Sin ironía, solo un amor
saludable por los estilos anteriores.
Durante los primeros años del new wave a
finales de la década de 1970, el hecho de que una banda o un artista hiciera
uso de características asociadas con el rock pre-hippie fue suficiente para
incluirlas bajo la bandera general de "nueva simplicidad". El rechazo
de los valores hippies —aunque sólo en la superficie en algunos casos— fue una
característica tan predominante que tendió a eclipsar diferencias importantes
dentro del primer grupo de nuevas bandas . Pero a medida que comenzó la
década de 1980 y el hippie rock comenzó a retroceder en la historia, se hizo
cada vez más claro que había dos enfoques distintos para apropiarse de estilos
y características de la música rock anterior. La primera fue emplear estos
sonidos e imágenes de una manera irónica, no Tanto respaldar el rock anterior
como rechazar el rock corporativo de la década de 1970, Devo ofrece el ejemplo
más claro de esta tendencia. Un segundo enfoque consistió en emplear esos
sonidos e imágenes en serio. Es decir, las bandas utilizaron elementos de la
música rock anterior porque estaban genuinamente interesadas en volver a
visitar estilos más antiguos. Estas bandas y artistas no estaban explotando la
música anterior para crear un pastiche, sino que eran "nuevos
tradicionalistas" preocupados por devolver el rock a lo que consideraban
sus valores estéticos fundamentales.
No retrocederé: Tom Petty, con y sin Heartbreakers.
Recibido inicialmente en el contexto de la nueva ola, a principios de la década
de 1980 Tom Petty se alineó más estrechamente con el enfoque del nuevo
tradicionalismo. Irónicamente, la música de Petty siempre tuvo una fuerte
conexión con la década de 1960, y no cambió su estilo durante las décadas de
1970 y 1980. No había llegado tanto a la nueva ola como a él. Sin embargo,
cuando comenzó la década de 1980, Petty and the Heartbreakers continuaron con
su exitosa práctica de mezclar sonidos de guitarra con melodías pegadizas y
letras poéticas. Hard Promises
(1981) contenía el favorito de la radio "The Waiting"
,
mientras que Southern Accents (1985) incluía "Don’t Come Around Here
No More"
. La música de Petty había tendido a gozar de más
éxito en los Estados Unidos que en Inglaterra, aunque su primer álbum en
solitario, Full Moon Fever ( 1989), superó el Top 10 del Reino Unido y
produjo los éxitos "Free Fallin '" y “No retrocederé”
en
los Estados Unidos. Su posición como guardián de la película del rock and roll
se solidificó aún más con la formación de los Travelling Wilburys en 1988,
liderados por el ex Beatle George Harrison e incluyendo a Petty, Bob Dylan, Roy
Orbison y el líder de la Electric Light Orchestra Jeff Lynne. . Esta banda de
estrellas lanzó Travelling Wilburys Volume 1 (1988), que contiene el
sencillo “Handle with Care”
. Mostrando un sentido del humor al estilo de
los Beatles —en sí mismo un retroceso a esos días de gente sin preocupaciones—
la banda nombró a su segundo álbum Travelling Wilburys Volume 3 ( 1990).
Nostalgia de Nueva Jersey: Bruce Springsteen y la E-Street Band.
A
diferencia de Tom Petty, Bruce Springsteen nunca fue incluido entre los nuevos
titubeantes de la década de 1970. Las canciones y la moda de Springsteen lo
colocaron en la categoría de un cantautor colorido con sede en Nueva Jersey que
se inspiró seriamente en las antiguas tradiciones del rock. La densa, casi
sinfónica instrumentación de su tercer álbum con la E-Street Band, Born to Run
( 1975), mostró más que un indicio de la influencia de Phil Spector y
su éxito marcó a Springsteen como un fuerza importante para la voz de los
tradicionalistas del rock. Sin embargo, el mayor éxito de Springsteen vendría
en la década de 1980, comenzando con su quinto álbum, The River ( 1980),
con el éxito "Hungry Heart"
, y continuando con el Nebraska más
introspectivo y sencillo ( 1982). El lanzamiento histórico de
Springsteen fue Born in the U.S.A. de 1984, que encabezó las listas de éxitos
tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña y produjo seis éxitos
estadounidenses Top 10, incluidos "Glory Days"
y "Born
in the U.S.A."
. El set en caja Live 1977-1985 (1986) fue
lanzado en el apogeo de la popularidad de Springsteen a mediados de la década
de 1980, presentando a sus muchos nuevos fanáticos su material más antiguo y
provocando renovadas ventas y reproducción de radio para su música de la década
de 1970. Springsteen siguió con Tunnel of Love ( 1987) y el lanzamiento
simultáneo de dos álbumes en 1992: Human Touch y Lucky Town La imagen de Springsteen se basaba en la idea de que él era la voz de ese tipo
de clase trabajadora promedio, y sus letras reflejaban problemas emocionales y
sociales comunes. “Born in the U.S.A.”, por ejemplo, pinta una imagen vívida de
la decadencia de los valores estadounidenses en el corazón industrial, todo
visto desde la perspectiva de alguien que es impotente para efectuar cambios. (En
un extraño giro de los acontecimientos, la campaña presidencial de Ronald
Reagan se apropió por error de "Born in the USA" como un himno a los
valores tradicionales y el orgullo estadounidense, hasta que Springsteen
finalmente les pidió que dejaran de usar la canción). La forma de la canción
parece simple: Emplea la misma progresión de 8 compases y melodía de 2
compases, los cuales se repiten sin descanso. Pero formalmente, la canción
amenaza con perderse en el medio, cuando los versos se interrumpen, incompletos.
La repetición constante de la música, combinada con el vagabundeo formal de la
sección media de la canción, crea la sensación de que el veterano de Vietnam en
la letra no está seguro de qué camino tomar. A lo largo de gran parte de su
carrera, Springsteen ha proyectado una imagen que recuerda al rock blanco de
finales de la década de 1950 o principios de la de 1960.
Guardianes de la ola:
. Los primeros cinco álbumes de la banda
hicieron buenas canciones
incluido War ( 1983)
y The
Unforgettable Fire ( 1984). Con The Joshua Tree de 1987 (1987),
sin embargo, U2 comenzó una serie de álbumes de enorme éxito que continúa hasta
el día de hoy. Las
letras del cantante principal Bono a menudo buscan una calidad poética,
mientras que el guitarrista principal, las capas de Edge, suenan detrás de la
voz de Bono para crear una rica textura de acompañamiento. La banda a menudo
componía sus canciones improvisando en el estudio, y luego dejaba que
productores como Brian Eno y Daniel Lanois recopilaran y reunieran el material
más atractivo. "Pride (In the Name of Love)" ilustra algunas de las
características musicales de la música de U2 de mediados de la década. The Edge
toca figuras de notas repetidas en la guitarra, empapadas de eco, que
proporcionan una de las firmas sonoras más reconocibles de la banda. Durante
los versos, Bono ofrece relatos de personas que han dado su vida en nombre del
amor, incluido el Dr. Martin Luther King, Jr., mientras que sus lamentos en el
coro subraya la pasión de la causa por la que dieron sus vidas. U2 se ha
mantenido como una banda importante hasta el día de hoy, con una serie de
álbumes exitosos y giras agotadas, mientras que Bono se ha convertido en un
firme defensor de los problemas humanitarios.
Soul de ojos azules, estilo de los 80:
Hall and Oates,
Una variedad de tradicionalismo surgió en la
década de 1980 entre los artistas blancos que estaban fuertemente influenciados
por los estilos pop negros de la década de 1960. Daryl Hall y John Oates
probablemente pueden reclamar las conexiones más directas con el rhythm and
blues de finales de los 60 y principios de los 70, ya que Hall creció en
Filadelfia y había trabajado con Leon Huff, Kenny Gamble y Thom Bell. El canto
empapado de alma de Hall y Oates alimentó sus primeros éxitos estadounidenses,
"Sara Smile" ( 1976) y "Rich Girl" (1977)
, y se
convirtió en un sonido más convencional con el lanzamiento de Private Eyes. Los
El álbum subió al número cinco en las listas de Estados Unidos en 1981 y contenía dos éxitos número uno, "Private Eyes" y "I Can’t
Go for That". Hall y Oates lanzaron más tarde Big Bam Boom ( 1984), que contó con otro éxito número uno, "Out of Touch"
, y
estableció al dúo como el acto de soul estadounidense de ojos azules más
importante de principios de la década de 1980.
La década de los 80 comenzó con la
derrota del presidente en funciones Jimmy Carter y la elección de Ronald
Reagan, un actor de Hollywood convertido en político. La presidencia de Reagan
marcó una nueva actitud conservadora en gran parte del país y en la cultura
popular. En sus discursos y comentarios públicos, Reagan evocó imágenes del
pasado idílico de Estados Unidos, y su estilo amable y "abuelo" ayudó
a muchos a recuperar la confianza en el gobierno después de Watergate y la
crisis de los rehenes en Irán. La política económica de Reagan fue impulsada
por la "economía del lado de la oferta": impuestos más bajos para los
estadounidenses ricos que, posiblemente, inspirarían a todos a trabajar más
duro (porque mantendrían más ingresos). Su política exterior abarcó la
construcción de fuerzas militares y sistemas de armas estadounidenses. Reagan
creía que una carrera armamentista paralizaría a la Unión Soviética (a la que
se refirió como el "imperio del mal"), cuya economía no podía
permitirse seguir el ritmo de los avances estadounidenses. Sin embargo, en
medio de esta acumulación de Guerra Fría, Mikhail Gorbachev se convirtió en
líder del Partido Comunista en 1985, defendiendo políticas de glasnost
(apertura) y perestroika (reestructuración del gobierno soviético según las
líneas occidentales). Los historiadores difieren sobre a quién se le atribuye
el mérito, pero en noviembre de 1989 (casi un año después de que Reagan dejara
el cargo), el Muro de Berlín, símbolo de la división entre la Unión Soviética y
las potencias occidentales, cayó, señalando el fin de la. guerra que había
durado casi medio siglo. Para 1991, la Unión Soviética se había desintegrado y
Estados Unidos emergió como la principal superpotencia del mundo. La década de
1980 también marcó el surgimiento y el crecimiento de la epidemia de SIDA, con
más de 150,000 casos diagnosticados y más de 90,000 muertes relacionadas con el
SIDA reportadas en los Estados Unidos entre 1981 y 1989. * El SIDA se hizo más
visible públicamente por la estrella de cine Rock Hudson, quien murió a causa
de la enfermedad en 1985. Hudson había sido un protagonista de comedias
románticas durante años, y su homosexualidad fue una sorpresa para muchos de
sus fanáticos. A pesar del sensacionalismo que siguió a la revelación de la
sexualidad de Hudson, muchos estadounidenses aprendieron sobre el SIDA por
primera vez, lo que llevó a una mayor conciencia de la enfermedad y su
gravedad. En 1991, el líder de Queen, Freddie Mercury, sucumbió a la
enfermedad, lo que aumentó aún más la conciencia del mundo de la música sobre
el SIDA. La economía estadounidense creció de muchas maneras durante la década
de 1980, pero ningún sector avanzó de manera tan impresionante y pública como
la alta tecnología. El programa espacial había proporcionado muchos beneficios
y tecnologías derivados, y el desarrollo de tecnologías cada vez más pequeñas Las
computadoras más potentes hicieron posible que las computadoras domésticas
fueran útiles y asequibles para la mayoría de los estadounidenses. Las primeras
computadoras Apple de mediados de la década de 1970 se fabricaron a partir de
kits. Sin embargo, a principios de la década de 1980, Steve Jobs y Steve
Wozniak comercializaban una unidad doméstica más refinada, mientras que los
fundadores de Microsoft, Bill Gates y Paul Allen, ofrecían el sistema operativo
MS-DOS para IBM PC. En 1984, un comercial ahora famoso durante el Super Bowl
anunció la llegada de la computadora Macintosh, y en 1985, la primera versión
de Windows estaba disponible para PC. Estos años también marcaron el inicio del
uso de Internet por parte del público en general; CompuServe ofreció correo
electrónico doméstico en 1979 y chat en tiempo real en 1980, y el número de
usuarios aumentó a lo largo de la década, aunque la verdadera explosión de
Internet no se produciría hasta la década de 1990. Si bien muchos se
beneficiaron de las tecnologías desarrolladas por la NASA, la agencia espacial
también experimentó uno de sus mayores desastres en 1986. El transbordador
espacial Challenger explotó minutos después de despegar, matando a todos los
astronautas a bordo, incluida Christa McAuliffe. McAuliffe era un maestro de
secundaria que estaba haciendo el viaje para traer aspectos del espacio
profesional. gram en un contacto más directo con los escolares. Otra tecnología
que experimentó un crecimiento espectacular durante la década fue la televisión
por cable. A mediados de la década, muchos hogares estadounidenses estaban
conectados para recibir películas, noticias y deportes premium de canales como
HBO, CNN y ESPN. Más importante para la historia de la música rock, se lanzó
MTV, creando competencia para la radio FM, que había sido la forma central de
exponer la música a un gran número de oyentes. Y así como se vio obligada a
compartir su audiencia con MTV, FM también estaba perdiendo patrocinadores ante
un nuevo tipo de radio que estaba surgiendo en la banda AM: la radio hablada.
