpresa gratuito para los fieles hippies. Los Stones vieron el espectáculo como una forma de agradecer a los fans leales y anunciaron el concierto en una conferencia de prensa unos días antes. Los planes originales se cancelaron cuando los funcionarios de la ciudad de San Francisco se enteraron del evento, pero un lugar estaba ubicado fuera de la ciudad en un antiguo hipódromo. Dos decisiones parecen haber llevado al desastre que siguió: los Stones emplearon a una banda de motociclistas, los Hells Angels, para brindar seguridad; y esperaron hasta el anochecer para comenzar su parte del espectáculo, dejando un lugar abierto en el día programa que dejó a los asistentes al concierto sin nada que hacer. Los Stones esperaron hasta el anochecer porque habían planeado un espectáculo de luces y estaban filmando una película, que luego se estrenó como Gimme Shelter en 1970. Los Hells Angels estaban sin algunos de sus miembros mayores, y algunas confrontaciones se salieron de control, con fans golpeados si se acercaban demasiado al escenario (Marty Balin de Jefferson Airplane quedó inconsciente en un momento). Cuando Meridith Hunter, una fan negra de dieciocho años, sacó con un arma en la parte delantera del escenario, la mataron a golpes; los hechos fueron capturados en una película y tuvieron lugar frente a los ojos de la banda mientras intentaban actuar. Desde entonces, muchos escritores han señalado que la organización a veces desordenada de estos eventos significaba que era solo cuestión de tiempo antes de que sucediera algo trágico. Sin embargo, el asesinato de Hunter ha hecho que muchos vean a Altamont como el evento que marcó el final de la era hippie.
Festivales en el Reino Unido y Europa.
Así como Monterey se había expandido en eventos de
Family Dog y reuniones al aire libre como Human Be-In, también lo hizo el
Festival de Niños de las Flores de agosto de 1967 en Woburn Abbey expandiendo el
Sueño Tecnicolor de 14 horas para los hippies británicos. Este evento al aire
libre de tres días incluyó actuaciones de Jimi Hendrix, Tomorrow, Jeff Beck
Group y Small Faces, entre otros. (La duquesa de Bedford asistió, creyendo
erróneamente que sería un espectáculo de flores.) Los actos de rock también
aparecieron en el cartel del Festival Nacional de Jazz y Blues, un evento anual
que había comenzado en 1961. En agosto de 1967 el festival se llevó a cabo en
Windsor e incluyó a Cream, Tomorrow, Donovan y el mundo loco de Arthur Brown.
Siguieron otros conciertos a gran escala en Francia, Italia y Suiza. Los
festivales británicos posteriores más importantes se celebraron en el Hyde Park
de Londres en julio de 1969 (organizado por los Rolling Stones en honor al
recientemente fallecido Brian Jones), y el Festival de la Isla de Wight en
agosto de 1970. Los festivales de la Isla de Wight comenzaron en 1968, cuando
unas 10.000 personas disfrutaron de una factura de un día que incluía el mundo
loco de Arthur Brown y Jefferson Airplane. El festival de 1969 fue una empresa
mucho más ambiciosa: se amplió a dos días e incluyó a Bob Dylan y The Band en
una lista junto con The Who, The Moody Blues y The Nice, y atrajo a unos
150.000 asistentes. Las estimaciones conservadoras sitúan la asistencia al
enorme Festival de la Isla de Wight de 1970 en 500.000, y este festival sigue
siendo uno de los más grandes que se hayan celebrado en Gran Bretaña. El
programa incluyó una mezcla de artistas consagrados y actos emergentes que se
harían famosos en los años siguientes. A The Doors, Donovan y Jimi Hendrix (en
su última actuación pública) se unieron Emerson, Lake & Palmer, Jethro Tull
y Chicago
La fracturación de la audiencia de radio estadounidense:
AM versus FM.
La música psicodélica
nunca tuvo la intención de atraer a los adolescentes o preadolescentes. Como
folk, era música dirigida a oyentes en edad universitaria. Con el desarrollo de
la radio FM de formato libre en 1967 y su expansión a los mercados de radio en
todo el país, comenzó a desarrollarse una distinción importante entre el pop AM
orientado a un solo y el rock FM orientado a los álbumes: los oyentes más
jóvenes tendían hacia el dial AM mientras que hermanos escuchaban FM. A finales
de la década, el formato de forma libre se estaba volviendo algo más organizado
y, a mediados de la década de 1970, las crecientes limitaciones del formato de
rock orientado a álbumes (AOR) provocaron un gran debate dentro de la comunidad
del rock. Sin embargo, a fines de la década de 1960, era posible sintonizar una
estación de AM y escuchar a los Monkees, la Quinta Dimensión, la Asociación y
muchos otros artistas orientados al éxito, mientras que el dial FM podía
reproducir pistas más largas de álbumes de grupos que no lo hacían. han golpeado
sencillos. Hubo algunos cruces: "Light My Fire" de The Doors se trazó
como un sencillo pop, por ejemplo, en una versión editada que eliminó gran
parte de los solos instrumentales de la sección central. Esta separación por
grupos de edad dentro del mercado del rock presagió la fragmentación aún mayor
de ese mercado en la década de 1970, incluso entre las estaciones de rock FM.
Como veremos más adelante, la música rock en la década de 1970 tomó la era
psicodélica como punto de partida, tomando características musicales que
coexistían dentro de la psicodelia y separándolas para un mayor desarrollo.
LECTURAS RECOMENDADAS:
Nick Bromell, Tomorrow Never Knows: Rock and Psychedelics in the 1960s (University of Chicago Press, 2002).
Ray Coleman, Clapton! An Authorized Biography (Pan Books, 1995).
Jim DeRogatis, Kaleidoscope Eyes: Psychedelic Rock from the ’60s to the ’90s (Citadel
Press, 1996).
James Henke and Parke Puterbaugh, eds., I Want to Take You Higher: The Psychedelic
Era 1965–1969 (Chronicle Books, 1997).
Michael Hicks, Sixties Rock: Garage, Psychedelic, and Other Satisfactions (University
of Illinois Press, 2000).
Jerry Hopkins and Daniel Sugerman, No One Here Gets Out Alive (Grand Central
Publishing, 2006).
Timothy Leary, Ralph Metzner, and Richard Alpert, The Psychedelic Experience: A
Manual Based on the Tibetan Book of the Dead [1964] (Citadel Press, 2000).
Ray Manzarek, Light My Fire: My Life with the Doors (Century, 1998).
John McDermott with Eddie Kramer, Hendrix: Setting the Record Straight (Warner
Books, 1992).
Gene Sculatti and Davin Seay, San Francisco Nights: The Psychedelic Music Trip,
1965–68 (St. Martin’s Press, 1985).
Joel Selvin, Summer of Love: The Inside Story of LSD, Rock and Roll, Free Love, and
High Times in the Wild West (Cooper Square Press, 1999).
Grace Slick with Andrea Cagan, Somebody to Love? A Rock-and-Roll Memoir (Warner
Books, 1998).
Derek Taylor, It Was Twenty Years Ago Today (Simon and Schuster, 1987).
Chris Welch with Steve Winwood, Steve Winwood: Roll with It (Perigee, 1990).
Tom Wolfe, The Electric Kool-Aid Acid Test (Picador, 2008).
