La música que me gusta y comparto con amigos
29 abr 2021
HEARTBREAKERS: THUNDERS VS. PETTY; OR, WHAT’S IN A NAME?
Dedicado a un amigo fan de Petty.....yo de Thunders
ROXANNE FONTANA
Johnny Thunders y Tom Petty parecen tener poco en común aparte de los nombres de sus bandas. Sin embargo, un debate reciente en Facebook sobre el origen de ese nombre llevó a la cantautora Roxanne Fontana a su propio pasado y a sus experiencias personales con estos dos rockeros. Ella retoma el cuento para PKM.
Recientemente, en un 'grupo' de Facebook dedicado a Johnny Thunders, se desató un interesante debate sobre Tom Petty. El 'grupo' de homenaje LAMF, su apodo reinventado de 'Like a Motherfucker' a 'Let's All Make Friends', está dirigido por Brooke Delarco. La respetada Delarco es productora, anteriormente la chica de sonido y la mano derecha de Terry Ork en el legendario New York City Ork Records de los años 70. La multitud en línea para esta conversación estaba realmente en algo, y dio inicio a un debate interesante. Todo comenzó con la pregunta de quién 'robó' el nombre de 'Heartbreakers' de quién, e inevitablemente condujo a comparaciones apasionadas de los dos artistas, Johnny Thunders y Tom Petty.
Ambos artistas ocupan un lugar muy querido en mi corazón (disculpe el juego de palabras), ymi propia historia personal. Como cantautor italoamericano y fanático de la música nacido y criado en el condado de Nueva York, es de esperar que sea un gran fan de Johnny Thunders. Tuve la suerte de tener la valentía, la pasión por los viajes y la antena para salir a la gran y mala ciudad de Nueva York a mediados de la década de 1970. Menor de edad, y como invitado de Long Islander 'Wild' Bill Thompson, guitarrista de The Senders, básicamente pude colarse en la escena de Max's Kansas City uno o dos años antes de que me permitieran legalmente estar allí. 'Salvaje' Bill me había apodado, en mi cara y en cualquier otra persona, como el 'niño más raro de Elmont'. Elmont es la ciudad de Long Island en la que me crié después de mi infancia en Brooklyn, y es un lugar extraño en sí mismo. La 'Puerta de entrada a Nassau', que mi joven rebelde rebautizó, la 'Puerta de entrada a ninguna parte', con sus aspiraciones a los suburbios de clase media, miente justo en el lado derecho de las vías, más allá de Queens. Una ciudad extraña con muchos cementerios y un pajarito adolescente, yo, que dirigía un club de fans internacional para Rolling Stone Brian Jones.
Nunca conocí a Johnny Thunders, ni me lo presentaron, a pesar de verlo tocar muchas veces en Max's y en los años siguientes en otros clubes de la ciudad de Nueva York y sus alrededores. Verlo en el escenario de Max's con Patti Palladin de Brooklyn de Avenue P, y asimilar sus versiones descuidadas de las canciones de Shangrilas de Queens (que eran del otro lado de la línea de Elmont en Cambria) son recuerdos que atesoro en un archivo en mi corazón etiquetado como 'Hogar'. Una noche después de un espectáculo, mientras Johnny se abría paso por el club como era necesario, para llegar al backstage, nos miramos fijamente. La mirada decía: 'Oye, linda, te estoy mirando' - 'Oye, genio adicto, te estoy mirando'. Eso es.
Por el contrario, perdí mi inocencia sexual con Tom Petty, en julio de 1978, en un hotel de Long Island. Después de ver a Tom el año anterior en el Bottom Line de Nueva York, me convertí en un mega fan. Drogado en anfetaminas, y todavía menor de edad con una identificación falsa para entrar al club, lo vi matar la escena de Nueva York en ese show el invierno anterior. Allí, en mi territorio natal de Long Island, esperé su aparición en el estacionamiento trasero del Teatro Calderone en Hempstead. Holy Ground también: un simple salto, salto y salto desde los estudios de Shadow Morton donde grabó esos Shangrilas. Tom aún no era una estrella y había abierto para la J Geils Band en el teatro más pequeño. Estaba esperando encontrarme con él para preguntarle si podía dirigir su club de fans. Pensé que encajaba a la perfección, siendo un rubio como Brian Jones, y sabía que iba a ser una gran estrella, creía en eso, tanto como él.