Aprovechando la negligencia en la que habían caído muchas estaciones de AM, las
emisoras emprendedoras como Rush Limbaugh comenzaron a ofrecer horas de
comentarios políticos y culturales diarios, a veces desde la izquierda del
espectro político, pero con mayor frecuencia desde la derecha. Pronto Limbaugh
y otros construyeron redes de sindicación, reinventando en cierto sentido las
cadenas de radio de los años 30 y 40, ya que millones de oyentes escucharon la
misma programación en todo el mundo. el país (aunque National Public Radio
también había estado haciendo lo mismo en la banda de FM durante años). La
televisión reflejaba la renovada fascinación de Estados Unidos por el dinero y
el poder. Quizás ningún programa capturó esto más vívidamente que Dallas, que
debutó en 1978 y se centró en una rica familia petrolera de Texas dirigida por
el cambiante J. R. Ewing. Los espectadores quedaron atrapados en el final de
suspenso de la segunda temporada del programa, y durante el verano de 1980 la
frase "¿Quién disparó a J. R.?" saturó los medios. Family Ties
también reflejó esta nueva tendencia conservadora, con una pareja liberal de
mediana edad bromeando con su hijo conservador y astuto desde el punto de vista
financiero, Alex. Si Family Ties subrayó los cambios que están ocurriendo en la
clase media blanca, The Cosby Show reforzó los cambios que ocurren en la
comunidad negra. Los personajes principales del programa, Cliff y Clair
Huxtable, eran ambos profesionales (él era médico, ella era abogada), y la
comedia giraba en torno a los problemas familiares que surgían entre ellos y
sus varios hijos en edad escolar, pero nunca sobre cuestiones raciales ( a
diferencia de The Jeffersons en la década de 1970, por ejemplo). Los Huxtable
vivían en una bonita casa en una parte deseable de la ciudad, y su posición
marcadamente de clase media alta enfatizó el ascenso y la visibilidad de la
clase media negra durante la década. Sin embargo, los valores de la clase media
recibieron un tratamiento completamente diferente cuando Los Simpson debutaron
en 1989. Esta comedia animada en horario de máxima audiencia satirizó
irreverentemente casi todas las dimensiones de la vida estadounidense; Sin
jugar a favoritos políticos y tirando pocos golpes, estableció el modelo para
muchas series animadas en la década de 1990. A medida que los hippies se
hicieron mayores, la transformación cultural general de la clase media de los
soñadores idealistas de la década de 1970 a los yuppies (jóvenes profesionales
urbanos) bien equipados de la década de 1980 creó una crisis cultural para
algunos. Esta preocupación por la identidad y la autenticidad se captura de
manera efectiva en The Big Chill. En esta película de 1983, ambientada al ritmo
del rock y soul de finales de los sesenta, un grupo de treintañeros amigos
universitarios se reúne para el funeral de un amigo. Mientras están allí, cada
uno asimila los cambios que han ocurrido en sus vidas a lo largo de los años.
En medio del éxito que han logrado algunos de estos amigos, el espectador
siente que han perdido el contacto con las cosas que originalmente los
inspiraron y motivaron. La idea de venderse surge de manera mucho más obvia y
contundente en la película de Oliver Stone, Wall Street, de 1987. Stone se
propuso capturar la despiadada lujuria por el dinero y el poder que, en su
opinión, caracterizaba a los profesionales del mercado de valores. Epitomizada
por la frase “la codicia es buena”, la película brindó un vistazo al lado
oscuro de los años de Reagan e ilustró cómo la conservadora década de 1980 era
vista por aquellos con sensibilidad de 1960. Para la generación que alcanzó la
mayoría de edad en la década de 1980, películas orientadas a la juventud como
The Breakfast Club y St. Elmo's Fire lidiaron con los problemas sociales de la
vida de los adultos jóvenes y ayudaron a definir nuevas actitudes culturales
libres del bagaje de las décadas de 1960 y 1970. Ideologías de los setenta.
Asimismo, aunque la música rock se benefició de la riqueza y la tecnología de
la época, todavía mostraba a menudo la postura crítica de las décadas de 1960 y
1970. Las estrellas del pop hipermercado compitieron con músicos que criticaban
la creciente división entre ricos y pobres, y las continuas brechas entre
negros y blancos, heterosexuales y homosexuales, hombres y mujeres.
QUIERO MI MTV
A finales de la década de 1970, el rock se vio cada vez más
influenciado por la idea del gran álbum, y el disco y el punk desafiaron el
status quo del rock. Aunque parecía que estos dos estilos eclipsarían el rock
convencional durante la década de 1980, ni el punk ni el disco se volvieron
importantes en la corriente principal de la música pop de la década de 1980. A
principios de la década, el punk se retiró a una escena underground,
reemplazado en el centro de atención por la nueva ola, que rápidamente se
mezcló con las listas de reproducción de la radio de rock convencional. Después
de recordar a los músicos que la música no era solo para escuchar, sino también
para bailar, la locura por la música disco terminó casi tan rápido como había
comenzado. Aunque el punk y el disco cayeron en desgracia, los legados
musicales y culturales de ambos estilos continuaron en la década de 1980. Se
esperaban grandes cambios para la música rock durante la década de 1980. Music
Television (MTV) comenzó a desafiar a la radio como el medio más importante
para la música popular, y el heavy metal y el rap emergieron del underground a
fines de la década. El auge de MTV condujo al surgimiento de muchos actos
orientados visualmente durante la década de 1980, y la música dance
eventualmente formó el núcleo de la programación temprana de MTV. La década
también vio el desarrollo continuo del rock convencional y la nueva ola, y el
punk impulsó el desarrollo del hardcore y el indie rock.
MTV ESTÁ AL AIRE
Las raíces de MTV en video promocional.
A
pesar de que los músicos de rock habían utilizado películas cortas y
representaciones en video para promover su música durante décadas, la idea de
una estación de televisión dedicada únicamente a videos promocionales no fue
del todo factible hasta la década de 1980. De hecho, incluso a principios de la
década de 1980, la idea les parecía extraña a muchas emisoras. Más que una
iniciativa de la industria musical, la aparición de MTV estuvo estrechamente
alineada con el desarrollo de la televisión por cable. Inicialmente, el cable
se consideró necesario en áreas donde la transmisión de antena no era
satisfactoria. Como cualquier industria,
la televisión por cable buscó formas de expandirse durante la década de 1980,
incluso en áreas donde la transmisión por aire era perfectamente viable. Para
desarrollar nuevos mercados, el cable tenía que ofrecer algo que las cadenas y
las estaciones locales no podían ofrecer, y al principio la atención se centró
en películas recientes transmitidas sin interrupciones comerciales. Debido a
que no había comerciales, los clientes debían pagar por el servicio. Pronto,
los canales de cable como Home Box Offi ce (HBO) tuvieron bastante éxito y los
proveedores de cable buscaron más canales especializados para agregar a su
lista. Se diseñaron canales dedicados a deportes, noticias y clima para
reforzar los paquetes de cable. MTV se convirtió en el canal de cable que se
centró en la música. La música rock no era un recién llegado a la televisión estadounidense
a principios de la década de 1980. Volviendo a American Bandstand a finales de
la década de 1950, los adolescentes habían demostrado que sintonizarían
felizmente para escuchar música nueva y ver actuaciones (a menudo sincronizadas
con los labios). La pregunta para las personas que desarrollaron MTV no era si
los adolescentes sintonizarían, sino si verían la televisión musical durante
todo el día en un canal especializado. En los primeros días de planificación de
MTV, se propusieron dos modelos. El primero fue mostrar nada más que videos
promocionales proporcionados por las compañías discográficas a su cargo. Los
críticos de este enfoque señalaron que convertiría a MTV en nada más que un
mecanismo publicitario para sellos discográficos. Esta facción crítica,
liderada por el ex guitarrista de Monkees Michael Nesmith, presionó por un
enfoque más artístico. Argumentaron que los videos deberían ser experimentales
e innovadores, no simplemente comerciales. Vieron un gran potencial en los
videos musicales para expandir la gama artística de la música pop al unir el
cine y la música en una relación simbiótica. Al final, se utilizó el modelo
corporativo y pasarían varios años antes de que los artistas exploraran los
aspectos más creativos de los videos musicales. El 1 de agosto 1981, MTV salió
al aire con "Video Killed the Radio Star" de Buggles,
que siguió la
tradición de los videos promocionales de la década de 1960.
En el aire, pero
¿quién está mirando?
