HISTORIA DEL ROCK 1969

 

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24. HISTORIA DEL ROCK - 70s - EL CRECIMIENTO DEL MONSTRUO 1970/1975 BLUES ROCK BRITANICO

 Años 70s contexto (USA)

A principios de la década de 1970, la contracultura de finales de la década de 1960 se había convertido en la corriente principal. Los signos de la paz, el cabello largo, el teñido anudado, el incienso y los valores hippies que se habían encontrado principalmente en los campus universitarios, ahora eran populares en los suburbios de clase media y en los centros comerciales de todo el país. Esta mercantilización de la contracultura podría haber sido una señal de que algunos de los problemas que habían dividido a Estados Unidos en los años sesenta fueron "resueltos" en los setenta. Sin embargo, la gente continuó cuestionando estas soluciones y exponiendo nuevos problemas que mantuvieron al país en un estado de confusión durante toda la década. En los primeros años de la década de 1970, Richard Nixon llegó a un acuerdo con los norvietnamitas, poniendo fin de manera efectiva a la guerra de Vietnam, que había sido uno de los temas más divisivos de la década de 1960. Aunque sus verdaderos horrores habían terminado, las cicatrices de Vietnam eran profundas. Muchos la llamaron la primera guerra que Estados Unidos perdió y cuestionaron la atención del gobierno a "la gente" en cuestiones de política. Este escepticismo estalló en 1974, cuando miembros de la Casa Blanca de Nixon encubrieron un asalto republicano a las oficinas demócratas en el complejo de oficinas de Watergate en Washington, D.C. Como resultado del escándalo que siguió, Nixon se convirtió en el primer presidente de la historia en renunciar a su cargo. Jimmy Carter prometió a Estados Unidos un futuro mejor y fue elegido en 1976, pero su presidencia estuvo plagada de problemas. En los últimos años de la década, la economía estadounidense estaba estancada y la inflación era alta, una situación tan pronunciada que los economistas acuñaron un nuevo término para describirla: "estancamiento". Parte del problema fue la escasez de combustible, lo que provocó largas colas en las estaciones de servicio y una sensación general de "crisis energética". La energía nuclear parecía ofrecer una alternativa viable, pero un accidente de 1979 en la planta de energía nuclear de Three Mile Island en Harrisburg, Pensilvania, generó temores públicos sobre la seguridad de tales instalaciones. Finalmente, una revolución política en Irán resultó en la toma de rehenes estadounidenses, una situación que dio más que un indicio de problemas políticos por venir en el Medio Oriente. Como se mencionó anteriormente, los valores hippies de la década de 1960 se convirtieron en la corriente principal en la de 1970. El feminismo se conoció como "liberación de la mujer", o simplemente "liberación de la mujer", en la cultura popular. Gloria Steinem fundó la revista Ms. en 1972, proporcionando un foro mediático de alto perfil sobre cuestiones feministas. En una serie de anuncios de larga duración que comenzó en 1969, Virginia Slims promocionó un cigarrillo hecho especialmente para mujeres con el eslogan "You’ve T has recorrido un largo camino, nena ". La libertad de mujeres también se abrió camino en los deportes y la música convencional. El tenista profesional Bobby Riggs desafió a Billie Jean King a un partido de "Batalla de sexos" en 1973, alegando que un hombre podía vencer fácilmente a una mujer (perdió), y en 1972 Helen Reddy ganó un Grammy por el himno feminista "I Am woman." Los defensores de los derechos de los homosexuales también se hicieron más visibles en la cultura pop. Después de que estallaran los “disturbios de Stonewall” de 1969 como reacción a una redada policial en un club gay de la ciudad de Nueva York, el movimiento se organizó y trabajó para cambiar las leyes estatales que prohíben la actividad homosexual. Un importante paso adelante ocurrió cuando la Asociación Americana de Psicología eliminó la homosexualidad de su lista de enfermedades en 1973. La televisión comenzó a reflejar estos cambios sociales y culturales. All in the Family debutó en 1971 y abordó muchos de los temas candentes de la época. Ambientada en la casa de una familia de clase trabajadora de la ciudad de Nueva York, el personaje central de la serie fue Archie Bunker, un fanático de mediana edad y con poca educación. Archie con frecuencia, y con humor, se enfadaba con quienes lo rodeaban, incluido su yerno liberal Michael (a quien llamaba "Meathead"), educado en la universidad, Gloria, su hija inspirada por las libertades femeninas, e incluso su gran corazón, pero algo débil -esposa ingeniosa Edith. Archie a veces se enredaba con el vecino George Jefferson por cuestiones raciales. Jefferson era la contraparte negra de Archie, igual de fanático, pero notablemente más exitoso en su carrera. En 1975, The Jeffersons se convirtió en el primer spin-off de All in the Family, seguido por Maude, cuyo personaje central era una mujer de voluntad fuerte que también había intercambiado púas con Archie. El programa que mejor capturó la creciente sensación de que las mujeres podían hacer una carrera por sí mismas sin el apoyo de un esposo fue The Mary Tyler Moore Show. Desde su primer episodio en 1970, el programa abordó constantemente los problemas que enfrentan las mujeres en el lugar de trabajo, aunque estos generalmente se manejan de una manera alegre. A mediados de la década, Chico and the Man estaba aumentando la conciencia del país sobre la vida hispana, haciendo que la programación de televisión fuera más diversa que nunca. La década de 1970 también vio el surgimiento de la televisión con música rock, un paso adelante con respecto a los programas orientados a adolescentes de la década de 1960, como American Bandstand. El magnate de Brill Building, Don Kirshner, produjo una nueva serie en 1972, In Concert (más tarde llamada Rock Concert), que contó con actuaciones en vivo de las principales bandas y artistas de rock. El especial de medianoche debutó al año siguiente, con el famoso disc jockey de radio Wolfman Jack. El R&B encontró un hogar televisivo en Soul Train de Don Cornelius, que se abrió paso en 1971 y continuó hasta 2006. A fines de la década de 1970, Saturday Night Live se convertiría en el estreno en vivo de grupos de rock, y muchos de ellos lanzaron sus carreras en Estados Unidos allí. La radio FM se convirtió en un gran negocio y dominó el formato de rock orientado a álbumes (AOR), a menudo con dos o tres estaciones en cada ciudad luchando por los oyentes (e ingresos por publicidad). A medida que se desarrolló FM, la radio AM fue cada vez más el hogar del pop preadolescente, los viejos y lo que quedaba de la programación tradicional al estilo de las cadenas. A medida que avanzaba la década, la radio FM rock se convirtió en un formato más ajustado, lo que permitió a los disc jockeys menos control sobre lo que se reproducía y redujo su influencia en la música y la cultura. El espacio exterior siguió siendo una fascinación para los cinéfilos estadounidenses, aunque ahora tenía un tinte definitivamente hippie. Cuando apareció Star Wars de George Lucas en 1977, multitudes récord volaron para ver a Luke Skywalker luchar contra el totalitarismo en una galaxia muy, muy lejana. En el momento culminante de la película, cuando Skywalker debe destruir la malvada Estrella de la Muerte, escucha la voz de su gurú, Obi Wan Kenobi, diciéndole que "use la fuerza". Skywalker apaga su equipo de alta tecnología, se conecta a la unidad cósmica y dispara el tiro que salva a su gente. A lo largo de la década de 1970, los negros lucharon contra los blancos, los hombres lucharon contra las mujeres y los gays lucharon contra los heterosexuales. Sin embargo, estos grupos estaban más cerca unos de otros que nunca. Si la década de los 60 se trató de los problemas de segregación (o división), la de los 70 se trató de los problemas de la diversidad. Como veremos, esta diversidad se reflejó en la música de la época. El folk y el rock progresivo, el disco y el punk, el rhythm and blues y el funk lucharon por, y recibieron, atención. Cada grupo social, al parecer, tenía una banda. Y cada banda tenía una audiencia.

EL CRECIMIENTO  DEL MONSTRUO 

El final de la década de 1960 proporcionó un terreno fértil para los músicos de rock de la década de 1970. La mayoría de los estilos surgieron a partir de nuevos desarrollos en el rock de finales de la década de 1960. Los elementos que coexistieron dentro de la psicodelia se fragmentaron en estilos más distintos durante la década de 1970. En general, la primera mitad de la década de 1970 se caracterizó por bandas que continuaron los ambiciosos experimentos de finales de la década de 1960, poniendo a prueba los límites de lo que podría considerarse rock. En la segunda mitad de la década, el negocio de la música rock creció drásticamente, transformándose en una gran industria dirigida por conglomerados corporativos con intereses fuera de la música. No es difícil interpretar una correlación entre los cambios estilísticos en el rock durante la segunda mitad de la década de 1970 y la expansión corporativa. En consecuencia, aquellos que desprecian el "rock corporativo" sienten que la música después de finales de la década de 1960 se corrompió progresivamente con grandes cantidades de dinero y egos aún mayores, todo motivado por los resultados corporativos. A pesar de esto, la música de muchas de las bandas que los críticos tendían a odiar en la década de 1970 (Led Zeppelin, Bad Company, Boston, Kansas y Foreigner) se convirtió en el núcleo del formato de radio de "rock clásico" que se desarrolló a lo largo de la década de 1980. Hay algunos temas centrales a considerar cuando se estudia el rock en la década de 1970, incluido el rock corporativo como una forma de corrupción, la celebración y posterior aparición del punk y la nueva ola desde el underground, y la aparición del rock clásico en la radio FM y la televisión por cable modernas. desde aproximadamente 1990. La evolución de cada estilo se rastrea desde sus raíces en la década de 1960 hasta su desarrollo durante la década de 1970.

Los legados psicodélicos de la estética hippie.