Roxanne Fontana y Michael Alago 1979
Avance rápido, vidas más tarde, estamos en la conversación instantánea de Internet que parece ciencia ficción en comparación con esa era anterior. En cuanto a la pregunta que se hizo sobre el nombre de la banda, The Heartbreakers: ¿quién lo tuvo primero? La estimulante conversación condujo inevitablemente a mi propia opinión.
Puedo recordar claramente la discusión que tuve con Walter Lure, en su posición comprometida de 'atar' frente a mí, para preparar heroína en su cocina de Floral Park, Long Island. Su compañera de rodaje local era mi mejor amiga, Lisa, la hija de uno de los ejecutivos discográficos más importantes de la ciudad de Nueva York. Esto es lo que dijo Walter:
Johnny le robó el nombre a Petty. Dijo que lo vio en una carpa en Florida, en un Holiday Inn. Pensó que eran una alianza ". Walter dijo que Johnny estaba allí cuando los Dolls se separaron. De hecho, los Dolls se separaron en Florida. Siempre creí esta historia, ya que este era Walter, uno de los miembros de la banda, y él lo sabría.
Pensé que encajaba a la perfección, siendo un rubio como Brian Jones, y sabía que iba a ser una gran estrella, creía en eso, tanto como él. Al verme, me eligió para un papel de groupie, que no era yo.
Sin embargo, otro fan en la discusión actual declaró que Heartbreakers de Nueva York tocaron su primer show en 1976; tenían folletos con el nombre.
La propia Delarco estuvo en el infame programa Tom Petty and the Heartbreakers CBGB durante el invierno de 1976-1977. Ese programa pasó a la historia de Nueva York como un programa en el que los miembros de la audiencia acosaban a Petty. Un miembro de la audiencia me dijo que se lanzaron cosas contra la banda en el escenario, debido a la situación del nombre de la banda. Se rumoreaba que se suponía que Petty interpretaría a Max poco después y 'se puso enfermo', para cancelar el programa y evitar lidiar con la escena de Nueva York.
“Johnny no pudo haber visto el nombre en una marquesina cuando los Dolls se separaron, porque Petty todavía era Mudcrutch, y ya no estaba en Florida cuando a Johnny se le ocurrió el nuevo nombre de la banda”, ofreció otro fan, de ambos artistas.
Mmm. La conversación continuó en muchas direcciones diferentes:
"Ambos eran adictos".
"Uno lo escondió, el otro lo alardeó".
Todo esto me intrigó, el nombre, los antecedentes ... Mi imaginación me llevó por el camino de escribir sobre ello y también de investigar un poco.
El primer show de Johnny Thunders and the Heartbreakers fue en julio de 1976 en Max's Kansas City. Curiosamente, el primer programa de Tom Petty and the Heartbreakers fue en marzo de 1976, solo unos meses antes, en el Valle de Los Ángeles. Por lo tanto, Tom Petty tenía el nombre primero, pero la historia de Walter simplemente no es cierta como se la contó. Sin embargo, esa historia vino de alguna parte; ¿Quizás el propio Johnny inventó el cuento? Posible. La aparición del lanzamiento discográfico de TP en noviembre de 1976, obviamente condujo a una especie de mini guerra. También fue perfecto para la buena rivalidad entre Nueva York y Los Ángeles, que, por supuesto, es histórica en la mitología del rock 'n' roll. Empecé a pensar en las similitudes y diferencias de estos dos artistas y me encontré con un conjunto fascinante de circunstancias.
Nacido con dos años de diferencia, uno se crió en un entorno urbano como un italoamericano orgulloso y culto, y el otro se crió en un suburbio, con una identidad vergonzosa como parte de Cherokee. Ambos hombres encontraron la salvación en el rock n roll y se convirtieron en guitarristas, compositores y cantantes, ¡y ambos cantaron por la nariz en un gemido nasal! Truenos, nacido bajo el signo de Cáncer, indica un hombre materno; lo importante para el cáncer es la crianza. Un hombre emocional se basa en sensibilidades casi infantiles, pero con una gran inteligencia. Petty, como Libra, está más protegido y distante; el análisis no trae ninguna decisión, sino que se realiza constantemente. Sin embargo, fue Thunders quien, con dureza e insensibilidad, sopló su potencial de mega estrellato, muchas veces.