MTV enfrentó enormes desafíos en sus primeros días, el
primero de los cuales fue tener suficientes videos para llenar las horas de
transmisión. Los videos habían ido ganando importancia en Australia, Nueva
Zelanda y el Reino Unido, por lo que muchos grupos populares en estas regiones
tenían material que ofrecer. En los Estados Unidos, también habían aparecido
videos en programas como Saturday Night Live y Video Concert Hall (en la red
estadounidense). Sin embargo, MTV necesitaba material para completar el ciclo
de un día entero. Inicialmente, las compañías discográficas no estaban del todo
convencidas de que invertir dinero en videos musicales redundaría en ventas
adicionales, y muchos de los primeros videos musicales se grabaron con
presupuestos reducidos. Una de las razones de las reservas de las compañías
discográficas fue que la televisión por cable no estaba ampliamente disponible
en Estados Unidos en la primera mitad de los años ochenta. Sin embargo, a
medida que los televidentes se enteraron de los beneficios del cable, más y más
comunidades agregaron el servicio y, al final de la década, era mucho más
accesible. Inicialmente, MTV tenía su mayor audiencia donde HBO y otros
servicios premium de películas por cable habían tenido éxito, principalmente en
el Medio Oeste. A diferencia de HBO, MTV sí vendió publicidad, por lo que sus
opciones de programación fueron impulsadas por este público objetivo del Medio
Oeste, que consistía principalmente en adolescentes blancos. Para atraer a
estos espectadores, MTV reprodujo videos de artistas de rock convencionales que,
con raras excepciones, también eran blancos. Sin embargo, a medida que se creó
más material nuevo a principios de la década de 1980, los estilos orientados a
la danza también se volvieron centrales en la alineación de MTV. Un desafío
importante a estos estereotipos se produjo a principios de 1983, con
"Billie Jean" de Michael Jackson.
Según algunos informes, MTV se negó
a reproducir el video de Jackson porque era negro (o porque creían que sus
espectadores blancos no querrían ver artistas negros). La leyenda en el negocio
de la música es que el sello de Jackson, Epic, amenazó con sacar a todos sus
artistas de MTV si el video no se transmitía, aunque esta historia ha sido
cuestionada. El video de Jackson se reprodujo por primera vez en MTV en marzo
de 1983, y el enorme éxito de "Billie Jean" aumentó enormemente la
popularidad de la cadena. En poco tiempo, las compañías discográficas
consideraron que los videos musicales eran herramientas promocionales cruciales
para sus artistas, y MTV comenzó a competir con la radio FM como el lugar para
hacer o romper récords de éxito. Con la lucha por representar a artistas no
blancos junto con la creciente importancia de los videos musicales, a fines de
la década de 1980 MTV se convirtió en una fuente de controversia en la
comunidad del rock. Claramente, los videos musicales privilegiaban las
características visuales sobre las musicales, y la apariencia de un artista se
volvió primordial. Por lo tanto, MTV proporcionó la plataforma perfecta para
los artistas que usaban la dimensión visual como una parte importante de su
acto, mientras que a veces descuidaban a aquellos que no eran jóvenes,
elegantes o físicamente atractivos. Para artistas como Michael Jackson y
Madonna, que aprovecharon al máximo este nuevo conjunto de herramientas
artísticas y promocionales, MTV permitió una forma completamente nueva de
proyectar tanto la música como la imagen.
MÚSICA DE BAILE DE LA DÉCADA DE 1980
Video musical New Elite: Michael Jackson
Como se discutió en el
Capítulo 9, la carrera de Michael Jackson comenzó a principios de la década de
1970 en Motown con Jackson 5. Conocido por los éxitos del pop chicle, el grupo
recurrió cada vez más a música de baile con orientación disco a mediados de la
década de 1970, como la popular "Dancing Machine" (1974).
Jackson dejó el grupo y Motown en 1975, firmando con Epic Records como solista.
A medida que la música disco aumentó en popularidad a finales de la década de
1970, Jackson se asoció con el veterano productor Quincy Jones para grabar el
álbum Off the Wall ( 1979), que contenía cuatro éxitos del Top 10 del
pop. Jackson y Jones se unieron nuevamente para grabar Thriller ( 1982), que fue lanzado con enorme anticipación. Jackson estaba en el apogeo de
su fama, y la era de los videos musicales, que le sentaba perfectamente,
estaba en alza. Thriller contenía siete sencillos entre los diez primeros, que
incluían dos éxitos cruzados número uno, "Billie Jean" y "Beat
It". “The Girl Is Mine”, un dueto con Paul McCartney,
alcanzó el número
dos en las listas de éxitos. Hasta la fecha, Thriller es el álbum más vendido
en la historia del negocio de la música, con más de 100 millones de copias
vendidas. El siguiente álbum de Jackson, Bad (1987), continuó este éxito,
con cuatro canciones que alcanzaron el puesto número uno en las listas de pop y
rhythm and blues durante 1987 y 1988: "Bad", "The Way You Make
Me Feel
, "No puedo dejar de amarte" y "El hombre en el
espejo". A lo largo de esta increíble carrera en las listas, Jackson no
solo vendió decenas de millones de discos para Epic, sino que también ganó
numerosos premios. Podría decirse que fue la estrella más grande de la música
popular durante la década de 1980 y se ganó el título de Rey del Pop. La música
de Jackson en la década de 1980 casi siempre estuvo impulsada por un ritmo
fuerte, mostrando no solo sus raíces en el black pop de la década de 1970, sino
también su experiencia con la música disco. “Billie Jean” es representativa,
comenzando con un ritmo establecido en el bajo y la batería, que sirve como
base musical para la canción. La voz de Jackson proyecta una sensación de
urgencia emocional contenida durante los versos, y el coro proporciona el
gancho melódico más abierto y pegadizo. El famoso "ooo" de alta voz
de Jackson se puede escuchar esparcido por toda la pista, que presenta un
arreglo de Quincy Jones que se construye continuamente a medida que se
desarrolla la canción. Jackson fue el artista perfecto para aprovechar la era
del video emergente. Como intérprete, continuó la tradición de la coreografía
hábil ya veces atlética que los Temptations hicieron famosa, actualizada con su
guante plateado y el paso de baile patentado “Moonwalk”. Sus presentaciones en
video brindaron la oportunidad de mostrar su enorme habilidad para bailar,
haciendo que sus videos se destacaran a mediados de la década de 1980.
Infundiendo una energía creativa sin precedentes en sus producciones de video,
Jackson produjo videos musicales muy ambiciosos. El primero de ellos fue el
video extendido de doce minutos de "Thriller", dirigido por John
Landis de Hollywood y que emplea efectos especiales de última generación. La
popularidad de este video en MTV se vio reforzada por un documental de una hora
de duración titulado Making Michael Jackson's Thriller, que se emitió casi con
la misma frecuencia que el propio video. Aunque los discos de Jackson
posteriores a mediados de la década de 1970 ya no aparecían en Motown, continuó
la práctica de Berry Gordy de cruzar la línea entre el ritmo, el blues y el
pop. Dos de los principales éxitos de Thriller presentaban a músicos blancos
que eran bien conocidos por los fanáticos del rock en ese momento. El dueto con
Paul McCartney, "The Girl Is Mine", emparejó a Jackson con el Beatle
más visible públicamente, y el solo de guitarra de Eddie Van Halen en
"Beat It" trajo un ícono de la guitarra en ascenso a la escena.
Todo
esto era un asunto inteligente y ciertamente reflejaba los intereses musicales
de Jackson. Sin embargo, las prácticas cruzadas de Jackson provocaron la ira de
muchos críticos que lo acusaron de vender su negritud. Por supuesto, la
estrecha asociación de Jackson con Motown durante la primera mitad de la década
de 1970 lo convirtió en un objetivo especialmente atractivo. Jackson, sin embargo,
nunca se echó atrás en sus esfuerzos por cerrar las brechas que vio entre la
cultura blanca y negra, y continuó ampliando su rango musical hasta el final de
su carrera.
Poco después de su lanzamiento en 1982, Thriller de Michael Jackson se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos. Contenía varios éxitos importantes, incluidos "Billie Jean", "Beat It" y "Thriller". Jackson aprovechó al máximo MTV para ayudar a promover su talento como músico e intérprete. Sus videos innovadores se convirtieron en clásicos instantáneos. Jackson se asoció con el director de cine John Landis para hacer el video de "Thriller", una película corta que presenta a Jackson como un novio adorable que se convierte en un monstruo espantoso. A pesar de la estética de la película de monstruos, el video le dio a Jackson suficiente tiempo para mostrar su exquisito baile. Jackson fue uno de los primeros intérpretes de la era MTV en combinar con éxito la música de éxito con imágenes artísticas.
MOTOWN 25: CELEBRACIÓN, NOSTALGIA Y ACTUALIDAD por Andrew
Flory
El 16 de mayo de 1983, un especial de televisión de dos horas transmitido
por NBC titulado “Motown 25: Ayer, hoy y para siempre” que celebraba la música
y los logros históricos de Motown. Con una reputación de crear estrellas de
fama mundial, casi 700 singles en las listas de éxitos en su haber y una
historia de integración exitosa de artistas negros en la corriente principal,
había mucho que admirar en los logros de Motown durante su primer cuarto de
siglo. El programa ganador de un Emmy fue principalmente un tributo al fundador
de Motown, Berry Gordy, Jr., y fue producido al estilo de una entrega de
premios. Presentado por el comediante Richard Pryor, contó con actuaciones
musicales, bocetos de comedia y segmentos de danza coreografiados. El programa
dejó en claro que la compañía, ahora oficialmente llamada Motown Industries,
había cambiado drásticamente con el tiempo, pasando de ser una compañía
discográfica con sede en Detroit a una corporación de entretenimiento a gran
escala de Los Ángeles que conservaba poco del carácter, el sonido y el
personal. de sus primeros años. Las actuaciones más importantes del programa
fueron de ex artistas de Motown que habían dejado la compañía por los pastos más
verdes de las principales discográficas. Apenas unas semanas después de la cima
de "Sexual Healing", su primer éxito para Columbia, la actuación de
Marvin Gaye incluyó un monólogo sobre las contribuciones negras a la cultura
estadounidense (acompañado de su propio piano), seguido de su éxito de 1971
"What's Going On". " El final del programa incluyó una breve
reunión de las Supremes, posiblemente el grupo de Motown más popular de la
década de 1960, liderado por Diana Ross, quien había dejado Motown por RCA
Records dos años antes. En un agradecimiento agridulce a Gordy, Ross reconoció
las muchas deserciones del establo de Motown, asegurando a la audiencia:
"No se trata de las personas que dejan Motown lo que es importante, sino
de las personas que regresan, y esta noche todos volvieron". Uno de los
artistas más notables que regresó fue Michael Jackson, cuya aparición en
“Motown 25” sigue siendo legendaria en los anales de la música pop. En el
momento de la transmisión, su segundo álbum para Epic Records, Thriller, estaba
en medio de una carrera récord de un año en la cima de la lista de álbumes de
Billboard 200, y fácilmente era el artista más popular del mundo. Después de
una reunión de los Jackson 5, la anticipación de una canción de Jackson de la
era moderna fue increíble, extendiéndose mucho más allá de la audiencia del
estudio para incluir a los millones de televidentes. Thriller ya era un gran
éxito, pero esta era la primera oportunidad que tenían muchos de los fans de
Jackson de verlo interpretar este material en vivo. Caminó enérgicamente por el
escenario mientras recordaba los viejos tiempos con Motown y luego,
despojándose simbólicamente de su pasado juvenil, declaró su preferencia por
las "nuevas canciones" y se lanzó a su éxito actual, "Billie
Jean". No fue la interpretación vocal de esta canción que asombró a la
nación, ya que la transmisión de televisión presentó a Jackson sincronizando
los labios con su conocido disco. En cambio, la presentación física de Jackson
tomó el centro de atención. Con su característico guante blanco con lentejuelas
y calcetines plateados, su introducción fuertemente coreografiada comenzó con
varios movimientos de cadera muy estilizados. Mientras la audiencia gritaba,
los pies de Jackson se movían constantemente mientras pateaba y giraba
libremente, acompañando frenéticamente el controvertido texto de la canción
sobre la paternidad de un hijo ilegítimo. Sin embargo, no fue hasta el puente
instrumental que Jackson hizo historia al realizar su movimiento de baile
característico, el Moonwalk, por primera vez. Quizás más que cualquier otra
aparición de su carrera, esta actuación de cinco minutos ayudó a definir a
Michael Jackson como el "Rey del Pop". Pero en muchos sentidos,
también ayudó a significar el final de la era Motown. En retrospectiva, “Motown
25” fue una empresa profundamente conflictiva. Subtitulado "Ayer, hoy,
para siempre", este especial destacó la tarea casi imposible que Motown
enfrentó a principios de la década de 1980: la necesidad de celebrar el pasado
mientras se intenta seguir siendo vital en el presente. Esta fue una época de
gran interés nostálgico en el ritmo y el blues tempranos, por lo que había un
interés público real en que Motown explorara su propia historia. Sin embargo,
la empresa había crecido y cambiado desde la década de 1960, y después de
centrarse tanto en los días de gloria, "Motown 25" hizo poco para
ocultar el panorama sombrío de su estado actual. Cada vez menos actos de Motown
estaban rompiendo las listas de éxitos del pop, y la salida de muchos de sus
artistas, compositores y productores más exitosos significó que la división de
música de la compañía no era el gigante que alguna vez fue. Dos de los artistas
de Motown más exitosos de la época, Lionel Richie y Rick James, ni siquiera
asistieron a la grabación en vivo, lo que permitió que ex grandes de Motown
como Ross, Gaye y Jackson se robaran el espectáculo. Aunque el programa era
aparentemente un tributo al legado musical de la compañía, el alto valor de
producción del programa destacó el hecho de que Motown estaba más interesado en
la producción de televisión y cine que en la música. Además, el interés de la
compañía en producir música se había alejado de los estilos que la convirtieron
en un nombre familiar durante las décadas de 1960 y 1970. La gran banda de
acompañamiento de Motown, los Funk Brothers, se había olvidado en gran medida
después de que la compañía se mudó a Los Ángeles en la década de 1970, y
“Motown 25” contó con una orquesta de entrega de premios. La orquesta hizo poco
para recuperar el sonido temprano de Motown mientras respaldaba las actuaciones
de grupos como Four Tops, Temptations y Miracles. Al final, el conflicto
interno entre el pasado, el presente y el futuro de Motown cedió en 1988,
cuando Berry Gordy, Jr.hizo el primero de varios movimientos para vender la
empresa que alguna vez fue ferozmente independiente a un importante
conglomerado empresarial. Esto marcó el final de lo que posiblemente fue el
reinado más exitoso de propiedad negra en la historia de la música estadounidense
hasta la fecha.