Entre los cambios más importantes en el período 1966-69 se encuentran los cambios de enfoque en la música rock del single al álbum, y del baile a la escucha de música. Si bien los sencillos de éxito no desaparecieron por completo, de hecho, algunos grupos psicodélicos tuvieron lanzamientos de sencillos exitosos, hubo una sensación creciente de que los sencillos eran una parte diferente del negocio. Después del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, muchos artistas se obsesionaron con la creación de álbumes que proporcionaran una experiencia auditiva musicalmente provocativa. Además, los músicos expandieron el rango estilístico del rock incorporando elementos de la música clásica, la música electrónica y el jazz, y se volvieron cada vez más dependientes del estudio de grabación como herramienta creativa, produciendo discos que eran difíciles de reproducir en vivo. Algunos de los principios principales de la revolución del rock de finales de los sesenta continuaron a principios de los setenta, mientras que otros fueron cuestionados. Un enfoque en el arte musical y tecnológico, combinado con un enfoque claramente artístico de la creación musical (incluso entre grupos que cultivaron una imagen sensata y rockera), llevó a un enfoque estético que llamaremos "estética hippie" o la estética de la ambición. De acuerdo con este conjunto de principios, un músico de rock es un artista que tiene la responsabilidad de producir música sofisticada utilizando todos los medios a su disposición, y la música rock debe resistir la escucha repetida y las letras deben abordar cuestiones o temas importantes. El virtuosismo instrumental se volvió especialmente valorado en esta época. Los fanáticos votaron en encuestas anuales de revistas de música para seleccionar artistas en categorías como Mejor Guitarrista, Mejor Tecladista, Mejor Baterista, Mejor Bajista y Mejor Vocalista, además de categorías típicas como Mejor Álbum y Mejor Nuevo Acto. Estas encuestas ya eran habituales en las publicaciones de jazz, que valoraban mucho el virtuosismo musical y la fluidez de la improvisación, y en las revistas para adolescentes que valoraban la popularidad. Ahora los músicos de rock y sus fanáticos comenzaron a usar la capacidad de interpretación y la ambición musical como indicadores de importancia musical. La estética hippie es fundamental para comprender las conexiones entre una amplia variedad de estilos de rock de la década de 1970. Usando este marco, podemos ver que artistas tan diversos como Yes, the Eagles, Allman Brothers Band, Steely Dan e incluso Alice Cooper comparten elementos de un enfoque musical común. Este enfoque ayuda a aclarar que gran parte de la música rock creada durante la década de 1970 tenía vínculos importantes con la psicodelia. Los aspectos de la estética hippie continuaron influyendo en una amplia variedad de artistas hasta bien entrada la década de 1980, incluidos aquellos que parecían rechazarla rotundamente. Por ahora, consideraremos cómo este enfoque influyó en un estilo popular de rock basado en el blues a principios de la década de 1970 en el Reino Unido. 

BRITISH BLUES ROCK

Los Rolling Stones, Cream y los Yardbirds.

La música rock basada en el blues que salió de Gran Bretaña en la década de 1970 fue una extensión importante del rock anterior influenciado por el blues. La música blues, especialmente el blues eléctrico de Chicago de músicos como Muddy Waters y Howlin ’Wolf, fue fundamental para gran parte de la música rock de la década de 1960, especialmente en el Reino Unido., Grupos como los Rolling Stones trajeron este estilo de regreso a Estados Unidos, o quizás más específicamente, introdujeron el blues a los adolescentes estadounidenses blancos. Después de los Stones llegaron los Yardbirds, un grupo que en varios momentos contó con Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. A principios de la década de 1970, bandas británicas como Deep Purple, Led Zeppelin y Black Sabbath se basaron en esta base estilística establecida por los Stones, los Yardbirds y Cream. Los propios Stones disfrutaron de un tremendo éxito comercial durante este período al regresar a sus raíces del blues después de una breve incursión en la psicodelia. Álbumes como Sticky Fingers (1971), Exile on Main Street (1972) y Goat's Head Soup ( 1973) fueron tremendamente populares en ambos lados del Atlántico, sacando a los Stones de la sombra de los Beatles  y posicionándolos como uno de los grupos más importantes para hacer la transición de la década de 1960 a la de 1970. 

Los ex alumnos de Yardbirds también se mantuvieron activos: Clapton continuó como solista después de su paso por Cream y Derek and the Dominoes, emergiendo con el exitoso sencillo "I Shot the Sheriff" (1974), y Jeff Beck lideró una sucesión de bandas. , incluidos Jeff Beck Group y Beck, Bogert & Appice, que tendían hacia un enfoque de fusión de jazz. Mezclando raíces de blues con sonidos psicodélicos y volumen de rock pesado, Jimmy Page jugó un papel importante en la continuación del virtuosismo de la guitarra y los estándares de espectacularidad establecidos por Clapton y Hendrix durante la década de 1960. Reclutado en los Yardbirds hacia el final de la carrera de la banda, Page era el único miembro de la banda que quedaba en 1969. Para cumplir con una serie de obligaciones de interpretación, Page llamó al bajista John Paul Jones, un músico de sesión experimentado, y a dos recién llegados: el vocalista Robert Plant y el baterista John Bonham. Después de trabajar por un corto tiempo bajo el nombre de New Yardbirds, la banda cambió su nombre a Led Zeppelin. 

Led Zeppelin:

 Blues, Folk y Psychedelia dan el siguiente paso.

Con una serie de ocho álbumes número uno en el Reino Unido y seis números uno en los Estados Unidos, Led Zeppelin se encontraba entre los nuevos grupos británicos más exitosos de la década de 1970. Page coescribió la mayor parte de la música del grupo (a menudo con Robert Plant proporcionando la letra) y, profundamente dedicada al formato del álbum, la banda se resistió a lanzar singles. Cuando Page se acercó por primera vez a Plant sobre la formación de una banda, describió su visión como una mezcla de blues eléctrico tradicional, folk acústico y una buena cantidad de experimentación. A lo largo de los años, los oyentes y críticos se han centrado en los elementos más pesados ​​de la música del grupo, olvidando otros aspectos de su catálogo. Por ejemplo, una mezcla entre instrumentación eléctrica y acústica es clara en los dos primeros álbumes del grupo, Led Zeppelin ( 1969) y Led Zeppelin II ( 1970). En el primer disco, "Babe I'm Gonna Leave You" es un reflejo de las tendencias acústicas de la banda, mientras que "Good Times, Bad Times" muestra un tono más duro

. El lado más psicodélico aparece en "Dazed and Confused", un elemento básico de los shows en vivo de la banda que mostraba a Page tocando su guitarra con un arco de violín. 

También se puede encontrar una mezcla de los elementos más duros y la psicodelia en "Whole Lotta Love".

 Esta mezcla de elementos acústicos, blues y psicodélicos también se puede encontrar en lo que podría decirse que es la pista más conocida de Led Zeppelin, "Stairway to Heaven", de su cuarto álbum sin título (1972). 

La canción comienza con un pasaje de guitarra acústica e introduce un coro de flautas dulces seguido de la voz de Robert Plant. Esta textura continúa durante los primeros dos minutos de la canción. A medida que el arreglo se construye lentamente, se agregan guitarra eléctrica de doce cuerdas, piano eléctrico, bajo y batería. La sección final de la canción se mueve hacia el rock pesado, con un solo de guitarra eléctrica con influencias de blues de las voces agudas y distintivas de Page y Plant. La letra de “Stairway to Heaven” trata sobre el tema de la iluminación espiritual, una preocupación perenne entre los hippies de finales de los sesenta y un tema recurrente en el rock de los setenta. Más tarde, la banda volvería a los temas de la espiritualidad y la sabiduría de los antiguos y de Oriente, el más famoso en "Kashmir" de Physical Graffiti (1975). Las letras de Led Zeppelin a menudo también se centran en temas sexuales. La arrogancia de Plant en "Whole Lotta Love" y "Black Dog" lleva las divertidas letras de blues hokum de canciones como "Shake, Rattle, and Roll" más allá de la metáfora, haciendo referencias directas a la sexualidad. Page produjo todos los álbumes de la banda y fue especialmente magistral en la creación de una paleta sonora espesa con voces de doble seguimiento, creando una reverberación profunda para las pistas de batería de Bonham y superponiendo guitarras eléctricas, agregando una tras otra, cada una tocando partes distintas. Led Zeppelin continuó actuando ampliamente a lo largo de la década de 1970, lanzando álbumes como Houses of the Holy ( 1973), Presence (1976) e In Through the Out Door ( 1979). El grupo se disolvió después de la trágica muerte relacionada con el alcohol de John Bonham en septiembre de 1980. Como vimos en nuestra discusión sobre "Sunshine of Your Love" de Cream, la adaptación de las prácticas de blues al rock a menudo resultó en temas que se alejaban mucho de la estética. del blues tradicional. El tema de 1969 de Led Zeppelin, "Whole Lotta Love", brinda otra oportunidad de ver esta transformación en acción y da una idea de cómo las bandas británicas combinaron el blues con otros elementos. Originalmente atribuida a Jimmy Page y Robert Plant, la canción es una adaptación de un número de Willie Dixon llamado "You Need Love". (Después de algunas disputas legales, ahora se le atribuye a Dixon y a los cuatro miembros de Led Zeppelin).

 Si bien el blues es claramente un componente central de "Whole Lotta Love", se pueden encontrar elementos de la psicodelia y características que anticipan el rock de finales de los setenta en la canción. Comienza como una forma simple de verso-coro, presentando dos pares de verso-coro basados ​​en la misma música después de la breve introducción de guitarra y riff. Sigue una larga sección central, más larga, de hecho, que toda la música que la precede. Esta sección utiliza la panorámica en todo el espectro estéreo para que parezca que el sonido gira en círculos. Los gemidos vocales de Plant crean un sabor psicodélico distintivo, mientras que el solo de guitarra agresivo de Page continúa el virtuosismo psicodélico del blues-rock asociado con Eric Clapton y Jimi Hendrix. Luego, la canción vuelve al par verso-estribillo, presentado por tercera vez con sólo ligeras alteraciones. La pista termina con una coda, que se mueve desde una frase vocal de Plant de forma libre (una especie de "Cadenza" en la que la música se detiene y Plant proporciona un toque de solista), con un retorno del riff de guitarra y el desvanecimiento de la melodía. La estructura formal general de "Whole Lotta Love" sigue un patrón que se volvió común entre las bandas de rock en la década de 1970. Después de dos pares de verso-coro, se produce una sección contrastante: esta sección puede ser un solo de guitarra, saxo o teclado sobre el material del verso, o puede consistir en material completamente nuevo. Un regreso al par verso-coro o al verso a menudo concluye este patrón. Si los pares de verso-coro se consideran secciones A y la sección contrastante se considera la sección B, surge un patrón AABA a gran escala. Cuando una sección AABA está formada por componentes de coro verso, se utiliza el término "AABA compuesto" (reservando "AABA" para las formas de las canciones discutidas anteriormente). “Whole Lotta Love” proporciona un puente desde la década de 1960 hasta la de 1970, con sus raíces de blues, sección central psicodélica, virtuosismo agresivo de la guitarra y el uso de la forma AABA compuesta. La 