Recuerdo una historia que escuché sobre un show con entradas agotadas en el club Heat en el centro de la ciudad de Nueva York, alrededor de 1980. Las principales discográficas una vez más decidieron visitar el sitio de Doll favorito de Nueva York para hablar de "negocios". Johnny, sí, bastante insensible , se inyectó heroína entre bastidores delante de todos ellos. Los trajes de la discográfica se marcharon. Petty se convirtió en una estrella (irónicamente también en 1980), pero eventualmente se desmantelaría en privado, dejando pasar años después que fue conducido a la heroína.
Johnny Thunders a través de Creative Commons
En la conversación del grupo de Facebook introduje la observación de que ambos artistas arruinaron su salud y que "uno fue lo suficientemente estúpido como para enriquecerse". Ambos murieron antes de tiempo, antes de lo esperado. Y ambas muertes están envueltas en tragedia. El misterio todavía rodea la muerte de Johnny. Y de alguna manera, también hay un misterio sobre la muerte de Petty. Del mismo modo, ambos murieron inmediatamente después de una gira de actuación final.
Johnny se fue de vacaciones a Nueva Orleans después de jugar contra Japón. Nadie sabe realmente qué diablos le pasó, pero las 'historias' son horribles. Lo drogaron, sin saberlo (?) Con LSD, unos traficantes extraños le robaron, le dieron una droga fuerte, lo golpearon y lo dejaron por muerto en un hotel. Sin embargo, su autopsia reveló que en realidad se estaba muriendo de leucemia y linfoma. Causas naturales, por así decirlo. Petty, por el contrario, tiene una desaparición casi opuesta. Nos dijeron que se había fracturado los huesos de la cadera, enfisema y que su corazón (temblor) se rindió. Meses después queLa autopsia reveló una lista de medicamentos de 2 a 3 veces más larga que la de Elvis, que incluía fentanilo callejero, múltiples antidepresivos y varios otros. Seguramente le podrían haber arreglado los huesos rotos. La declaración oficial de que planeaba hacerlo, después de un descanso de la gira, es ridícula considerando que nadie se está relajando ni disfrutando ni un minuto de nada con ese tipo de dolor físico y la cantidad de drogas en su organismo. Johnny, sorprendentemente, murió de causas naturales, Tom de una sobredosis de drogas. Pero al final del día, ambos Heartbreakers murieron muertes sin sentido que sorprendieron a sus leyendas, y también de manera similar, el escenario en el que se establecieron.
En cierto sentido, el rock 'n' roll cumplió su promesa para ambos. Nada los hizo más felices en sus vidas que hacer música. Ambos fueron grandes románticos: Thunders tuvo mujeres hermosas en su vida y muchos hijos; Petty, por el contrario y a pesar de las riquezas, no estaba rodeado de esposas trofeo, y solo tenía un par de hijos, pero su fuente musical en su mejor momento era puro e indiscutible lamento romántico.
Tom Petty de Allan Tannenbaum a través de Creative Commons
En cuanto a mí, cuando TP murió, lloré durante meses. Sin embargo, las lágrimas fueron reemplazadas por falta de respeto después de leer el informe de la autopsia. Y mi sueño se acabó. Siempre 'soñé' que él me ayudaría a llegar a lo grande con mi propia música. A lo largo de las décadas, de vez en cuando le enviaba mis demos, una vez en la década de 1980 a su casa en Valley, donde se sentaba en su trono en el apogeo de su estrellato. Mi nota para él fue eliminada, el paquete se volvió a engrapar y me lo devolvieron como Devolución al remitente. Perdido en la máquina estelar, dudo que se acordara de mí y de nuestra intimidad.