”
¿Mente sucia? Prince y Janet Jackson.
Además de Michael
Jackson y Madonna, Prince, con sede en Minneapolis, merece crédito por afirmar
la diferencia racial y la sexualidad en la alineación de MTV a mediados de la década
de 1980. El video de Prince para "1999" en realidad es anterior a
"Billie Jean",
y su práctica de usar imágenes sexuales descaradas,
tanto en sus canciones como en sus presentaciones en vivo, se remonta a fines
de la década de 1970, cuando Madonna todavía estaba en la universidad. Nacido
como Prince Rogers Nelson, fue uno de los artistas más prolíficos de la década
de 1980, escribiendo y produciendo una larga serie de discos de éxito bajo su
propio nombre, a menudo tocando todos los instrumentos de sus discos, y
escribiendo y produciendo a otros artistas, como Las raíces musicales de Time,
Vanity 6 y Sheila E.
Prince estaban en el pop negro y el funk de la década de
1970, y su cuidadoso control tanto de su música como de el de los proyectos de
satélites se basa en la práctica de George Clinton, mientras que su enfoque de
un solo hombre recuerda a Stevie Wonder. A los cuatro primeros álbumes de
Prince les fue bien en el mercado del rhythm and blues, con Prince (1979) y
Controversy (1981)
alcanzando el número tres y conteniendo varios sencillos que
se hicieron especialmente populares en las listas de Billboard "Hot Soul
Singles". Durante este período inicial, Prince desarrolló su imagen como
una figura sexualmente cargada y algo andrógina, y canciones como “Head” y
“Jack U Off” le brindaron una amplia oportunidad para proyectar esta imagen en
una actuación en vivo. Si bien había disfrutado de un modesto éxito en el
crossover anteriormente, el lanzamiento en 1982 de su álbum 1999 convirtió a Prince en una estrella en el mundo del pop, impulsado por los
sencillos "1999" y "Little Red Corvette"
y su exposición en MTV. La pista principal encuentra a Prince empleando un
fondo pesado de sintetizador, impulsado por un fuerte ritmo en la batería. Su
técnica de usar diferentes voces para cada línea del verso se remonta a grupos
de doo-wop como Clyde McPhatter and the Drifters, pero aquí las influencias más
inmediatas son probablemente Sly and the Family Stone o the Temptations. Al
final de "1999" se pueden escuchar las fuertes influencias del funk
que apoyan la música de Prince. En 1984, Prince lanzó el largometraje
semi-autobiográfico Purple Rain,
que fue recibido con elogios de la crítica y
acompañado por un álbum de banda sonora que rápidamente alcanzó el primer lugar
en las listas de pop y rhythm and blues. Dos sencillos del álbum, "When
Doves Cry" y "Let's Go Crazy", también llegaron al número uno en
ambas listas de sencillos
. Siguieron más álbumes y sencillos de éxito en los
años siguientes, incluidos La vuelta al mundo en un día (1985), Batman
(1989) y Diamonds and Pearls ( 1991),
cada uno de los cuales
se vendió. más de dos millones de copias. La combinación de Prince de los
ritmos funk y la extravagancia de George Clinton con una fuerte sensibilidad
pop lo convirtió en uno de los artistas más influyentes de la década, y entre
los artistas negros solo rivalizaba con Michael Jackson. Mientras Prince
desarrollaba su estilo musical a fines de la década de 1970, la hermana menor
de Michael Jackson, Janet, era una invitada habitual en la comedia televisiva
Good Times. A principios de la década de 1980, Janet lanzó álbumes y sencillos
paralelos mientras continuaba actuando en programas de televisión como
Diff'rent Strokes y Fame. En 1986, sin embargo, se asoció con el equipo de
producción y composición con sede en Minneapolis de Jimmy Jam y Terry Lewis,
dos músicos que habían estado en la banda producida por Prince, The Time. Bajo
su dirección, el álbum de 1986 de Janet, Control, se disparó a la cima de las
listas de pop y rhythm and blues , contiene seis sencillos de éxito
cruzado.
Proyectó una imagen de confianza e independencia con Control, y los
ritmos duros detrás de esta nueva música mostraron la influencia del hip hop y
el funk. Con la música de Jackson, Jam y Lewis se convirtieron en progenitores
de un estilo de hip-hop y pop basado en la danza llamado New Jack Swing, que
creaba texturas musicales densas y crudas a partir de cajas de ritmos y
samples. El equipo de Jackson con Jam y Lewis siguió con Rhythm Nation 1814
(1989),
que también encabezó ambas listas y superó a Control al producir
siete sencillos para llegar al top cinco del "Hot 100". Si bien
Rhythm Nation 1814 adquirió un tono más serio y socialmente consciente que su
predecesor, el plan original había sido proyectar una imagen más sexy y
seductora de la cantante. Sería su próximo lanzamiento, Janet. (p1 r1 uk1,
1993), que lanzó la imagen de Jackson más orientada a los adultos. Esto fue
subrayado por una infame foto de portada de Rolling Stone publicada en
septiembre de 1993 que mostraba a Jackson en topless con sus pechos cubiertos
solo por un par de manos de una persona invisible. De los seis sencillos de
éxito en janet., El encabezado de las listas de éxitos "That’s the Way
Loves Goes"
ilustra el enfoque de producción adoptado por Jackson, Jam y
Lewis. En marcado contraste con el entrecortado New Jack Swing de sus álbumes
anteriores, "That’s the Way Love Goes" utiliza música extraída de la
grabación de "Papa Don’t Take No Mess" de James Brown, creando un
sonido más relajado y sensual. A lo largo de su carrera, el video jugó un papel
central en la presentación musical de Janet Jackson. Al igual que con su famoso
hermano, bailar era tan importante como cantar en las actuaciones de Janet
(Paula Abdul coreografió muchos de los primeros videos de Janet), y la
dimensión musical de sus videos ciertamente pasa a un segundo plano frente a la
visual. Como hemos visto con Madonna y Michael Jackson, durante la era temprana
de MTV, este equilibrio era especialmente difícil para los artistas visualmente
estimulantes.
Además de los movimientos de hardcore e indie rock que
surgieron del legado del punk a principios de la década de 1980, se estaban
desarrollando otra escena underground más que se convertiría en el centro de
atención de la música pop más adelante en la década: el rap . . MTV
jugó un papel crucial en la exposición del estilo a una audiencia más amplia,
ayudándo a asumir posiciones cada vez más centrales en la música popular
durante la segunda mitad de la década. Además, cuando la década de 1980 llegó a
su fin, las escenas universitarias e independientes también comenzaron a
coquetear con el éxito general bajo el apodo de "alternativa". Si
bien el rap, el indie y la alternativa se desarrollaron en el underground, cada
uno surgió más tarde para disfrutar de un tremendo éxito comercial. En cierto
sentido, estos estilos compartieron una posición común como la voz de un
segmento privado de derechos de la cultura juvenil y cada uno pudo mantener ese
sentido de identidad en medio de una popularidad abrumadora.
LA APARICIÓN DEL RAP
La música rap y la cultura
hip-hop.
La forma de música que ahora llamamos vagamente rap tuvo su origen en las
comunidades afroamericanas y latinas de Nueva York e a finales de la década de 1970.
Como forma musical, el rap era un elemento de una cultura hip-hop más amplia,
junto con el arte del grafiti. los
estilos de baile callejero como el breaking y el popping, y las tendencias de la moda en
torno a este movimiento. Los artistas del graffiti se extendieron en Nueva York a mediados de la
década de 1970, con artistas que salpicaban sus nombres por toda la ciudad en
edificios y vagones de metro..
Los trenes del metro eran un medio especialmente eficaz para difundir los grafitis, ya que
viajaban por toda la ciudad y llegaban a toda la ciudad llegando a una
amplia gama de residentes. Al mismo tiempo, un estilo de movimiento creativo
llamado break dance se hizo muy popular. El
break dance consistía en realizar movimientos atléticos sobre un trozo de cartón o
plástico duro, un estilo de movimiento artístico adecuados perfectamente para los habitantes
de las ciudades. Los primeros bailarines de break dance fueron adolescentes
negros e hispanos, cuyas excitantes exhibiciones
atrajeron la atención del público en general. Los orígenes de la música rap se
entienden mejor dentro de esta mezcla de arte urbano y baile. Los primeros DJs de hip-hop
pinchaban discos en fiestas de barrio, a menudo en parques urbanos o salas de recreo.