LED ZEPPELIN IN CONCERT, 1970–79

Susan Fast

Las grabaciones de estudio de Led Zeppelin son innovadoras e inspiradoras, pero solo cuentan una parte de la historia de la banda. Para los fanáticos de Led Zep en la década de 1970, los shows en vivo se consideraban el "verdadero negocio", y no hay duda de que el escenario del concierto destacó mucho de lo que se ha vuelto legendario sobre este grupo. Hasta hace poco, sólo había un lanzamiento oficial de concierto en vivo, la película documental de 1976 The Song Remains the Same (también lanzada como un álbum doble en vivo). Esta película captura a Zeppelin en concierto en el Madison Square Garden en su gira de 1973, en el apogeo de su dominio de las listas de éxitos y escenarios de conciertos en todo el mundo. Es un documento fascinante, no solo por la música, sino también por las famosas “secuencias de fantasía” en las que Page, Plant y Jones son representados como protagonistas en diferentes narrativas de búsqueda ficticia. Pero la calidad de la interpretación no logra captar lo grandiosos que fueron realmente en concierto. Durante años, los fanáticos comprometidos circularon grabaciones piratas de conciertos de Zeppelin particularmente famosos, y The Song Remains the Same simplemente palideció en comparación. En 2003, algunas de estas grabaciones fueron remasterizadas y publicadas oficialmente como un conjunto de dos DVD (Led Zeppelin) y en el CD How the West Was Won. Estas grabaciones proporcionan una instantánea precisa y fácilmente accesible del legado de conciertos de la banda. Los conciertos de Led Zeppelin eran maratones: los espectáculos de tres horas no eran inusuales y el aumento de la duración de las canciones individuales, llenas de improvisación prolongada, es una marca registrada de Led Zeppelin que indica la muy venerada inclinación de la banda por asumir riesgos musicales. Su concierto de 1970 en el Royal Albert Hall se ubica como una de las mejores representaciones de las capacidades musicales de la banda. Los largos solos de guitarra virtuosos de Page, a veces brillantes y a veces un poco fuera de lugar, son momentos en los que la expresividad supera a la técnica, generalmente con gran efecto. Aparte de los solos de guitarra, la improvisación también incluyó atascos completos de la banda en viejas canciones de blues y pop, y las ideas musicales se desarrollaron en el acto. Page se refirió a la combinación de precisión y asunción de riesgos como el factor "apretado pero suelto" de la banda. La voz de Robert Plant está en plena forma en este espectáculo, y el poder abrumador de su voz llega por encima del volumen excesivo de los instrumentos. La interpretación de “How Many More Times” reúne todos estos elementos: escuche la increíble energía impulsora del riff, interpretado por Page, Jones y Bonham durante grandes tramos de la canción; los intercambios improvisados ​​entre Page y Plant; y las largas improvisaciones basadas en blues hacia el final de la canción. El solo de batería de Bonham, el núcleo de la canción "Moby Dick", ya es una característica de este primer concierto y siguió siendo un componente central de sus shows en vivo. Gran parte de lo "pesado" del sonido de Zeppelin proviene de Bonham, un batería asombrosamente poderoso que también era ágil y capaz de realizar gestos muy sutiles. Otro elemento importante de los shows en vivo fue el de Page uso del arco de violín para tocar su guitarra durante "Dazed and Confused". El propósito de esto fue explorar timbres nuevos e interesantes en la guitarra eléctrica. La técnica se asoció fuertemente con la imagen de Page como una especie de mago musical. Algunas características cruciales para la experiencia posterior del concierto de Led Zeppelin aún no están presentes en el espectáculo del Royal Albert Hall. Al igual que con otras bandas de rock, cuando se mudaron a los estadios y tocaron para multitudes mucho más grandes, la banda exageró sus gestos visuales para que la audiencia pudiera verlos. Page comenzó a usar trajes hechos a medida, uno de ellos negro con estrellas y planetas, otro con dragones y un traje de seda blanco adornado con amapolas rojas, que aumentaban el aura mágica que lo rodeaba. También comenzó a cultivar un tipo más grandioso de espectáculo, caminando como un pato por el escenario y levantando su mano izquierda triunfalmente después de hacer un riff. Estos gestos se volvieron más “mágicos” y enfáticos cuando Page tocó el theremin, un sencillo instrumento electrónico utilizado para recrear la sección intermedia experimental de “Whole Lotta Love” en concierto. Plant comenzó a desnudar su pecho en una demostración de virilidad, como muchos rockeros en la década de 1970. La banda rara vez usaba pirotecnia, que sentían que restaría valor a la presentación "pura" de la música, pero Bonham prendió fuego a su gong al final del concierto. El combate musical y visual entre Page y Plant era una característica constante de los programas, Page a menudo tocaba licks en su guitarra que Plant respondía o imitaba. La suya fue una de las muchas muestras de intimidad entre cantante y guitarrista que se han convertido en sellos distintivos de la música rock. Page tocó el instrumental acústico "White Summer" en el Royal Albert Hall, pero la banda interpretaría posteriormente un conjunto acústico completo. Si bien la banda se hizo legendaria por la potencia y el volumen crudos y excesivos de su música (algunos los han reclamado como los progenitores del heavy metal), también produjeron una gran cantidad de música acústica. Esto es especialmente evidente en su tercer álbum, y sus canciones acústicas se exhibieron en una sección separada de sus conciertos. El set acústico demostró un elemento importante de la habilidad musical de la banda: eran músicos flexibles y polifacéticos. Las bandas de heavy rock han utilizado actuaciones acústicas para demostrar su versatilidad desde entonces. 

Deep Purple:

Blues, Clásico y Psicodelia. Al igual que Led Zeppelin, Deep Purple tuvo sus orígenes en el rock de finales de los sesenta. Formado en Londres en 1968, el grupo tuvo un sencillo número cuatro en Estados Unidos ese año con una versión de "Hush" de Joe South. Desde sus inicios, la banda mezcló rock basado en blues con música clásica, lanzando uno de los primeros álbumes en combinar una banda de rock con una orquesta sinfónica, Concierto para grupo y orquesta ( 1969). Después de tres álbumes relativamente fracasados ​​(a pesar de “Hush”), los miembros fundadores Jon Lord (teclados), Ritchie Blackmore (guitarra) e Ian Paice (batería) reemplazaron al cantante original Rod Evans y al bajista Nick Simper por el cantante Ian Gillan y el bajista Roger Glover. Esta formación irrumpió en las listas de rock en la primera mitad de la década de 1970. Deep Purple in Rock llegó al número cuatro en el Reino Unido en 1970, seguido de Fireball ( 1971) y Machine Head ( 1971), álbumes que mostraron una creciente popularidad en los Estados Unidos. Machine Head contiene "Smoke on the Water" y "Highway Star", dos canciones que se han convertido en elementos básicos de la radio rock. 

. "Highway Star" se cita a menudo como una de las canciones que más influyó en el desarrollo del heavy metal a finales de los setenta y principios de los ochenta, pero en el contexto del legado hippie, ilustra cómo Deep Purple fusionó la música rock y los modismos clásicos. La canción presenta dos secciones instrumentales largas, una para solos de guitarra y otra para teclado. Ambos solos hacen uso de prácticas armónicas y melódicas asociadas más a menudo con la música barroca europea de Bach y Vivaldi que con el blues de Muddy Waters o Elmore James. Mientras que el Concierto para grupo y orquesta anterior simplemente había yuxtapuesto a la banda con una orquesta clásica, aquí las técnicas de composición de música clásica se integran de manera mucho más efectiva (aunque no se usa ninguna orquesta). Otra pista de Machine Head, "Lazy", es una mezcla entre el trippiness psicodélico y el estilo blues-rock. La pista comienza con un solo de órgano temperamental, que parece combinar música de iglesia, blues y un toque de órgano al estilo Phantom of the Opera. Tanto Lord como Blackmore ofrecen solos orientados al blues, y Gillan ofrece gritos en falsete, que se hicieron comunes en el canto rock a finales de los 70 y principios de los 80. (El estilo vocal de Gillan también se hizo conocido en el contexto del teatro musical a través de su interpretación de Jesús en el Tim Rice de 1970 A finales de la década, los miembros habían formado otras bandas, incluidas Rainbow (Blackmore), Whitesnake (Coverdale) y Gillan (Gillian).

 Black Sabbath:

 el rock británico se encuentra con Boris Karloff y los inicios góticos del metal.

 Compuesto por el guitarrista Tony Iommi, el bajista Geezer Butler, el baterista Bill Ward y el cantante John “Ozzy” Osbourne, Black Sabbath comenzó como una banda de blues a fines de la década de 1960, pero rápidamente se volvió hacia los elementos más oscuros del rock. Al principio, la banda cambió su nombre de "Earth" a "Black Sabbath", en honor a una película de terror de Boris Karloff. "Black Sabbath",

 el primer tema de su primer álbum, Black Sabbath ( 1970), comienza con el repique de las campanas de una iglesia distante, seguido de un riff siniestro que utiliza el intervalo musical del tritono, un disonante e inestable combinación de notas conocida entre los aficionados a la música clásica por su asociación con Satanás. El próximo álbum de la banda, Paranoid ( 1970), contiene "Iron Man", que comienza con el tañido grave de las guitarras para acompañar la voz distorsionada de Osbourne que entona "I am Iron Man". 

Instrumentalmente, las canciones de Black Sabbath a menudo transmiten una textura oscura porque la guitarra, el bajo y la voz interpretan variantes del mismo riff simultáneamente (“Iron Man” es un buen ejemplo de esto). Sin embargo, a pesar de estos toques góticos, la música de Black Sabbath se basa principalmente en riffs de blues y estructuras de rock comunes. Los primeros cuatro álbumes del grupo, incluidos Master of Reality ( 1971) y Black Sabbath, vol. 4 ( 1972), fueron grandes éxitos comerciales y sentaron las bases para el uso de la música y las imágenes que se convertirían en fundamentales para el surgimiento del heavy metal unos años más tarde. A finales de la década, la formación original se separó y Ozzy pasó a una carrera en solitario como uno de los practicantes más destacados del heavy metal en las décadas de 1980 y 1990. A finales de la década, los miembros habían formado otras bandas, incluidas Rainbow (Blackmore), Whitesnake (Coverdale) y Gillan (Gillian).. 

https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html

23. HISTORIA DEL ROCK- 60s - PSICODEDIA 1966/1969 - (5ª parte) UNA NACIÓN WOODSTOCK: FESTIVALES, AUDIENCIAS Y RADIO

 

UNA NACIÓN WOODSTOCK: FESTIVALES, AUDIENCIAS Y RADIO

¿Conoce el camino a Monterey? Los grandes festivales de música al aire libre se convirtieron por primera vez en un elemento importante de la cultura rock a fines de la década de 1960. En la primavera de 1967, John Phillips de The Mamas and the Papas y el ejecutivo de la compañía discográfica Lou Adler organizaron el Festival Internacional de Pop de Monterey, modelándolo en el ya establecido Festival de Jazz de Monterey. Monterey Pop fue el primer festival internacional de rock importante y reunió a bandas de San Francisco, Los Ángeles y Londres para actuar del 16 al 18 de junio en el recinto ferial del condado de Monterey en California. Jefferson Airplane, The Grateful Dead, Big Brother and the Holding Company, The Byrds, Mamas and the Papas, The Animals, The Who y muchos otros tocaron gratis, cobrando solo los gastos de viaje. La aparición de Jimi Hendrix lo presentó a músicos y hombres de negocios en los Estados Unidos y fue crucial para su éxito posterior. The Mamas and the Papas actuaron por última vez en su formación original. Se pensaba que la decisión de los Beach Boys de no tocar había dañado su reputación dentro de la floreciente contracultura. Otis Redding, respaldado por Booker T. & the MG's, cautivó a la audiencia hippie con la marca Stax de soul sureño. Si bien las cifras de asistencia para cualquier evento al aire libre a menudo varían ampliamente, la mayoría de las cuentas responsables coinciden en que asistieron al festival entre 55.000 y 90.000 personas. En muchos sentidos, Monterey fue simplemente una extensión de los eventos regulares de conciertos hippies en San Francisco que comenzaron en 1965. Mientras que los eventos de San Francisco incluyeron principalmente actos locales y regionales, el Festival de Monterey incluyó una amplia gama de actos internacionales en el mismo cartel. Esto proporcionó un modelo para el festival de rock al aire libre que sería seguido por importantes conciertos organizados en Newport (1968 y 1969), Miami (1968), Toronto (1969), Atlanta (1969), Denver (1969) y muchos más. otros lugares. 

EN VIVO DESDE. . . WOODSTOCK de Graeme Boone Dicen que, si recuerdas la década de 1960, no estabas allí. Pero uno de los momentos más importantes de aquí y ahora en la historia estadounidense tuvo lugar en la granja de Max Yasgur en Bethel, Nueva York, del 16 al 18 de agosto de 1969: el Festival de Woodstock. Oficialmente llamada "Feria de Música y Arte de Woodstock, Una Exposición de Acuario", atrajo a medio millón de fanáticos a 600 acres de campo ondulado durante tres días de música, comunidad y puro éxtasis psicodélico. En los meses previos al festival, "¿Vas a ir?" Parecía una pregunta universal entre las tribus modernas, pero nadie sabía qué esperar, porque Woodstock era una apuesta arriesgada con probabilidades incognoscibles. ¿Podría la contracultura de la Costa Este realmente lograr un “acontecimiento” al estilo de la Costa Oeste en una escala tan masiva? Una horda de aficionados apostó a que sí, y tenían razón. Por un momento, la contracultura se convirtió en la cultura, y las diversas corrientes del radicalismo de los años 60 parecieron fusionarse, con todas las variedades de celebración y rebelión convergiendo en un gran río, no de violencia y destrucción, sino de celebración y compartir. En febrero de 1969, cuando comenzó la planificación de este gran evento, la logística se convirtió rápidamente en una complejidad sin precedentes. Los organizadores Michael Lang, Joel Rosenman y Artie Kornfi eld probablemente nunca hubieran continuado si se hubieran dado cuenta de lo difícil que iba a ser su tarea. Pero siguieron adelante hacia su sueño mientras los obstáculos surgían una y otra vez. Las negociaciones procedieron de manera adecuada ya un costo astronómico sobre la vertiginosa variedad de servicios públicos, servicios e infraestructura, todos los cuales tuvieron que ser introducidos o construidos en el lugar; proliferaba la oposición pública; y el permiso para usar el sitio fue denegado apenas un mes antes del festival, por lo que hubo que ubicar otro lugar. Durante el festival mismo, la catástrofe acechaba en todo momento: atascos de tráfico alucinantes; un desglose completo de la toma de entradas; tormentas y ríos de barro; malas drogas y malos viajes; crisis alimentaria, sanitaria y médica; y otras pesadillas logísticas de cada

descripción. El gobernador de Nueva York la declaró zona de desastre y se brindó ayuda de emergencia desde todas las direcciones, desde tiendas locales y servicios médicos hasta la Guardia Nacional y el Ejército. Pero para los fanáticos, tales realidades palidecieron ante la visión triunfal de Woodstock de paz y armonía en acción y adversidad, elevándose sobre una alfombra voladora de sexo, drogas y rock and roll. Una de las muchas incertidumbres sobre el festival fue si los grupos musicales estarían realmente de acuerdo en participar. Muchas bandas inicialmente se negaron a tocar o exigieron tarifas elevadas, e incluso después de que comenzó el festival hubo agujeros y signos de interrogación en el programa de tres días. Los problemas de programación se vieron exacerbados por los atascos de tráfico de cincuenta millas que hicieron necesario que todas las bandas entraran y salieran en helicóptero. En última instancia, la mayoría de los invitados tocaron y representaron una sección representativa notable de la contracultura musical de finales de la década de 1960. En el primer día, los artistas folk y acústicos se destacaron en un set que incluía a Richie Havens, Country Joe McDonald, John Sebastian, Sweetwater, The Incredible String Band, Bert Sommer, Tim Hardin, Ravi Shankar, Melanie, Arlo Guthrie y Joan. Báez, así como una conferencia espiritual de Swami Satchidananda. El segundo día destacó el rock psicodélico, duro y blues, con Quill, Keef Hartley, Santana, Canned Heat, Mountain, Creedence Clearwater Revival, The Grateful Dead, Janis Joplin, Sly Stone, The Who y Jefferson Airplane. La alineación para el tercer día fue aún más ecléctica, con Joe Cocker, Country Joe and the Fish, Alvin Lee, la banda, Blood Sweat & Tears, Johnny Winter, Paul Butterfi eld, Crosby Stills Nash & Young y Sha Na Na. Jimi Hendrix recibió la posición suprema de cerrar el Festival; pero para esa hora, a las 8:30 a.m. del lunes por la mañana, la mayoría de los fanáticos ya se habían ido para el largo viaje a casa. El lanzamiento de un documental cinematográfico en 1970 y un LP de dos álbumes en 1971 ayudó a transformar Woodstock de una experiencia de vuelo en un documento clásico de la cultura de finales de los sesenta. Si bien carecen de las tribulaciones y epifanías envolventes de esos tres días, el documental y el álbum brindan un relato vívido de la música, que todavía suena fresca hoy. Y algunas de las actuaciones, en particular la interpretación de Jimi Hendrix de "Star Spangled Banner", que pasó relativamente desapercibida en ese momento, ahora se cuentan entre las mejores del rock de los sesenta.

PELÍCULA LIVE PERFORMANCE: JIMI HENDRIX EN WOODSTOCK

A medida que el rock se orientaba hacia representaciones más ambiciosas y prolongadas a fines de la década de 1960, las películas documentales proporcionaron un foro apropiado para exhibir representaciones visuales. Entre los documentales de rock más importantes de esta época se encuentra Woodstock, una película estrenada en 1970 que representa el famoso festival de agosto de 1969 en el norte del estado de Nueva York. De las muchas representaciones icónicas asociadas con Woodstock, quizás la más famosa sea la de Jimi Hendrix, que tuvo lugar al final del festival y que también sirve como final de la película. Actuando el lunes por la mañana después de que gran parte de la multitud se haya dispersado, Hendrix dirigió un grupo improvisado llamado Gypsy Suns and Rainbows. Gran parte del metraje se centra en la actuación de Hendrix sin acompañamiento. (También se han lanzado interpretaciones completas del segmento de Hendrix independientemente de la película más grande). La aparición de Hendrix en el "montaje del director" comienza con una interpretación de "Voodoo Chile (A Slight Return)", que da paso a su famosa interpretación de " The Star-Spangled Banner ", y luego pasa a" Purple Haze ". En algunos casos, Hendrix se muestra como un virtuoso de la guitarra, realizando trucos como colocar su mano derecha sobre las cuerdas o tocar el instrumento con los dientes (1 y 2). Sin embargo, hay muchos casos en los que el sonido de la película incluye actuaciones de guitarra apasionantes, mientras que el video se centra únicamente en Hendrix como persona, destacando sus movimientos corporales y expresiones faciales (3). Esto es especialmente evidente durante la interpretación de "The StarSpangled Banner", cuando el rosa, blanco y turquesa del traje de Hendrix forman una correlación interesante con el rojo, blanco y azul de la bandera estadounidense. Sin embargo, en el contexto de la película, la actuación de Hendrix se utiliza para señalar las secuelas del festival de tres días, mostrando varios esfuerzos para limpiar el desorden de más de medio millón de hippies que acampan en las tierras de cultivo empapadas de barro (4). . Como más de la mitad de la multitud se había ido antes de esta actuación, el metraje de vídeo es un registro importante de la parte histórica de Hendrix en este programa que muestra la creciente importancia de los documentales en la recepción del rock durante la década de 1970.

 

Monterey Pop fue filmado por D. A. Pennebaker, y el lanzamiento de la película Monterey Pop en diciembre de 1968 (así como un álbum no muy representativo) aumentó aún más la importancia del festival.

Buen viaje, mal viaje: Woodstock y Altamont.

Si Monterey marcó el comienzo de la era de los grandes festivales de rock al aire libre, Woodstock fue su apogeo. Celebrada en una gran parcela de tierra de cultivo en Bethel, Nueva York, del 15 al 17 de agosto de 1969, la El Festival de Música y Arte de Woodstock atrajo al menos a 400.000 hippies. Las carreteras en el norte del estado de Nueva York estaban tan inesperadamente abarrotadas que muchas tuvieron que cerrarse para evitar un estancamiento regional a gran escala. Los boletos se habían puesto a la venta con anticipación, pero la mayoría de los fanáticos acudieron al evento esperando ingresar gratis. Las escasas fuerzas de seguridad se vieron abrumadas, todo con el espíritu del compañerismo hippie, y la mayoría de las personas terminaron en el evento sin pagar. Además, las fuertes lluvias detuvieron el espectáculo y crearon condiciones de barro y otros problemas. A pesar de estos contratiempos económicos y logísticos potencialmente devastadores, el evento fue tremendamente exitoso, convirtiendo el lema del festival, "Tres días de paz y música", en un ideal que representaba el poder y la influencia de la contracultura hippie. Actuaron muchas bandas estadounidenses y británicas importantes (The Grateful Dead, Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Janis Joplin, The Who), mientras que Santana; Crosby, Stills y Nash; Joe Cocker; y Sly and the Family Stone presentaron efectivamente estos actos a una audiencia mucho más amplia. El estreno en 1970 de la película documental de Michael Wadleigh, Woodstock, y un álbum en vivo de varios discos ayudaron a que el evento fuera un éxito financiero y, como la película y el álbum de Monterey, contribuyeron a la importancia del evento. Después de reuniones a gran escala en Monterey y Woodstock, la era terminó simbólicamente el 6 de diciembre de 1969 con un festival organizado por los Rolling Stones en el Altamont Speedway en Livermore, California. El plan original era que Grateful Dead llevaría a los Stones al Golden Gate Park de San Francisco para un espectáculo sorpresa gratuito para los fieles hippies. Los Stones vieron el espectáculo como una forma de agradecer a los fans leales y anunciaron el concierto en una conferencia de prensa unos días antes. Los planes originales se cancelaron cuando los funcionarios de la ciudad de San Francisco se enteraron del evento, pero un lugar estaba ubicado fuera de la ciudad en un antiguo hipódromo. Dos decisiones parecen haber llevado al desastre que siguió: los Stones emplearon a una banda de motociclistas, los Hells Angels, para brindar seguridad; y esperaron hasta el anochecer para comenzar su parte del espectáculo, dejando un lugar abierto en el día programa que dejó a los asistentes al concierto sin nada que hacer. Los Stones esperaron hasta el anochecer porque habían planeado un espectáculo de luces y estaban filmando una película, que luego se estrenó como Gimme Shelter en 1970. Los Hells Angels estaban sin algunos de sus miembros mayores, y algunas confrontaciones se salieron de control, con fans golpeados si se acercaban demasiado al escenario (Marty Balin de Jefferson Airplane quedó inconsciente en un momento). Cuando Meridith Hunter, una fan negra de dieciocho años, sacó con un arma en la parte delantera del escenario, la mataron a golpes; los hechos fueron capturados en una película y tuvieron lugar frente a los ojos de la banda mientras intentaban actuar. Desde entonces, muchos escritores han señalado que la organización a veces desordenada de estos eventos significaba que era solo cuestión de tiempo antes de que sucediera algo trágico. Sin embargo, el asesinato de Hunter ha hecho que muchos vean a Altamont como el evento que marcó el final de la era hippie. 