Adaptando una práctica de los DJs jamaicanos, los DJs de
hip-hop solían llevar sus propios sistemas de sonido y empleaban a un MC, o
"maestro de ceremonias", para comentar la
música y animar a los asistentes a la fiesta. Uno de los primeros DJs de hip-hop
más populares fue Kool Herc, que acostumbraba a llevar su potente sistema de
sonido a un parque local, utilizando una fuente de energía de la ciudad para la
electricidad, y hacer sonar los discos a un
volumen suficiente para que todos los vecinos los oyeran. Herc fue quizás el primero en utilizar un
MC (Coke La Rock). Estos primeros MCs pronto se convertirían en raperos,
combinando este nuevo papel con el ingenioso discurso de los disc-jockeys de la
radio negra.Los primeros DJs de hip-hop, como
Kool Herc y Grandmaster Flash se atribuyen el mérito de
las innovaciones técnicas que se convertirían en importantes
desarrollos del rap moderno. Durante años, las emisoras de
radio y los clubes de baile habían utilizado dos giradiscos, uno para el disco
que se estaba reproduciendo y un segundo para el disco que
seguiría. Utilizando un par de tocadiscos, los DJs eran
capaces de pasar sin problemas de un disco al siguiente,
empleando una mesa de mezclas mezclador o un cross-fader para
bajar el volumen de un disco, un disco mientras se aumentaba el
volumen del otro. Kool Herc y Grandmaster Flash
utilizaban giradiscos y mezcladores portátiles basados
en esta configuración. Además para pasar de una canción a otra,
sin embargo, desarrollaron técnicas como el
"break spinning".en la que un DJ repite una frase
corta haciendo girar un disco hacia atrás mientras se
reproduce el otro. El "Punch de la canción, para presentar ráfagas cortas de
un disco mientras el otro mientras el otro mantenía el
ritmo. El acompañamiento instrumental de la música rap comenzó a
presentar "breaks", los cortes o pasajes
instrumentales más pegadizos (a menudo de música disco o latina). Esto se
hacía para incitar a los bailarines a
una mayor excitación, pero también se inició una técnica de
creación de nueva música a partir de "samples" grabados.de "muestras" grabadas,
una idea que constituiría la base base estética del rap posterior.
Grandmaster Flash también popularizó el
"scratching", una técnica en la que el disco se gira en
sentido inverso y hacia delante, rápida y
repetidamente, mientras se manipula el volumen del disco, para crear
un ritmo distintivo. Además de las expansiones
tecnológicas de Kool Herc
y Grandmaster Flash, otro de
los primeros DJ, Afrika Bambaataa, amplió la gama de
grabaciones de origen empleadas en el hip-hop. Bambaataa
había fundado Zulu Nation a principios de los
años 70, una organización de tipo pandillero dedicada a crear un sentimiento de
fraternidad entre artistas de hip-hop y desestimar
el papel de la lucha y la delincuencia en los barrios
urbanos de Nueva York. Conocido en la comunidad
como el "maestro . Bambaataa incorporó temas poco
conocidos o improbables como "Champ" de los
Mohawks y "Trans-Europe Express" de Kraftwerk." en sus mezclas.
Del parque a la radio: El primer disco de rap
Durante los primeros años
del hip-hop, no había discos de hip-hop:
mezclar discos y hacer de maestro de ceremonias era un asunto estrictamente en
vivo, algo que había que experimentar en persona. En 1979, un nuevo
sello llamado Sugar Hill Records lanzó
"Rapper's Delight", probablemente el primer single de hip-hop.
A nombre
de la Sugar Hill Gang, El disco llegó al número cuatro en
las listas de rhythm and blues Antes de este
inesperado éxito con Sugar Hill, los propietarios
del sello Joe y Sylvia Robinson habían dirigido un sello
independiente llamado All Platinum. Sylvia había cantado como Mickey y Sylvia ("Love Is Strange",
1957) y como solista ("Pillow Talk", 1973). Según la historia, Sylvia escuchó a los
invitados de una fiesta de Harlem en una fiesta cantando
rimas sobre los pasajes instrumentales de los discos de música disco.
Pensando que esto podría ser lo suficientemente
pegadizo como para vender algunos discos, reunió a varios jóvenes y
"rapearon" sobre una pista rítmica el ritmo extraído de "Good
Times" de Chic para producir "Rapper's Delight".
El
éxito de este sencillo demostró que la experiencia del hip-hop en
vivo podía trasladarse al
vinilo. Poco después del éxito de "Rapper's Delight", Kurtis Blow con un éxito para Mercury Records,
"The Breaks (Part 1)", que llegó al número cuatro en las listas de rhythm and
blues en 1980.
Mientras tanto, Sugar Hill se convirtióen el sello de rap más importante
de principios de los 80, firmando una impresionante lista de raperos y DJs, y publicando una
serie de temas clásicos de la vieja escuela, como Grandmaster Flash and the Furious Five's "The Message" ( 1982)
.
Russell Simmons y Rick Rubin:
Cruzando al público blanco.
Russell Simmons y Rick Rubin, dos
estudiantes universitarios de la Universidad de Nueva York formaron otro importante sello de
hip-hop temprano llamado Def Jam Records. A mediadosde los años 80, Def Jam publicó
música de los principales raperos de la década, como LL Cool J, los Beastie Boys y
Public Enemy. La empresa de gestión de Simmons Rush Entertainment, también se
encargó de algunos de los actos más importantes del rap, como Run-DMC, Kurtis Blow y DJ Jazzy Jeff and the Fresh Prince. A través de la
gestión, la propiedad y la producción, Simmons y Rubin
presidieron el más impresionante conjunto de más impresionante de todos los
sellos independientes dedicados al rap. Utilizando una textura básica compuesta de ritmos generados por una caja
de ritmos electrónica, scratching destacado, y el de vez en cuando, la música de los
artistas de Def Jam definió un nuevo estilo de hip hop mainstream a mediados
de la década de 1980. Además, Simmons y Rubin contribuyeron a popularizar la
música rap en la corriente principal. Uno de los primeros artistas de
éxito de Def Jam fue LL Cool J, gracias a una aparición en
la película Krush Groove y a un sencillo de éxito, "I Can't Live without My Radio"
. La canción hacía
referencia a la creciente moda de los jóvenes que transmitían
música en público utilizando grandes "boomboxes" portátiles (también llamados "ghetto
blasters"). El álbum Radio alcanzó el sexto puesto en las listas de rhythm y blues en 1986, y alcanzó el
número cuarenta y seis en las listas de pop. LL Cool J cruzó en 1987 con "I Need
Love" , un tema que quizá sea la primera balada de rap, mientras que el
álbum Bigger and Deffer alcanzó el número uno en la lista de álbumes de rhythm
and blues
Alrededor de la misma época, otro
acto asociado con Rubin y Simmons estaba cruzando de una manera aún más directa.
Firmado por Priority Records, pero producido y gestionados por Def
Jam, Run-DMC estaba formado por los raperos Joseph Simmons("Run", hermano menor de
Russell) y Darryl McDaniels ("DMC"), y el DJ JasonMizell ("Jam Master
Jay"). El grupo tuvo cierto éxito con el single Rock Box" ( 1984), en
parte porque el vídeo de la canción se emitió en la MTV..
Run-DMC solía rapear
sobre las pausas de los discos de rock, y esta influencia puede escucharse
claramente en "Rock Box". El primer álbum de la banda, RUN-D.M.C.(1984), se cita a menudo
como uno de los lanzamientos más influyentes del primer rap. Dos años más tarde, Raising Hell
(1986) se convirtió en un éxito de masas, colocando a Run-DMC en el centro de la
corriente principal estadounidense.
Otra pausa que Run-DMC utilizaba con
frecuencia era el ritmo de batería inicial de Walk This Way de Aerosmith.
Rick Rubin, un gran fan del hard rock
y el heavy metal que más tarde produciría a Slayer
y Danzig, invitó a Steven Tyler y Joe Perry a regrabar las pistas de la
canción en lugar de samplearlas del disco. La versión resultante de Run-DMC
incluía tanto a los raperos como a los rockeros. Rubin y Run-DMC acercaron el rap a
muchos rockeros blancos que probablemente habrían ignorado el rap, y "Walk This Way" 1986) se convirtió en un disco
importante para introducir el rap en la corriente pop.Def Jam también produjo un popular
grupo compuesto por raperos blancos. Los Beastie Boys Estos habían actuado
originalmente en la escena punk neoyorquina, pero pasaron a la escena emergente
del hip-hop en el año 1986.. Tras lanzar una serie de sencillos
que aparecieron en las listas de R&B y de baile, el primer sencillo del
grupo, "You Gotta Fight for Your Right (to Party)",
alcanzó el número siete en las listas de
pop en 1987.. Su álbum Licensed to
Ill se convirtió en el primer disco de rap en alcanzar el número uno en las listas de
álbumes pop ( 1986). Los Beastie Boys fueron también uno de los primeros
grupos en
aprovechar la nueva tecnología de muestreo digital.en lugar de trabajar con discos y
tocadiscos, los pasajes se grababan digitalmente y se ponían en bucle con mucha más precisión de la que
permitían los tocadiscos. A finales de la década de 1980, el sampleo era una práctica muy
extendida entre los raperos, lo que inició una larga historia dede juicios por derechos de autor
relacionados con las prácticas creativas del hip-hop.
Desafiando el statu quo.
Aunque
Def Jam fue una fuerza dominante durante la segunda mitad de la década de
1980, otros sellos y artistas también tuvieron éxito. Ice-T nació en Nueva Jersey (como Tracy
Morrow) pero se trasladó a Los Ángeles de niño, donde se convirtió en uno de los
representantes más importantes del rap de la Costa Oeste a finales de los años
ochenta y principios de los noventa. "I'm Your Pusher" ( 1988)
explora a menudo de forma más
gráfica y airada. La música de Ice-T y otros artistas de la Costa Oeste que representaba estos
temas descarnados se conoció como "gangsta rap". En consonancia con sus influencias de la década
de 1970, el tema emplea muestras extraídas de Curtis Mayfield's
"Pusherman".
Aunque el álbum Power de 1988 tuvo un buen recibimiento comercial, Ice-T disfrutaría
de un éxito mucho mayor en la década de 1990 con
( 1991) y Home Invasion ( 1993)
.
N.W.A. (Niggaz With Attitude)
aportó un enfoque aún más airado al rap, creando mucha controversia en el
proceso. El álbum de 1989 del grupo, Straight OuttaCompton , contenía un tema
titulado "Fuck Tha Police",
que le valió a su compañía
discográfica una carta de advertencia del FBI. En un interesante caso histórico , Esta
inclinación por describir la peligrosa vida urbana atraía a los oyentes
blancos, muchos de los cuales procedían del Medio Oeste de Estados Unidos. Con este apoyo, el álbum
EFIL4ZAGGIN de 1991 alcanzó el número uno en las listas para consternación de muchos
padres y líderes comunitarios Mientras que Run-DMC utilizaba un
acompañamiento musical de sobra y los Beastie Boys a menudo incorporaban muestras del
repertorio de rock, la música de N.W.A, creada en gran parte por Dr. Dre, utilizaba a
menudo muestras basadas en formas más duras de funk como Parliament y Kool and the Gang. Además de las crudas realidades
exploradas en el gangsta rap, otros artistas del rap empezaron a hacer crítica social y política.