Festivales en el Reino Unido y Europa.

Así como Monterey se había expandido en eventos de Family Dog y reuniones al aire libre como Human Be-In, también lo hizo el Festival de Niños de las Flores de agosto de 1967 en Woburn Abbey expandiendo el Sueño Tecnicolor de 14 horas para los hippies británicos. Este evento al aire libre de tres días incluyó actuaciones de Jimi Hendrix, Tomorrow, Jeff Beck Group y Small Faces, entre otros. (La duquesa de Bedford asistió, creyendo erróneamente que sería un espectáculo de flores.) Los actos de rock también aparecieron en el cartel del Festival Nacional de Jazz y Blues, un evento anual que había comenzado en 1961. En agosto de 1967 el festival se llevó a cabo en Windsor e incluyó a Cream, Tomorrow, Donovan y el mundo loco de Arthur Brown. Siguieron otros conciertos a gran escala en Francia, Italia y Suiza. Los festivales británicos posteriores más importantes se celebraron en el Hyde Park de Londres en julio de 1969 (organizado por los Rolling Stones en honor al recientemente fallecido Brian Jones), y el Festival de la Isla de Wight en agosto de 1970. Los festivales de la Isla de Wight comenzaron en 1968, cuando unas 10.000 personas disfrutaron de una factura de un día que incluía el mundo loco de Arthur Brown y Jefferson Airplane. El festival de 1969 fue una empresa mucho más ambiciosa: se amplió a dos días e incluyó a Bob Dylan y The Band en una lista junto con The Who, The Moody Blues y The Nice, y atrajo a unos 150.000 asistentes. Las estimaciones conservadoras sitúan la asistencia al enorme Festival de la Isla de Wight de 1970 en 500.000, y este festival sigue siendo uno de los más grandes que se hayan celebrado en Gran Bretaña. El programa incluyó una mezcla de artistas consagrados y actos emergentes que se harían famosos en los años siguientes. A The Doors, Donovan y Jimi Hendrix (en su última actuación pública) se unieron Emerson, Lake & Palmer, Jethro Tull y Chicago

La fracturación de la audiencia de radio estadounidense:

AM versus FM.

 La música psicodélica nunca tuvo la intención de atraer a los adolescentes o preadolescentes. Como folk, era música dirigida a oyentes en edad universitaria. Con el desarrollo de la radio FM de formato libre en 1967 y su expansión a los mercados de radio en todo el país, comenzó a desarrollarse una distinción importante entre el pop AM orientado a un solo y el rock FM orientado a los álbumes: los oyentes más jóvenes tendían hacia el dial AM mientras que hermanos escuchaban FM. A finales de la década, el formato de forma libre se estaba volviendo algo más organizado y, a mediados de la década de 1970, las crecientes limitaciones del formato de rock orientado a álbumes (AOR) provocaron un gran debate dentro de la comunidad del rock. Sin embargo, a fines de la década de 1960, era posible sintonizar una estación de AM y escuchar a los Monkees, la Quinta Dimensión, la Asociación y muchos otros artistas orientados al éxito, mientras que el dial FM podía reproducir pistas más largas de álbumes de grupos que no lo hacían. han golpeado sencillos. Hubo algunos cruces: "Light My Fire" de The Doors se trazó como un sencillo pop, por ejemplo, en una versión editada que eliminó gran parte de los solos instrumentales de la sección central. Esta separación por grupos de edad dentro del mercado del rock presagió la fragmentación aún mayor de ese mercado en la década de 1970, incluso entre las estaciones de rock FM. Como veremos más adelante, la música rock en la década de 1970 tomó la era psicodélica como punto de partida, tomando características musicales que coexistían dentro de la psicodelia y separándolas para un mayor desarrollo.

LECTURAS RECOMENDADAS:

Nick Bromell, Tomorrow Never Knows: Rock and Psychedelics in the 1960s (University of Chicago Press, 2002).

Ray Coleman, Clapton! An Authorized Biography (Pan Books, 1995).

Jim DeRogatis, Kaleidoscope Eyes: Psychedelic Rock from the ’60s to the ’90s (Citadel

Press, 1996).

James Henke and Parke Puterbaugh, eds., I Want to Take You Higher: The Psychedelic

Era 1965–1969 (Chronicle Books, 1997).

Michael Hicks, Sixties Rock: Garage, Psychedelic, and Other Satisfactions (University

of Illinois Press, 2000).

Jerry Hopkins and Daniel Sugerman, No One Here Gets Out Alive (Grand Central

Publishing, 2006).

Timothy Leary, Ralph Metzner, and Richard Alpert, The Psychedelic Experience: A

Manual Based on the Tibetan Book of the Dead [1964] (Citadel Press, 2000).

Ray Manzarek, Light My Fire: My Life with the Doors (Century, 1998).

John McDermott with Eddie Kramer, Hendrix: Setting the Record Straight (Warner

Books, 1992).

Gene Sculatti and Davin Seay, San Francisco Nights: The Psychedelic Music Trip,

1965–68 (St. Martin’s Press, 1985).

Joel Selvin, Summer of Love: The Inside Story of LSD, Rock and Roll, Free Love, and

High Times in the Wild West (Cooper Square Press, 1999).

Grace Slick with Andrea Cagan, Somebody to Love? A Rock-and-Roll Memoir (Warner

Books, 1998).

Derek Taylor, It Was Twenty Years Ago Today (Simon and Schuster, 1987).

Chris Welch with Steve Winwood, Steve Winwood: Roll with It (Perigee, 1990).

Tom Wolfe, The Electric Kool-Aid Acid Test (Picador, 2008).

https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html

22. HISTORIA DEL ROCK- 60s - PSICODEDIA 1966/1969 - (4ª parte) LOS ÁNGELES Y NUEVA YORK

 

LOS ÁNGELES Y NUEVA YORK

The Byrds y Buffalo Springfield.

Las subculturas psicodélicas más importantes tenían su sede en San Francisco y Londres, pero otras ciudades estadounidenses también participaron en el crecimiento del movimiento psicodélico. Junto con los Mamas and the Papas y los Beach Boys, los Byrds estuvieron entre las bandas más exitosas que surgieron en Los Ángeles a mediados de la década de 1960. Después de la controversia sobre "Eight Miles High" en el verano de 1966, el grupo lanzó Fifth Dimension (1966), que contenía "Eight Miles High" y "Mr. Spaceman ”(1966)

, el primer intento de la banda de mezclar rock con música country. Si bien esto fue más la excepción que la regla para los Byrds en 1966, en 1968 habían lanzado Sweetheart of the Rodeo, a menudo citado como un álbum fundamental en el desarrollo del country rock.

 A finales de 1967, David Crosby había dejado el grupo para unirse al vocalista de Hollies, Graham Nash, y al guitarrista Stephen Stills. Stills había disfrutado de un éxito moderado con Buffalo Springfi  cuyo sencillo "For What It's Worth" había alcanzado el número siete en las listas estadounidenses a principios de 1967. Crosby, Stills y Nash (en ocasiones acompañados por el ex guitarrista de Buffalo Springfield, Neil Young) se convirtieron en uno de los primeros supergrupos de la década de 1970. . A medida que estos artistas establecidos se dirigían hacia nuevas direcciones musicales, otros músicos estaban emergiendo de la escena de Los Ángeles.

The Doors y Jim Morrison:

 Volviendo al lado oscuro.

The Doors se formaron en Los Ángeles en 1965 por el cantante y letrista Jim Morrison y el tecladista Ray Manzarek, tomando su nombre del poeta británico del siglo XVIII William Blake (a través del libro de Aldous Huxley The Doors of Perception). Completando la alineación estaban el guitarrista Robbie Krieger y el baterista Jon Densmore. Los Doors llamaron la atención por primera vez con su sencillo “Light My Fire” (1967).

 El cuarteto produjo una marca a menudo malhumorada de psicodelia basada en el blues de finales de la década de 1960 con una tendencia a detenerse en los aspectos más oscuros de la vida emocional, quizás mejor ejemplificada por "The End", una pieza dramática e impactante en la que Morrison recita y luego grita sus deseos edípicos. 

Si la mayor parte de la psicodelia en 1967 parecía centrarse en el lado positivo del consumo de drogas, el camino hacia la conciencia superior y la liberación, los Doors parecían decididos a explorar las avenidas abiertas por el "mal viaje", comenzando con la primera pista en el primer. álbum, "Break on Through". Las letras de Morrison están llenas de imágenes grotescas e inquietantes de alienación y represión, y sus payasadas en el escenario llevaron a un nuevo nivel la imagen de chico malo, inconformista y abiertamente sexual cultivada por Elvis Presley y Mick Jagger. Con el tercer álbum de la banda, Waiting for the Sun ( 1968), Morrison presentó un alter ego, Lizard King. La idea de que un cantante de rock asumiera una personalidad en el escenario influiría en muchos otros artistas, incluidos Alice Cooper, David Bowie, Peter Gabriel y Madonna. Si bien la música del grupo se fue refinando cada vez más a lo largo de los seis álbumes de estudio desde The Doors (1967) hasta LA Woman ( 1971), su estilo se mantuvo relativamente estable ya que la banda produjo varios sencillos de éxito, incluido "Hello , I Love You ”( 1968),“ Touch Me ”(1969) y“ Love Her Madly ”( 1971). L.A. Woman, sin embargo, sería su último álbum, ya que Morrison murió en circunstancias misteriosas en 1971.