Boogie Down Productions (BDP), dirigida por KRS-One (Kris Parker), es a menudo
citado como el más significativo de estos artistas. El primer álbum de la banda Criminal Minded (1987), influyó en muchos raperos que siguieron en sus descripciones, a veces
intransigentes y duras, de la vida urbana. Después de la muerte del rapero Scott La
Rock en 1987, el tono de la música de BDP cambió drásticamente. En contraste con las inclinaciones
anarquistas de N.W.A, KRS-One empezó a presentarse como un intelectual en
canciones como "My Philosophy"
del álbum de 1988 By All Means Necessary ,
cuyo título y portada hacían referencia directa a Malcolm X. BDP alcanzó la cima de
su éxito crossover con Ghetto Music: TheBlueprint of Hip-Hop (1989) y Edutainment (1990)
. Basándose en el estilo rítmico de
Run-DMC y el enfoque social y político de BDP, Public Enemy irrumpió en
las listas de éxitos de rhythm and blues en 1988 con It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back , que contiene
el single "Don't Believe the Hype" .
"Fight the
Power" ( 1989),
que también hace referencia directa al movimiento
del poder negro, apareció en la película de Spike Lee Do the Right Thing, . Esta creciente conciencia negra
resonó entre los oyentes, y El siguiente álbum del grupo, Fear
of a Black Planet ( 1990),
se vendió muy bien en los mercados pop. Liderados por
Chuck D y Flavor Flav, Public Enemy se convirtió en uno de los grupos más influyentes del
rap, y su mayor éxito fue con Apocalypse 91-The Enemy Strikes Back ( 1991).
Al igual que
el desorden social La música de Public Enemy es a
menudo caótica, con fuertes capas de samples, ritmos de muestras, ritmos de batería,
las llamadas de "hype man" de Flavor Flav, y el tono y fraseo
profundo y santificado de Chuck D. Aunque muchos de los raperos más
populares de la década de 1980 eran hombres, Queen Latifah emerge como una importante voz femenina
en el hip-hop con su debut en 1989, All Hail the Queen Nacida como Dana Owens en
Newark, Nueva Jersey, Latifah empezó en un grupo de hip-hop llamado Ladies
Fresh antes de firmar como artista en solitario con Tommy Boy Records. Aunque All Hail the Queen sólo
tuvo un éxito comercial moderado, hizo un gran impacto al establecer una fuerte
voz femenina en el hip-hop. Esto se ejemplifica en el single "Ladies
First",
en el que Latifah comparte el rap con Monie Love. La letra de este
tema ensalza los
placeres de la feminidad, descarta cualquier prejuicio de que las mujeres no pueden rapear, y
afirman con rotundidad que "los estereotipos tienen que desaparecer".
Latifah fue nominada para un Grammy y fue nombrada
mejor rapera femenina por Rolling Stone en 1990.
¿Miedo a un planeta negro?
El rap. Al igual que el rock y el jazz en sus años, se enfrentó a un
flujo constante de controversias durante la década de 1980. Una de las críticas se refería a
la queja de que el rap no era realmente "música", ya que la mayoría
de los raperos no tocan instrumentos ni cantan. Incluso el contenido lírico de la música rap fue objeto de críticas. Aunque es fácil equiparar el rap con la poesía, las palabras e imágenes ofensivas empleadas en el rap, que pueden ser misóginas, homófobas, vulgares y violentas. Han suscitado un debate social y jurídico. En el contexto de nuestro estudio del rock el rap vuelve a poner en tela de juicio las diferencias de raza y clase entre algunos oyentes blancos., un fenómeno que ha surgido con muchos de los estilos más importantes de música popular durante el siglo XX.Sin embargo, en los años 80, esta tensión se presentaba a menudo como un conflicto entre el rock y el rap, en el que el rock era visto como la "vieja guardia" y el rap el recién llegado. El vídeo de "Walk This Way" de Run-DMC muestra una caricatura de la tensión racial entre el rock y el rap a mediados de la década de 1980. Durante la primera mitad del vídeo, ni Run-DMC ni Aerosmith tienen mucha paciencia con el otro, y no es un momento feliz de reconciliación. cuando el rockero Steven Tyler rompe el muro que separa físicamente a los dos grupos.. Aunque las cuestiones de raza y clase pueden ser la causa de algunas de las tensiones en torno al rap, también son la causa de su atractivo. Muchos jóvenes blancos aficionados al rap a finales de los 80 y principios de los 90 estaban claramente fascinados por el mundo de la violencia y la lucha urbana , que eran muy diferentes del entorno suburbano, a menudo afligido y mayoritariamente blanco, en el que vivían. En contra de las afirmaciones de que el rap no es realmente música vale la pena señalar que los músicos de rap a menudo toman música preexistente y la remodelan y transforman en algo nuevo, lo que ha sido un enfoque estético aceptado en las artes visuales y musicales al menos desde la Guerra Mundial. Muchos oyentes podrían objetar la música de compositores contemporáneos como John Cage o Karlheinz Stockhausen, pero pocos llegarían a decir que no son músicos. Cualquiera que haya intentado componer música hip-hop puede dar fe de los méritos artísticos de esta.
Todavía en el otoño de 1977, la mayoría de los fanáticos del rock en
Estados Unidos desconocían en gran medida el punk británico o estadounidense.
CBGB era popular entre algunas personas en Nueva York, pero el punk
prácticamente no tenía presencia en las listas de reproducción cada vez más
restringidas de la radio FM rock. A finales de 1977 y principios de 1978, los
Sex Pistols realizaron una gira por Estados Unidos, pero en lugar de tocar en
clubes de rock en el noreste y en la costa oeste, la banda realizó una gira por
el sur, un movimiento diseñado, al parecer, para provocar problemas y provocar
aún más. titulares (lo que hizo). En diciembre de 1977, Elvis Costello apareció
en Saturday Night Live (reemplazando a los Sex Pistols, que tenían problemas
para enetrar en el país), marcando un avance significativo para el punk en la
corriente principal estadounidense. A mediados de la década de 1970, revistas
de rock como Rolling Stone, Crawdaddy y Creem estaban dando una cobertura
significativa al punk rock. El punk, sin embargo, se había ganado la reputación
de ser peligroso y potencialmente embarazoso dentro del negocio de la música.
Para gran parte del negocio de la música comercial, volver a etiquetar el punk
como "nueva ola" fue una solución a este problema. Este nuevo término
dominó los elementos más agresivos del punk, haciéndolo más una declaración
estética artística que una declaración de nihilismo o protesta. Si los punks
estaban enojados, los nuevos titubeantes eran irónicos. La respuesta de Punk a
la frustración fue arremeter, tal vez romper una ventana y formar una banda. La
nueva ola debía reflexionar sobre la alienación urbana, tomar una taza de café
y escribir una letra inteligente. Dado que muchas de las bandas de CBGB tenían
experiencia en las artes, el interés de la industria en la nueva ola les
benefició. Blondie y Talking Heads, ambos habituales del CBGB, se convirtieron
en estrellas bajo esta bandera, dejando atrás a los Ramones y a los punks.
Curiosamente, Television parecía tan preparada como cualquiera de las otras
bandas del CBGB para lograr un gran éxito comercial, pero Hell dejó el grupo en
1975 y Verlaine se hizo cargo de la banda. Después de haber firmado con
Elektra, el álbum debut de la banda, Marquee Moon , se lanzó en los
Estados Unidos en la primera mitad de 1977. El siguiente álbum, Adventure , fue lanzado en abril de 1978 y no obtuvo mejores resultados en el
Estados.
Fue una historia diferente para el Patti Smith Group, que anotó a
ambos lados del Atlántico con Easter (1978), que contenía el exitoso
sencillo "Because the Night" (coescrito con Bruce
Springsteen)
, y seguido con Wave ( 1979)
CBGB se lanza a la nueva ola.
A principios de 1978, Blondie
había firmado con Chrysalis,
pero aún parecía que la banda podría correr la misma
suerte que Television: exitosa en Inglaterra y desconocida en casa. Lanzado en
febrero de 1978, Blondie's Plastic Letters tuvo un buen desempeño en el
Reino Unido, en parte gracias a los exitosos sencillos "Denis" y "(I'm Always Touched by Your)
Presence, Dear" . . Pero en el
otoño de ese año, la banda lanzó Parallel Lines (1978), que contenía un
sencillo que alcanzó el número uno en ambos lados del Atlántico, "Heart of
Glass".
Blondie siguió con varios sencillos de gran éxito en Estados
Unidos, incluyendo "Call Me" ( 1980), "The Tide Is
High" ( 1980) y "Rapture" ( 1981).
En unos pocos
años, Blondie había pasado de ser una banda que muchos en CBGB pensaban que era
la menos propensa a avanzar en el negocio a la más exitosa de todas. Además,
modelando el cambio de la industria del punk a la nueva ola, el estilo musical
de cada uno de los sencillos de Blondie tenía poco parecido con los
estereotipos estadounidenses del punk. Esto es especialmente evidente en "Rapture",
que está orientada a la danza e incluso contiene una sección rapeada que revela
una conexión con el creciente movimiento del hip hop en Nueva York. Formada por
estudiantes de la Escuela de Diseño de Rhode Island, Talking Heads fue dirigida
por el compositor David Byrne y contó con Jerry Harrison (guitarra), Chris
Frantz (batería) y Tina Weymouth (bajo y voz). Talking Heads debutó en CBGB en
mayo de 1975, ganando reconocimiento en Nueva York casi de inmediato.
Finalmente, la banda firmó con Sire y lanzó Talking Heads: 77 en septiembre de
1977. La pista "Psycho Killer" proporciona un ejemplo del enfoque
temprano de Talking Heads, con acompañamiento instrumental de repuesto y la
entrega vocal espástica de Byrne.
El siguiente álbum, More Songs about Buildings
and Food , fue lanzado en el verano de 1978 y tuvo un éxito moderado,
aunque el interés comenzó a aumentar. hábilmente cuando “Take Me to the River”, escrito por el cantante de R&B Al Green y el guitarrista Teenie Hodges, fue lanzado como sencillo en octubre
. Los siguientes dos lanzamientos, Fear of Music (1979)
y Remain in Light ( 1980)
, establecieron a la banda como uno de los grupos líderes de la nueva ola, especialmente porque fueron muy queridos por muchos críticos musicales, quienes elogiaron al intelectual. y el carácter artístico de las canciones de Byrne. Otro aspecto importante de las grabaciones de Talking Heads fue la producción de Brian Eno, quien había actuado con Roxy Music a principios de la década de 1970, pero se había convertido en una voz importante en los enfoques experimentales para grabar música rock.