 

Love, Iron Butterfl y  Vanilla Fudge.

 Formada en 1965 por el cantante y guitarrista Arthur Lee, Love jugó un papel importante en la escena psicodélica de Los Ángeles, aunque nunca alcanzó el nivel de éxito de grupos como The Byrds o The Doors. Love firmó con Elektra antes que The Doors, y recomendó The Doors al sello discográfico. El primer sencillo de Love, "My Little Red Book" (1966), fue una versión rock de una canción de Burt Bacharach y Hal David, y gran parte de la otra música antigua del grupo muestra fuertes influencias de Byrds y Rolling Stones. A raíz del Sgt. Pepper, Love lanzó su tercer y más célebre álbum, Forever Changes (1967), que incluía pistas ambiciosas, a veces empleando acompañamiento orquestal, letras embriagadoras y densas armonías vocales.

 

 Tan oscuro como los Doors pudieron ponerse, la banda más pesada de finales de la década de 1960 fue Iron Butterfl y. Formados en San Diego en 1966, saltaron a la escena con su segundo álbum, In-a-Gadda-Da-Vida, que alcanzó el número cuatro en los Estados Unidos durante el verano de 1968. La canción principal de diecisiete minutos de este álbum esta lleno de solos extendidos de órgano, guitarra, bajo y batería que servirían de modelo para casi todos los shows de rock en vivo en los años siguientes. El pesado y amenazador riff inicial de la canción y las referencias a la música clásica de órgano (quizás exagerada a propósito para un efecto melodramático similar a una mala película de terror), establecieron algunas de las características que se desarrollarían en la música heavy metal temprana de Black Sabbath, Deep Purple e incluso Led Zeppelin . 

De vuelta en Nueva York, Vanilla Fudge se ganó la reputación de tomar canciones pop simples y convertirlas en versiones elaboradas y, a menudo, largas. “You Keep Me Hangin 'On” ( 1967) es un ejemplo representativo: la banda toma una canción de dos minutos de las Supremes y Holland-Dozier-Holland y la convierte en un movimiento psicodélico de cinco minutos con dramatismo cambios dinámicos y líneas de sitar. 

La ambición musical ejemplificada por estas versiones psicodélicas-sinfónicas hizo de Vanilla Fudge, como muchos otros grupos discutidos en este capítulo, una influencia temprana y significativa para muchas de las bandas de rock progresivo que surgirían en la década de 1970.

Dylan y The Band

Justo cuando los Byrds se volvían hacia la música country, Bob Dylan hizo un giro similar en su música. Marcado por un accidente de motocicleta en 1966, Dylan se retiró a Woodstock, Nueva York, donde continuó su trabajo de grabación con The Band. El baterista Levon Helm (el único estadounidense), el guitarrista Robbie Robertson, el bajista Rick Danko, el pianista Richard Manuel y el organista Garth Hudson (todos canadienses) habían tocado en el circuito de bares de Ontario detrás del cantante de rockabilly Ronnie Hawkins a principios de la década de 1960 y, sin Helm, respaldado Dylan en su gira mundial en 1965 y 1966. Las extensas sesiones de este período entre Dylan y The Band fueron lanzadas en 1975 como The Basement Tapes . Los álbumes lanzados por estos músicos en 1968, The Band’s Music from Big Pink y John Wesley Harding de Dylan , fueron colaboraciones que se convirtieron en discos importantes para el surgimiento del country rock. Puede parecer extraño que una banda compuesta en su mayoría por canadienses pueda desempeñar un papel tan central en la redefinición del rock estadounidense, pero los miembros de the Band eran estudiantes experimentados de estilos musicales rurales estadounidenses. Así como se necesitó una colección suelta de bandas británicas para introducir a muchos estadounidenses a su propio blues eléctrico a mediados de la década de 1960, un grupo de canadienses ayudó a presentar al público estadounidense la música americana durante la última parte de la década.

 

HISTORIA DEL ROCK 1968

 

21.HISTORIA DEL ROCK- 60s - PSICODEDIA 1966/1969 - (3ª parte) LA ESCENA DE LONDRES

 

LA ESCENA DE LONDRES

El auge del undergound británico.

En 1965, mientras los Grateful Dead se dedicaban al blues eléctrico y Jefferson Airplane ensayaba para su debut, el poeta Beat Allen Ginsberg estaba en Londres ayudando al dueño de la librería Barry Miles a organiza una lectura de poesía que contó con varios autores estadounidenses y europeos, incluidos Lawrence Ferlinghetti y Gregory Corso. Convencidos de que Miles’s Better Books era demasiado pequeño para contener a la multitud que esperaban atraer, los organizadores alquilaron el Royal Albert Hall. En junio de 1965, "Poetas del mundo /poetas de nuestro tiempo. Las drogas no eran del todo nuevas para la cultura del rock en el Reino Unido. Los Beatles conocieron la marihuana a finales de 1964, y John Lennon y George Harrison ya habían experimentado el LSD en la primavera de 1965 (lo introdujeron en secreto en su café después de cenar en la casa de un conocido). Pero al igual que en San Francisco, una comunidad de jóvenes en Londres comenzaba a formarse en torno a las drogas, la filosofía oriental, la política radical y la música experimental. A fines de enero de 1966, se inició una serie de eventos semanales denominados Espontáneo underground. que combinaba poesía, música y artes escénicas de vanguardia. Celebrados en el Marquee Club los domingos, estos eventos fueron similares a las pruebas de fuego de Kesey, aunque en menor escala. En febrero, Barry Miles, John Dunbar (el esposo de Marianne Faithfull) y Peter Asher (del dúo musical Peter and Gordon y hermano de la novia de Paul McCartney, Jane) abrieron una librería y galería llamada Indica. La Indica, similar a la Psychedelic Shop, se especializaba en artículos de contracultura, y fue aquí donde John Lennon conoció por primera vez The Psychedelic Experience. A diferencia de la escena de San Francisco, el underground de Londres contaba con una especie de escuela nocturna contracultural donde los estudiantes podían estudiar temas como problemas de vivienda, relaciones raciales, salud mental y derecho. Denominada London Free School, comenzó a celebrar reuniones en marzo de 1966.

Clubes subterráneos en el Swinging London.

En abril de 1966, justo cuando la escena psicodélica de Londres estaba ganando impulso y seguía siendo desconocida para cualquiera fuera de ella, la revista Time publicó un artículo de portada sobre "Swinging London", centrándose en lo que los editores de Nueva York percibían como un refrescante estilo de vida urbano. con glamurosos locales nocturnos atendidos por estrellas de moda adornadas con modas atrevidas y coloridas. 

El verano de 1966 vio a jóvenes turistas acudiendo a Londres para disfrutar de algo de la emoción, pero la escena psicodélica se desarrolló en su mayor parte fuera de su vista. En octubre, el International Times comenzó a publicarse, proporcionando a la floreciente escena un periódico dedicado a sus preocupaciones, y antes de fin de año se estableció el UFO Club. A diferencia del Fillmore o el Avalon en San Francisco, el OVNI era más una organización que un lugar. Las noches de ovnis ocurrieron en un lugar que fue un pub irlandés durante el resto de la semana. Cuando usar esa barra se convirtió en un problema, el OVNI simplemente se trasladó. Mientras que otros clubes también presentaban música psicodélica (incluso algunas de las mismas bandas, como Pink Floyd, Soft Machine, Tomorrow y Crazy World of Arthur Brown), durante la mayor parte de 1967, el UFO fue la reunión más destacada del underground psicodélico. en Londres. También ocurrieron eventos mayores durante este período. A finales de abril de 1967, una noche de psicodelia reunió a 10.000 hippies londinenses. Llamado “El sueño en tecnicolor de 14 horas”, el evento que duró toda la noche se llevó a cabo en Alexandra Palace, un palacio victoriano con vista a Londres. Los acontecimientos de vanguardia (uno supervisado por Yoko Ono), un espectáculo de luces y una larga lista de bandas estaban destinados a intensificar las experiencias químicamente mejoradas de los asistentes. Un mes después, Pink Floyd patrocinó un evento similar, "Games for May", que se llevó a cabo en Queen Elizabeth Hall, y en julio, un "Love-In" en el Alexandra Palace presentó a Pink Floyd, Tomorrow, the Crazy World of Arthur Brown y The Animals. En agosto, cuando se estableció el Club de la Tierra Media para noches similares a las organizadas por el OVNI, poco sobre la psicodelia ya estaba bajo tierra: a raíz de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, parecía que la psicodelia estaba en todas partes.

 

A London Timeline

June 1965: “Poets of the World/Poets of Our Time,” Royal Albert Hall

September 1965: Michael Hollingshead opens World Psychedelic Center

 January 30, 1966: Spontaneous Underground weekly events begin (Marquee Club)

February 1966: Indica Bookshop and Gallery opens

March 1966: London Free School is launched

April 1966: Time cover story on Swinging London

October 1966: International Times begins publication

December 1966: UFO evenings begin

April 1967: “The 14-Hour Technicolor Dream,” Alexandra Palace

 May 1967: “Games for May,” Pink Floyd, Queen Elizabeth Hall

 July 1967: “Love-In,” Pink Floyd, Tomorrow, the Animals, Arthur Brown, Alexandra Palace August 1967: Middle Earth evenings begin

Notas musicales del underground:

 Pink Floyd, Soft Machine y Tomorrow.

 En general, hubo dos tipos de bandas en la escena londinense durante el período 1966-69: las que disfrutaron del éxito comercial (The Beatles, The Stones, Cream, Jimi Hendrix, Donovan) y aquellas cuyo éxito se limitó al underground londinense. La primera banda en hacerse un nombre en la escena underground se formó en 1965 y tomó su nombre de los bluesmen estadounidenses Pink Anderson y Floyd Council. Inicialmente llamándose a sí mismos Pink Floyd Sound, luego simplemente Pink Floyd, la banda se convirtió en asiduos en los eventos Spontáneo Underground y más tarde en el UFO Club. La banda tomó su nombre del blues, pero gran parte de su enfoque estaba más en deuda con la música artística de vanguardia. Las improvisaciones extendidas del grupo a menudo prescindían de patrones de acordes y escalas y se adentraban en la creación de ruidos exploratorios, producidos tocando sus instrumentos de formas no convencionales o alimentando sus guitarras eléctricas y teclados a través de dispositivos de eco de cinta. Si bien el líder y guitarrista Syd Barrett, el bajista Roger Waters, el organista Richard Wright y el baterista Nick Mason podían tocar canciones como "Interstellar Overdrive" durante media hora, también tenían un par de sencillos exitosos para la radio a mediados de 1967, escritos por Barrett. "Arnold Layne", una canción sobre un travesti que roba ropa de mujer de los tendederos de otras personas por la noche, que de alguna manera evitó ser prohibida por la BBC, alcanzó el número veinte en las listas de éxitos del Reino Unido.