ELVIS COSTELLO ON SATURDAY NIGHT LIVE por Mark Spicer
La
televisión en vivo y la música rock a menudo han trabajado de la mano para
brindarnos algunos de los momentos más definitorios de la historia de la
cultura popular. ¿Quién puede olvidar, por ejemplo, la actuación de los
Beatles, en directo desde Abbey Road, de su nuevo sencillo "All You Need
Is Love" como parte del espectáculo televisivo mundial Our World el 25 de
junio de 1967? El evento marcó el comienzo del Verano del amor por sí solo y
presentó a unos 400 millones de espectadores en todo el mundo a las nuevas y
modernas modas psicodélicas del Londres del swing. Más recientemente, hubo un
infame "mal funcionamiento del vestuario" en el espectáculo de medio
tiempo del Super Bowl el 1 de febrero de 2004, donde un vistazo fugaz del pecho
desnudo de Janet Jackson durante su rutina de baile con Justin Timberlake
provocó una protesta. Resultó en leyes de censura más estrictas que, para bien
o para mal, desde entonces han afectado a todas las transmisiones de radio y
televisión en los Estados Unidos. Aunque la audiencia fue mucho más selectiva,
la actuación de Elvis Costello el 17 de diciembre de 1977 en el programa de
sketches de la NBC Saturday Night Live seguramente se ubica como otro de estos
momentos definitorios. Durante más de treinta y cinco años, SNL ha sido bien
conocido por su comedia de vanguardia y su sátira política mordaz, sirviendo
como plataforma de lanzamiento para muchos de los comediantes superestrellas
más queridos de América del Norte. (Dan Aykroyd, Eddie Murphy, Adam Sandler y
Will Ferrell, por nombrar solo algunos, comenzaron sus carreras como miembros
de "Not Ready for Prime-Time Players", como a veces se llama al
elenco de SNL). siempre ha tenido tanto que ver con la música popular como con
la comedia, presentando regularmente parodias de músicos de rock (como las
respectivas personificaciones de John Belushi y Gilda Radner de Joe Cocker y
Patti Smith durante los primeros años del programa) e invitando a nuevos
artistas importantes a actuar como el invitado musical semanal. El espectáculo
a menudo les dio a estos artistas, ya los nuevos estilos que representaban, su
primera exposición nacional real, como lo había hecho el Ed Sullivan Show para
los artistas del pop y el rock a finales de los años cincuenta y sesenta. Tal
fue el caso de la aparición de Costello en SNL, que resultó ser también uno de
los felices accidentes de la historia del rock. Si bien el punk rock estaba
disfrutando de su apogeo en el Reino Unido en 1977, el estilo permaneció en
gran parte insular, sin ningún grupo de punk británico capaz de romper las
listas de éxitos al otro lado del Atlántico. Para capitalizar el creciente
revuelo que rodea al nuevo estilo, el productor de SNL Lorne Michaels había
invitado nada menos que a los Sex Pistols, los famosos favoritos del punk
británico, a actuar en el programa. Pero los Sex Pistols no pudieron obtener sus
visas de trabajo a tiempo, por lo que Costello y su banda , fueron contratados como reemplazos de último minuto. Es costumbre
que el invitado musical en SNL actúe dos veces durante la transmisión en vivo
de noventa minutos, y para su primer número, Elvis and the Attraction tocaron
su single de los veinte mejores en el Reino Unido, "Watching the
Detectives" con tintes de reggae. Lo que sucedió durante su segunda
actuación, sin embargo, ahora es legendario: después de cantar solo unos pocos
compases de "Less Than Zero", Costello detuvo abruptamente a la banda
y anunció "Lo siento, damas y caballeros, no hay razón para hacer esta
canción". aquí." Luego llevó su banda a una interpretación
gruñona de su canción aún inédita, "Radio Radio", escrita como una
reacción airada contra las principales estaciones de radio en Gran Bretaña, en
particular la BBC, y su práctica de prohibir las canciones punk con contenido
político o antipatriótico. letras (la más famosa, "God Save the Queen"
de los Sex Pistols). Según los informes, Michaels estaba furioso con Costello
por cambiar la canción sin haber buscado primero su aprobación, y echó a la
banda del estudio, amenazando con que "nunca volverían a trabajar en la
televisión estadounidense". Para muchos espectadores estadounidenses, esta
actuación de SNL de un desgarbado parecido a Buddy Holly fue su primer vistazo
de la indignación punk del Reino Unido que los críticos de rock habían estado
hablando durante meses. Aunque el punk como estilo pronto estaría a punto de
desaparecer, rápidamente surgió una "nueva ola" de grupos británicos
y estadounidenses, siguiendo el ejemplo de Costello en su deliberada e irónica
apropiación de estilos de rock del pasado. El propio Costello, por supuesto, se
convertiría en uno de los camaleones más eclécticos y prolíficos del rock,
cambiando hábilmente los estilos del R&B al country, al clásico y todo lo
que se encuentre en el medio en el transcurso de una carrera notable que aún se
mantiene fuerte. Muchos fanáticos del rock, sin embargo, siempre lo recordarán
con más cariño por ese momento en 1977 cuando asumió el papel de embajador del
punk británico.
New Wave en la corriente principal estadounidense.
Si bien
Nueva York fue fundamental para el desarrollo del punk y la nueva ola
estadounidenses, muchas de las bandas de la nueva ola más exitosas a fines de
la década de 1970 no surgieron de CBGB o Max's Kansas City. Cars, con sede en
Boston, liderados por el guitarrista y vocalista Ric Ocasek y el baterista
David Robinson, estuvieron entre las primeras bandas de la nueva ola en
irrumpir en las listas de reproducción de la radio FM rock. Firmado por Elektra,
el lanzamiento debut de la banda, The Cars ( 1978), contenía dos pistas que
se difundieron significativamente en las principales estaciones de radio de
rock a partir de finales de 1978: "My Best Friend's Girl" ( 1978)
y "Just What I Needed ”(;1979).
La banda siguió con
Candy-O (1979), que contenía "Let’s Go"
, y continuó
encabezando las listas hasta bien entrada la década de 1980 con los favoritos
de la radio perennes como "Shake it Up" ( 1981). Los Cars estaban
bien versados en los primeros estilos de rock, y estas referencias
impregnaron su música, reforzando las imágenes de portada que recuerdan a la
década de 1950 utilizadas en sus álbumes. Tom Petty and the Heartbreakers de
Florida adaptó el estilo folk-rock de los años 60 de Dylan and the Byrds, tanto
que Roger McGuinn de los Byrds bromeó diciendo que la primera vez que escuchó
"American Girl" de Tom Petty and the Heartbreakers (,
1977 ), pensó que era una de sus propias canciones.
A medida que la nueva ola
ganaba popularidad en la segunda mitad de 1978, Petty y compañía lanzaron
You're Gonna Get It
, que contenía "Necesito saber".
Cuando se
vendió el sello de la banda, Shelter, terminaron grabando para MCA, lanzando
Damn the Torpedoes (1979), que subió al número dos en los Estados Unidos
gracias a varios temas, incluido "Don't Do Me Like That
” y“ Refugee
”(1980), que se convirtieron en elementos básicos de la radio FM rock.
Desde una perspectiva contemporánea, los Heartbreakers difícilmente parecen un
acto de nueva ola. Sin embargo, a fines de la década de 1970, el grupo se
comercializó sin duda entre los nuevos titubeantes. Parte de esta conexión fue
visual, ya que el grupo a menudo se ponía los trajes coloridos y las corbatas finas
asociadas con la nueva ola. Sin embargo, también hubo una conexión sonora en el
regreso del grupo a las raíces del rock de los años 50, que estaba en el
corazón tanto del punk como del new wave. Quizás la más irónica de todas las
bandas new wave fue Devo, liderada por los hermanos Bob y Mark Mothersbaugh.
Utilizando vestuario, sonidos de guitarra y teclado de la era espacial y voces
alienadas, la banda adoptó la imagen de seres futuristas de las películas de
ciencia ficción de los años 50. El primer álbum de la banda de Ohio, Q: Are We
Not Men? R: ¡Somos Devo! (1978), producido por Brian Eno, contenía una
versión mecanicista de "(I Can’t Get No) Satisfaction"
y su tema
principal "Jocko Homo".
A pesar de las bajas ventas en Estados
Unidos, este álbum se hizo popular en Inglaterra cuando se lanzó en septiembre
de 1978. La banda no disfrutó del éxito comercial en los Estados Unidos hasta
Freedom of Choice (1980), que contenía el sencillo "Whip It" .
La versión norteña de Devo sobre la nueva ola fue repetida desde una
perspectiva sur por el grupo de Georgia B-52. Dirigido por el cantante Fred
Schneider y con la cantante Kate Pierson y Cindy Wilson, la banda hizo su
primera presentación significativa en el Reino Unido con The B-52s ( 1979),
que contenía “Rock Lobster”,
una pista que desde entonces se ha asociado
estrechamente con el movimiento new wave. Actuar en Max's en Nueva York en 1978
y en Saturday Night Live en 1980 trajo a la banda un seguimiento nacional, lo
que llevó a un éxito comercial más amplio con el lanzamiento de Wild Planet en 1980. Like the Cars, la música de los Los B-52 estaban llenos de
referencias a la música prepsicodélica, incluidos frecuentes riffs de guitarra
estilo surf, un prominente sonido de órgano eléctrico popular a mediados de la
década de 1960 y voces de Pierson y Wilson que tocaban con los estereotipos de
grupos de chicas. El grupo incluso grabó una versión de "Downtown" de
Petula Clark.
Como íconos de la nueva ola, los B-52 no lograron su mayor éxito
hasta finales de la década de 1980, después de casi más de una década de
grabaciones y giras. A fines de la década de 1970, The Knack era otro grupo
popular de la nueva ola que estaba calculando el uso de estilos musicales e
imágenes extraídas de la historia del rock. Con base en Los Ángeles y dirigida
por el guitarrista Doug Feiger, la banda firmó con Capitol. El primer álbum,
Get the Knack (1979), fue un gran éxito y fue apoyado por un sencillo, “My
Sharona”
. La portada del disco presentaba a la banda con un atuendo al
estilo Beatle de principios de la década de 1960 y la contraportada estaba
destinada a sugerir la aparición de los Beatles en el Ed Sullivan Show. El
grupo usó estos mismos atuendos en videos promocionales y presentaciones
televisivas. La banda incluso hizo que Capitol volviera a usar el mismo logo en
las discográficas que tenía a mediados de la década de 1960. Todo esto funcionó
solo brevemente, ya que su próximo álbum, But the Little Girls Understand ( 1980), fue el último álbum de Knack en escalar las listas.
British New
Wavers en América.
Además de los Sex Pistols y The Clash, la mayoría de
las bandas de punk británicas que dominaron las listas de éxitos en Inglaterra
nunca tuvieron un impacto en los Estados Unidos. Aquellos actos que encajan en
el perfil de la nueva ola estadounidense, sin embargo, tuvieron éxito. El
primero de ellos fue Elvis Costello. Firmado con Stiff en el Reino Unido pero
distribuido por Columbia en los Estados Unidos, los lanzamientos de Costello
estuvieron entre los primeros discos británicos de la nueva ola en llegar al
Top 40 de los Estados Unidos en la primera mitad de 1978. While My Aim Is True
( 1977 ) contenía la balada "Alison",
Costello se hizo mucho
más conocido por sus ataques agresivos e inteligentes contra el status quo.