 La continuación, "See Emily Play", alcanzó el número seis. Sin embargo, la banda se negó a tocar estas canciones en vivo, prefiriendo tocar su extendido en su lugar, improvisaciones. El primer álbum de Pink Floyd, Piper at the Gates of Dawn ( 1967), fue grabado casi al mismo tiempo y en las mismas instalaciones de Abbey Road que Sgt. De los Beatles. Pepper (se informa que Paul McCartney visitó al menos una de las sesiones). 

Sin embargo, Barrett pronto comenzó a mostrar signos de enfermedad mental, y durante una gira estadounidense en 1967, se volvió incapaz de actuar de manera confiable. El guitarrista y amigo de Barrett, David Gilmour, fue contratado para cubrir, pero finalmente reemplazó a Barrett por completo. A la luz del tremendo éxito que tuvo la banda en todo el mundo en la década de 1970 es sorprendente que su éxito antes de The Dark Side of the Moon (1973) se limitara al Reino Unido. El grupo obtuvo una serie de álbumes de éxito en Gran Bretaña, incluidos A Saucerful of Secrets (1968), More (1969), Ummagumma (p74 uk5, 1969) y Atom Heart Mother ( 1970), pero nunca podría romper el Top 40 de las listas de álbumes en los Estados Unidos. Sus conciertos en Londres durante 1966-68, a menudo acompañados de elaborados espectáculos de luces y tocados para audiencias que se tropezaban con ácido, los convirtieron en una de las bandas más importantes del underground psicodélico de Londres. Soft Machine también actuó regularmente para el UFO Club y otros eventos psicodélicos en Londres. Combinaban la pasión por la rareza experimental con la inclinación por el free jazz de Ornette Coleman y John Coltrane. A diferencia de Pink Floyd, el grupo nunca tuvo un sencillo exitoso y solo tuvo un éxito modesto con sus álbumes. The Soft Machine, un lanzamiento de 1968 solo en EE. UU., No llegó a las listas (la banda estaba de gira por Estados Unidos en ese momento, abriendo para Jimi Hendrix). En 1966-68, la banda alternó secciones cortas similares a canciones con improvisaciones de vanguardia. Después de esto, en una serie de álbumes numerados (Volumen Dos, Tercero, Cuarto, etc.), la banda tendió hacia la fusión de jazz y se convirtió en pionera de la fusión de jazz británica llamada rock progresivo de Canterbury.

 Tomorrow fue otra banda que se convirtió en habitual en eventos de ovnis y en la escena de Londres. Con el guitarrista Steve Howe (que más tarde tocaría en la banda de rock progresivo Yes) y el vocalista Keith West, la banda lanzó un par de sencillos que fueron populares en Londres pero que no llegaron a las listas. Uno de ellos, "My White Bicycle", exhibe muchas de las características psicodélicas que se encuentran en otros discos: sonidos de cinta al revés, melodías exóticas con sonido oriental y letras pop simples. 

Los Rolling Stones:

¿Ritmo y blues psicodélicos?

 Si bien Pink Floyd, Soft Machine y Tomorrow fueron componentes importantes de la floreciente escena psicodélica de Londres en 1966-67, otras bandas y artistas británicos disfrutaron de un perfil mucho más alto, especialmente después de junio de 1967. Los primeros entre ellos fueron sin duda los Beatles. Los Rolling Stones también siguieron componiendo éxitos en singles y álbumes durante la segunda mitad de la década de 1960. Nuevas bandas como Cream, Jimi Hendrix Experience y Traffic surgió en los meses previos al Summer of Love, basándose en la pasión de los Stones por el blues eléctrico. El cantante folclórico Donovan Leitch también recurrió al poder de las flores y proporcionó una versión más ligera de la psicodelia británica. A fines de 1966, la contribución de Brian Jones a la música de los Rolling Stones había disminuido considerablemente y la asociación de compositores Jagger-Richards comenzó a dominar la música de la banda. Su séptimo álbum, Aftermath, fue el primero en contener solo canciones de Jagger-Richards, asegurando su papel como líderes de grupo. Sin embargo, a pesar de su posición bien establecida como una de las bandas líderes de la música rock, los Stones siguieron siendo colegas jóvenes de los Beatles, lo que fue evidente en la segunda mitad de 1967, cuando la banda preparó la solicitud de sus majestades satánicas en respuesta al sargento Pimienta. Jagger había estado presente en las sesiones de Sgt. Pepper y apareció con los Beatles en su transmisión mundial de "All You Need Is Love" en julio de 1967.

 Jagger también había acompañado a los Beatles cuando viajaron a Gales para estudiar con el Maharishi más tarde ese verano. El verano y el otoño de 1967 habían sido difíciles para Jones, Jagger y Richards. Cada uno fue condenado por cargos de posesión de drogas y se enfrentaba a la posibilidad de cumplir una pena de prisión. El sencillo "We Love You" fue la forma en que la banda agradeció a los fans por su apoyo durante las pruebas. Llegó al número ocho en el Reino Unido en el otoño de 1967 y proporcionó un eco algo más oscuro de "All You Need Is Love" de los Beatles. 

Lanzado en diciembre de 1967, Their Satanic Majesties Request  presentaba una imagen de portada holográfica de la banda vestida con atuendos de magos: 

si los Beatles fueran una banda de música despreocupada, los Stones se harían pasar por magos amenazantes de lo oculto. . El sencillo "Ella es un arco iris" ilustra la Influencia de los Beatles en los Stones: la melodía emplea instrumentos orquestales y una figura de piano de sonido clásico que se repite con frecuencia, rompiendo cada vez el ritmo constante de la música. 

Este álbum sigue siendo una fuente de desacuerdo entre los escritores de rock. Algunos consideran que es el punto más bajo de los Rolling Stones, un proyecto que falla al intentar imitar demasiado a los Beatles. Otros piensan que es un paso interesante y quizás necesario en el desarrollo de la banda. La mayoría de los escritores están de acuerdo, sin embargo, en que los Rolling Stones se convirtieron en una banda cuando dejaron de preocuparse por lo que estaban haciendo los Beatles y volvieron a sus raíces de ritmo y blues. El ritmo duro de "Jumpin 'Jack Flash" ( 1968) da la primera indicación de esta nueva orientación estilística, y el siguiente álbum de la banda, Beggar’s Banquet ( 1968), lo confirma. , El manager de los Stones, Andrew Loog Oldham, había comercializado a la banda como chicos malos a partir de 1964. A finales de 1967, Oldham ya no dirigía el grupo, pero esto no impidió que los Stones amplificaran la imagen de forajido. que había sido cristalizado por el escándalo sobre "(No puedo obtener ninguna) satisfacción". A raíz de sus problemas legales ampliamente publicitados, y en un momento en que la contracultura cambió para incluir los disturbios y las protestas contra la guerra de 1968, "Street Fighting Man" de los Stones fue prohibido en la radio porque las autoridades pensaron que podría alimentar la violencia. Cuando Jagger adoptó el papel de Lucifer para cantar "Sympathy for the Devil" en 1968, estaba claro que la participación de la banda con el poder de la flor había terminado. 

Cream: British Blues on Acid

 La primera banda de rock en ser catalogada como un “supergrupo” se formó en julio de 1966 cuando Eric Clapton (antes en los Yardbirds), el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker formaron Cream. Individualmente habían tocado en bandas de blues británicas con Alexis Korner, John Mayall y Graham Bond, y la idea inicial era que el trío se centrara en el blues tradicional. La banda eventualmente cubrió varios temas tradicionales de blues, incluyendo "Crossroads" de Robert Johnson y "Rollin’ and Tumblin ’de Muddy Waters". Pero Clapton había ayudado a desarrollar las secciones instrumentales de "rave-up" que habían sido una característica de los shows en vivo de los Yardbirds, y estas se convirtieron en un elemento importante en las adaptaciones de blues de Cream. La versión en vivo de "Spoonful" de Willie Dixon que se encuentra en Wheels of Fire (1968) es típica. Incluye una larga raveup instrumental y dura casi diecisiete minutos. 

Si bien el enfoque de la música estaba a menudo en la guitarra de Clapton, Bruce y Baker también eran músicos consumados que solía de vez en cuando. El solo de batería de Baker en "Toad", por ejemplo, se convirtió en un modelo para muchos bateristas de rock. Clapton fue ampliamente celebrado en Inglaterra como el "dios" de la guitarra y ayudó a popularizar la distorsión y el pedal wah-wah entre los guitarristas. Aunque el blues era un elemento central en la música de Cream, la banda también tenía un don para los sencillos pop, demostrado por el éxito de "I Feel Free" ( 1966) y "Strange Brew" (1967) en la primera año de su carrera. Inicialmente, el éxito de la banda fue mayor en el Reino Unido, donde los miembros de la banda ya eran bien conocidos. Fresh Cream, el primer álbum del grupo, alcanzó el número seis en las listas del Reino Unido a principios de 1967. A raíz de Summer of Love, la nueva pasión por la música psicodelica llevó a Disraeli Gears al número cuatro en las listas estadounidenses en el otoño, y Wheels of Fire subió al número uno un año después. Mientras que el enfoque de la música de los Beatles y Beach Boys estaba en expandir los límites de las técnicas de composición y grabación de rock, Cream se basó más en la interpretación virtuosa. La inclinación de Cream por los solos instrumentales es similar a la de las bandas de San Francisco, muchas de las cuales se inspiraron en las adaptaciones de los Rolling Stones y Yardbirds del blues eléctrico estadounidense. Si bien los guitarristas de San Francisco eran más conocidos por las bandas en las que tocaban, Clapton y Hendrix se hicieron famosos como solistas, dando paso a la idea del "héroe de la guitarra". A pesar de toda la emoción generada por Cream, la banda permaneció junta por solo dos años. En noviembre de 1968, la banda realizó un concierto de despedida en el Royal Albert Hall de Londres. Los tres miembros pasaron a carreras en solitario, aunque Clapton fue el más exitoso, consiguiendo sencillos y álbumes de éxito en las décadas de 1970, 1980 y 1990.

Adaptaciones de Cream's Blues.