Esto fue especialmente cierto después de su actuación en Saturday Night Live a
finales de 1977. Su segundo álbum, This Year's Model (1978), grabado
con una nueva banda de respaldo llamada Attractions contenía "Pump It
Up"
, que es un buen ejemplo del lado más estridente de Costello,
como lo es el sencillo “Radio, Radio” (1978). Elvis Costello y The Attractions siguieron con las Fuerzas Armadas ( 1979), completando un
trío de álbumes que establecerían a Costello como uno de los compositores más
aclamados del rock. The Police también debutó en Estados Unidos en el contexto
de la nueva ola. Su primer álbum Outlandos d’Amour de principios de
1979 contenía tanto "Roxanne"
como "Can’t Stand
Losing You"
. Inicialmente mezclando una fuerte influencia reggae
en su estilo, The Police se hizo muy conocido por la compleja interpretación de
Stewart Copeland, la letra literaria de Sting y la guitarra atmosférica de Andy
Summers. Siguió una serie de álbumes exitosos, incluidos Regatta de Blanc ( 1979) y Zenyatta Mondatta (, 1980). Aunque las canciones de Police
de este período, como "So Lonely"
y "Message in a
Bottle"
, son bien conocidas en los Estados Unidos, el grupo no logró
mucho éxito en el mercado de singles hasta finales de 1980. The Police se
convirtió en una de las bandas más importantes de principios de la década de
1980,
¿Punzadas de la historia del rock?
Un aspecto del new wave
lo distingue del rock hippie que lo precedió: las bandas del new wave tenían
una clara fascinación por los estilos musicales anteriores y, quizás más
importante, por las imágenes visuales asociadas con esos estilos. Por lo tanto,
es Elvis Costello quien usa anteojos con montura de cuerno como Buddy Holly,
pantalones de pierna recta y cabello corto en una era de pantalones acampanados
y cabello largo hasta los hombros. Por qué esta dimensión de la nueva ola era
importante para estos músicos y sus fans se analiza a continuación, pero por
ahora nos centraremos en la música en sí. Detectar las referencias a la
historia del rock en el aspecto visual del new wave es fácil, pero ¿cómo
podemos escuchar referencias estilísticas al rock anterior en la propia música?
"La chica de mi mejor amigo" de Cars ofrece un ejemplo rico en
referencias de la nueva ola a estilos pasados. Observe primero los aplausos que
aparecen durante la introducción, que recuerdan las grabaciones de grupos de
chicas de principios de la década de 1960
("My Boyfriend’s Back") o
las primeras pistas de los Beatles ("I Want to Hold Your Hand"). El
toque de guitarra rockabilly que se produce en los pasajes que vinculan los
coros con los versos parece inspirado en los discos de Carl Perkins, Elvis
Presley o Gene Vincent de finales de la década de 1950. Los acordes de órgano
repetidos que entran con el segundo verso recuerdan el sonido de la banda de
garaje de mediados de la década de 1960. La entrega vocal de Ocasek está llena
de contratiempos vocales que imitan los de Buddy Holly y la ingenua inocencia
de gran parte de la música adolescente antes de mediados de la década de 1960.
Estas muchas referencias al rock pre-hippie no están particularmente bien reforzadas
por la forma, que sigue un diseño compuesto de AABA no muy diferente del
"More Than a Feeling" de Boston, que emplea pares de estribillo y
estribillo para las secciones A y un solo de guitarra para el puente. . Sin
embargo, el material de Cars aquí es mucho más simple en su contenido armónico
que las armonías en la pista de Boston, y todas las secciones se repiten sin
mucho cambio estructural. Como gran parte de la nueva ola, esta canción es
menos un intento de duplicar estilos de rock anteriores que una vista ecléctica
del rock anterior tomada a través de una "lente" de finales de la
década de 1970. La relación de la nueva ola con los estilos de música rock del
pasado es la clave para comprender cómo se diferencia del rock convencional. La
música rock desde la psicodelia hasta finales de la década de 1970, el rock
mainstream se fundó sobre la estética hippie: la idea de que la música rock
debería llevar al oyente a una especie de viaje y utilizar todas las
posibilidades de la tecnología, tanto en términos de equipamiento como de
habilidad instrumental y compositiva, para hazlo. El rock debería abordar
cuestiones importantes, no el amor adolescente, y debería reflexionar sobre el
lugar del hombre en el universo. Los músicos de la nueva ola se alejaron de
estos principios rectores. Redujeron las complejidades musicales y acortaron
las melodías, volvieron a temas de romance adolescente y ya no exhibieron su
pericia instrumental. Por lo tanto, las referencias musicales-estilísticas y visuales
en la nueva ola casi siempre fueron rock antes que Sgt. Pepper Los cortes de
pelo, la ropa, la carátula del álbum, la música y las letras de la nueva ola
parecen rechazar la cultura y la música hippie. Pero al rechazar el presente
hippie, ¿los nuevos titulares abogaban por un regreso al pasado del rock? La
respuesta es no; en cambio, los músicos de la nueva ola estaban haciendo
referencias irónicas a la música anterior, no estaban abrazando estilos
pasados, sino usándolos para ofrecer una crítica del presente y una visión del
futuro.
Mainstream versus New Wave.
Una forma de ver el contraste
entre el rock convencional y los enfoques de la nueva ola a fines de la década
de 1970 es comparar bandas y artistas con similitudes obvias pero también con
diferencias significativas. El estadounidense Gary Wright había sido miembro de
Spooky Tooth (junto con Mick Jones en sus días antes de Foreigner), pero
emprendió una carrera en solitario. Lanzó The Dream Weaver a finales de
1975 y su música se popularizó en 1976 con dos temas de éxito, "Dream
Weaver". y
“Love Is Alive”
. El inglés Gary Numan fue originalmente miembro de
Tubeway Army, cuyo segundo álbum Replicas fue el número uno en el Reino Unido
en el verano de 1979 con la ayuda del exitoso sencillo "Are We‘ Friends ’Electric?"
. Numan también se fue en solitario, lanzando The Pleasure Principle en septiembre de 1979, que contenía el éxito "Cars"
. La
comparación de "Dream Weaver" con "Cars" revela que ambas
pistas se basan casi exclusivamente en sonidos sintetizados. Los cálidos
timbres de Wright, saturados de reverberación y eco, son similares a las
amplias texturas utilizadas por teclistas de rock progresivo como Rick Wakeman
o Keith Emerson, mientras que los sonidos de Numan son mucho más ásperos,
creando un sonido más seco y concentrado. La voz de Wright muestra una
influencia de blues y la de Numan es cortante y casi mecánica. Tanto Wright
como Numan emplean imágenes futuristas en las portadas de sus respectivos
álbumes. Sin embargo, el futuro de Wright parece optimista y utópico, mientras
que el de Numan parece frío y mecánico, dominado por máquinas. A pesar de las
similitudes con "Dream Weaver", "Cars" de Numan deja su
huella al rechazar los sueños hippies de fantásticos viajes hacia el brillante futuro tecnológico: Numan rechaza
el viaje, o al menos sugiere un tipo de viaje muy diferente. Se puede hacer
otra comparación entre la música de Heart y Blondie. Liderado por las hermanas
Anne y Nancy Wilson, el álbum debut de Heart, Dreamboat Annie (1976), subió
en las listas de Estados Unidos con la ayuda de las canciones "Crazy on
You" y "Magic Man" . La música del grupo de finales de
la década de 1970 tiene un lado más duro, en el que Anne Wilson canta con fuerza
y autoridad, y un lado más suave y de orientación acústica, que a menudo
muestra la guitarra de Nancy. Anne Wilson adoptó la personalidad escénica de la
mujer dura y conductora. Su canto era a menudo contundente y técnicamente
educado, lleno de giros y vueltas melódicas de blues. Debbie Harry (de
Blondie), en cambio, tenía un enfoque vocal que era mucho más limitado, mucho
menos libre rítmicamente y desprovisto de cualquier influencia del blues. Esto
es inmediatamente evidente al comparar "Straight On" de Heart (1978)
con "Heart of Glass" de Blondie. Wilson canta la voz de
"Straight On", interpretando con fuerza a menudo al borde de los
gritos, con un notable vibrato denso. El estilo de Harry está motivado por el
rechazo del virtuosismo técnico hippie. Se basa en una calidad de aficionado
común entre muchas actuaciones de la nueva ola. El canto de Harry a este
respecto es similar al de David Byrne y Ric Ocasek, ninguno de los cuales sería
considerado vocalista "pulido" en un sentido tradicional. Eso fue
parte del encanto del regreso a la simplicidad de la nueva ola y fue
fundamental para su rechazo del legado hippie del rock. En la segunda mitad de
la década de 1970, el rock convencional continuó muchas de las prácticas
estilísticas de la primera mitad de la década. Hizo ajustes en respuesta al
tremendo crecimiento del negocio discográfico y de la radio, ya que los grandes
álbumes llegaron a dominar las listas de éxitos y la radio prefirió pistas más
cortas y menos expansivas. Los fanáticos del rock de finales de la década de
1970 argumentan que fue la culminación del rock hippie, mientras que los
críticos sostienen que fue creado cínicamente para generar la mayor cantidad de
dinero posible para los corporaciones que llegaron a dominar el negocio de la
música durante este tiempo. El punk reaccionó contra lo que veía como una
indulgente industria de la música rock, desafiando su pomposidad con un regreso
a lo básico del rock and roll. Sin embargo, a pesar de lo poderoso que fue el
desafío del punk, se incorporó comercialmente a un estilo llamado new wave. New
wave mantuvo gran parte de la actitud de retorno a la simplicidad del punk y el
rechazo de la estética hippie. Sin embargo, a principios de la década de 1980,
la mayor parte del new wave se incorporó a las listas de reproducción de rock
convencionales de la radio FM, lo que atestigua la influencia del new wave,
pero también revela similitudes subyacentes entre el new wave y el rock
convencional. Cuando el rock convencional y la nueva ola se unieron a
principios de la década de 1980, parecía que el rock hippie había seguido su
curso y una era había terminado. Aunque los elementos de la estética hippie
resurgirían innumerables veces en el transcurso de las décadas de 1980 y 1990,
especialmente en el heavy metal y los videos musicales, la era del rock
ambicioso dedicada a la idea de la música como un viaje había terminado.
FURTHER
READING
Victor Bockris, Transformer: The Lou Reed Story (Simon & Schuster,
1994).
Craig Bromberg, The Wicked Ways of Malcolm McLaren (Harper & Row,
1989).
Theo Cateforis, Are We Not New Wave? Modern Pop at the Turn of the 1980s
(University of Michigan Press, 2011).
Jerome Davis, Talking Heads (Vintage,
1986).
Toby Goldstein, Frozen Fire: The Story of the Cars (Contemporary Books,
1985).
Debbie Harry, Chris Stein, and Victor Bockris, Making Tracks: The Rise
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The Birth of American Punk Rock (A Cappella, 2005).
Brian Hinton, Let Them All
Talk: The Music of Elvis Costello (Sanctuary, 1999).
Glen Matlock with Pete
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Legs McNeil and Gillian
McCain, Please Kill Me: The Uncensored Oral History of Punk (Penguin, 1996).
T
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