Una de las pistas más conocidas de Cream es "Sunshine of Your Love", escrita por Clapton, Bruce y el letrista Pete Brown ( 1968). La canción está construida alrededor de una figura de guitarra central (a veces llamada "riff" o "lick") que se repite en la guitarra y el bajo durante gran parte de la canción. (La técnica de construir un número de blues alrededor de un riff central es común en el blues eléctrico estadounidense). En "Sunshine of Your Love", este riff central se combina con la estructura de blues de 12 compases para crear versos que se repiten a lo largo de la melodía de acuerdo con el diseño formal de verso simple. El patrón de 12 compases se duplica a veinticuatro compases, aunque las proporciones siguen siendo las mismas: la primera frase de 4 compases ahora tiene 8 compases, y la segunda y tercera frases se expanden de la misma manera. La tercera frase se aparta un poco de la versión estándar de blues, pero se deriva claramente de ese patrón. Al modificar elementos dentro del marco estructural del blues de 12 compases, Cream crea una canción de blues-rock original que se basa y amplía las técnicas y patrones tradicionales del blues. 

The  Jimi Hendrix experience: el blues psicodélico se encuentra con la vanguardia.

Jimi Hendrix, nacido en Seattle, es uno de los guitarristas más influyentes en la historia de la música rock. Hendrix pasó la primera mitad de la década de 1960 (con la excepción de un corto período de servicio en el ejército de los EE. UU.) Tocando en varias bandas, incluidas temporadas con Little Richard y los Isley Brothers. En 1964 se mudó a Nueva York, donde trabajó con el cantante de soul Curtis Knight antes de formar su propia banda, Jimmy James and the Blue Flames. En julio de 1966, el bajista de Animals, Chas Chandler, ¿vio la actuación de Hendrix en Café Wha? en Greenwich Village y se ofreció a manejar al guitarrista. Chandler llevó a Hendrix a Londres en septiembre, donde formó la experiencia Jimi Hendrix con Hendrix, el baterista Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding. A pesar de ser estadounidense, Hendrix fue el primero en dejar su huella en la escena psicodélica de Londres. A principios de 1967, la interpretación de The Experience de "Hey Joe" ocupaba el sexto lugar en las listas de éxitos del Reino Unido, seguida de "Purple Haze"  en mayo. 

¿El primer álbum de la banda, Are You Experienced? (1967), fue un tremendo éxito en el Reino Unido durante la segunda mitad de 1967. Ascendió al puesto número dos detrás del Sgt. Pepper. El éxito de Hendrix en los Estados Unidos siguió a su aparición en el Festival Internacional de Pop de Monterey en el verano de 1967 Su primer álbum no fue lanzado en los Estados Unidos hasta agosto, y aunque le fue bien, "Purple Haze" alcanzó sólo el número sesenta y cinco y "Foxey Lady" se estancó en el número sesenta y siete en las listas de singles estadounidenses. A principios de 1968, Axis: Bold as Love estaba en el número tres en los Estados Unidos , y la banda siguió con Electric Ladyland ( 1968) y la compilación Smash Hits ( 1968;  1969). En el verano de 1969, pocas semanas antes de su legendaria actuación en Woodstock, the Experience se separó después de que Hendrix comenzara a explorar diferentes materiales más basados en el blues. Durante el año siguiente, Hendrix actuó y grabó ampliamente con muchos músicos diferentes, incluido el grupo Band of Gypsys. El 18 de septiembre de 1970, Jimi Hendrix murió de una sobredosis de drogas, interrumpiendo una carrera de menos de cuatro años en el centro de atención. “Purple Haze” y “Foxey Lady” de Are You Experienced? son buenos ejemplos de la distintiva mezcla de blues y pop de Hendrix. Ambas pistas emplean progresiones de acordes y materiales melódicos derivados del blues eléctrico para formar "ganchos" pop efectivos. En "Purple Haze", la línea, "Disculpe mientras beso el cielo", es seguida por una respuesta pegadiza en la guitarra, al igual que la línea titular "¡ Foxey Lady!" es respondida de forma paralela por la guitarra. Hay muchos ejemplos de la música experimental de Hendrix. "If 6 Was 9", de Axis: Bold as Love, dura más de cinco minutos, con tres minutos de ejecución instrumental con novedosos efectos de sonido de guitarra y algo de narración contracultural. Quizás la pista experimental más ambiciosa de Hendrix, "1983 (A Merman I Should Turn to Be)" de Electric Ladyland, llega en poco menos de catorce minutos. Después de unos cuatro minutos de la canción propiamente dicha (que está llena de efectos de cinta hacia atrás), la banda se lanza a una serie de secciones instrumentales atmosféricas sueltas que permiten a Hendrix, Mitchell y Redding una amplia oportunidad de brillar individualmente antes de terminar con una repetición de la canción. canción.

 Inmediatamente después de la pista está la pieza electrónica corta, “Moon, Turn the Tides. . . suavemente ", que añade un toque final claro y vanguardista a" 1983 ". La experimentación de Hendrix en el estudio de grabación (a menudo trabajó muy de cerca con el ingeniero Eddie Kramer) claramente amplía el trabajo realizado por otros, especialmente los Beatles y los Beach Boys. Su virtuosismo como guitarrista sirvió de modelo para muchos importantes músicos de rock que lo siguieron, y sus innovaciones sonoras que empleaban la retroalimentación y la barra de vibrato de la guitarra eléctrica fueron muy imitadas. Sus interpretaciones eran flotantes y, a menudo, sexualmente sugerentes o físicamente destructivas, prendiendo fuego a la guitarra o destruyéndola de alguna otra manera, y se convirtieron en el material de la leyenda del rock. 

Traffic 

 A principios de 1967, el Grupo Spencer Davis disfrutaba de un gran éxito. En los seis meses anteriores, la banda tuvo dos sencillos entre los diez primeros en los Estados Unidos y el Reino Unido. Durante ese tiempo, sin embargo, también circularon rumores de que Stevie Winwood, de dieciocho años, dejaría el grupo. El tremendo éxito del Spencer Davis Group trajo consigo limitaciones musicales que Winwood estaba ansioso por abandonar en favor de explorar preocupaciones más "musicales". Winwood dejó la banda y formó Traffic en abril de 1967 con el baterista Jim Capaldi, el guitarrista Dave Mason y el flautista/ saxofonista Chris Wood.

El primer sencillo de la banda, "Paper Sun" fue lanzado en mayo de 1967 y capturó el carácter caprichoso del emergente poder de las flores británicas con sus compases iniciales de sitar y voz alegre melodía. El próximo sencillo de la banda, "Hole in My Shoe" lo hizo aún mejor, llegando al número dos en el Reino Unido

A finales de 1967, la banda lanzó su primer álbum, Mr. Fantasy, que alcanzó el número ocho en el Reino Unido. Con su segundo álbum, Traffi c ( 1968), el grupo finalmente logró un éxito en los Estados Unidos, que aumentó con el lanzamiento de Last Exit (1969). Mientras que Spencer Davis Group se había arraigado firmemente en el rhythm and blues, Traffic experimentó con una amplia gama de estilos. Las pistas del primer álbum combinan pop psicodélico y blues ("Heaven Is in Your Mind") con ritmos latinos ("Dealer"), instrumentación clásica ("No Face, No Name, No Number") y solos de jazz ("Colored rain"). El grupo se disolvió a principios de 1969 y Winwood pasó a tocar con Clapton y Baker en Blind Faith antes de reformar Traffic con Wood y Capaldi a principios de los 70s

Van Morrison

El cantautor irlandés Van Morrison llegó por primera vez a las listas de éxitos como miembro de la banda Them, cuyo "Baby Please Don't Go" ( 1964) y "Here Comes the Night" ( 1965) tuvieron éxito en el REINO UNIDO. La grabación de la banda de "Gloria", la cara B de "Baby Please Don’t Go", se convirtió en un clásico de la banda de garaje y fue la versión más famosa de Patti Smith (1976). En 1967, Morrison había emprendido una carrera en solitario, y este movimiento recibió un impulso sustancial gracias al éxito comercial de “Brown Eyed Girl” , una canción que ha sido un elemento básico de la radio estadounidense desde entonces. 

Por muy pegadizas que puedan ser sus canciones de éxito, Morrison también tenía un lado más experimental, que se mostró claramente en el álbum de 1968 Astral Weeks. Grabado en Nueva York en menos de dos días, la cruda soltura del álbum influyó en muchos cantautores posteriores, aunque fue más un éxito crítico que comercial. Las pistas de Astral Weeks reúnen una amplia variedad de estilos, que incluyen música folclórica acústica, jazz, clásica y rhythm and blues, y muchas de las pistas se grabaron con músicos de estudio de primer nivel que improvisaron en apoyo de Morrison. 

Esta dimensión altamente improvisada de la música tiene una cierta cualidad aleatoria (azar) que fue popular tanto en el jazz como en las actuaciones de vanguardia de la década de 1960. También hay conexiones con los aspectos experimentales de las actuaciones de Pink Floyd o las prácticas de estudio aleatorias que se encuentran en el Himno del sol de Grateful Dead. La música es suelta e improvisadora, pero rara vez disonante o angular: es impresionista, jazzística y está llena de un sentido de misticismo poético. Morrison llegó a ser un importante cantautor en la década de 1970,.

Donovan y el folklore psicodélico.

Nacido como Donovan Philips Leitch, Donovan atrajo por primera vez la atención internacional como cantante y compositor tradicional con su sencillo de 1965 "Catch the Wind" . Al igual que la música de Bob Dylan, la música folclórica antigua de Donovan estuvo fuertemente influenciada por Woody Guthrie. 

A medida que el folk rock se desarrolló a mediados de 1965, Donovan adaptó su música al nuevo estilo utilizando guitarras eléctricas, teclados, bajo y batería en sus arreglos. Entre los muchos músicos de estudio que tocaron en las grabaciones de Donovan estaban los futuros miembros de Led Zeppelin Jimmy Page y John Paul Jones. Donovan disfrutó de una serie de sencillos exitosos en el Reino Unido y Estados Unidos, incluidos "Sunshine Superman" ( 1966) y "Mellow Yellow" ( 1966;  1967).

 Cuando la psicodelia y el poder de la flor emergieron de las escenas subterráneas regionales a la cultura dominante en 1967, el suave sentido melódico de Donovan, el rango estilístico ecléctico y las letras, a menudo místicas, lo convirtieron en una figura destacada del pacifismo hippie. Su éxito continuó con más sencillos como "Wear Your Hair like Heaven" (1967) y "Hurdy Gurdy Man" ( 1968), el segundo de los cuales presenta la interpretación no solo de Page y Jones sino también del futuro Led. El baterista de Zeppelin John Bonham. Con "Atlantis" ( 1968;  1969), Donovan llegó al borde del utopismo de la contracultura, recitando la historia del continente perdido de una manera que sugiere que su sabiduría perdida podría ayudar a reconstruir la cultura occidental. La canción concluye con una larga sección de acompañamiento similar al final de "Hey Jude" de los Beatles. Donovan permaneció activo en la década de 1970, lanzando álbumes como Cosmic Wheels ( 1973) y proporcionando música para películas, incluida Brother Sun, Sister Moon (1973) de Franco Zeffi relli. 

https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html