Después de su muerte, para la catarsis, me propuse recrear su estilo Heartbreakers y lancé una versión de 'Groupie Superstar' de Leon Russell, interpretando el papel que Petty me eligió. Me puse en contacto con su gerencia en busca de imágenes del backstage. en Los Ángeles en la víspera de Año Nuevo de 1978. También nos habíamos visto la noche anterior en San Francisco, unos meses después de nuestra primera cita. Recuerdo claramente que las cámaras estaban rodando cuando el entonces hermoso joven Tom Petty deliberadamente se acercó a mí, de la forma en que solía hacerlo, para convertirme en la primera persona a la que deseaba Feliz Año Nuevo en la víspera de su estrellato. Luego nos quedamos allí sonriéndonos el uno al otro antes de que se abriera paso entre el resto de sus invitados celebrantes. Quería ese metraje para mi video de la canción, ¡qué maravilloso y perfecto sería!
¿Cuál es la mejor canción o disco? Intenta: ¿'Born to Lose' o 'Even the Losers'? Imposible. La comparación de canciones y su tema es significativa: uno de estos artistas es un éxito muy famoso, otro un fenómeno underground que murió más de dos décadas antes que su famoso homólogo.
Pero la gente adinerada de la máquina superestrella, su gerencia, no tenía el interés de mirarme o responderme en absoluto. Hice mi video solo sentado frente a mi casa de campo en Inglaterra. Traté de conseguir la canción en Tom Petty Radio, una estación de radio ininterrumpida dedicada a él, y me rechazaron. Envié mi disco a su tecladista, ya que recreé con éxito su sonido completo con Hammonds malhumorado. Nada, no hay respuesta.
Meses después, "me fui a casa": grabé una versión de Thunders "No puedes poner tus brazos alrededor de un recuerdo", realmente lo estaba sintiendo. Hice mi video en Nueva York. Al enviarlo para escuchar a Sylvain Sylvain, tardó menos de una semana en elogiarme por haber hecho un gran trabajo. Allí, el contraste de las personas que quedan atrás es bastante claro. Como dije, "uno fue lo suficientemente estúpido como para enriquecerse".
"No puedes poner tus brazos alrededor de un recuerdo" -Roxanne Fontana:
Al final, nos quedamos con la buena música. La ironía autobiográfica de dos de sus mejores temas lo dice todo sobre ellos. Johnny, una vez más, traiciona su verdadero yo sensible y declara con un abandono aceptable: "Cariño, nací para perder ...". Y Petty, seguro de sí mismo, baja de su puesto alto y admite, "incluso los perdedores tienen suerte a veces". Finalmente, y esta es la canción más fascinante, divertida y rockera de todo: no puedo elegir una de las canciones favoritas en cuanto a qué canción me gusta más. También le lancé la pregunta al cineasta español Danny García, quien hizo un fantástico documental sobre Thunders, y con quien trabajé en su reciente documental de Brian Jones. García accedió instantáneamente.
Saliendo de la opinión y entrando en análisis, ¿cuál es la mejor canción o disco? Intenta: ¿'Born to Lose' o 'Even the Losers'? Imposible. La comparación de canciones y su tema es significativa: uno de estos artistas es un éxito muy famoso, otro un fenómeno underground que murió más de dos décadas antes que su famoso homólogo. La naturaleza autobiográfica definitoria de las canciones a la luz de esto, y sus extrañas muertes, son fantásticas y las llevan al mitológico Palacio del rock n 'roll, juntas.
"Born to Lose" -Johnny Thunders, de LAMF
"Incluso los perdedores" -Tom Petty y los rompecorazones:
Quizás el rock n 'roll se trata de perder maravillosamente, por muy desgarrador que sea. Les agradecemos a ambos, e igualmente, los grandes discos y canciones que dejaron, y los recuerdos, y sus leyendas.
Roxanne Fontana
26 abr 2021
Maggot Brain - Funkadelic
Encuentro en una publicación que declaran el solo de guitarra de Eddie Hazel de los Funkadelic en la canción Maggot brain de 1971 el mejor solo de la historia. No por su dificultad sino por su expresividad. Siguiendo el legado de Hendrix, fallecido hacia poco, Puestos de acido George Clinton le pidió que tocara como si le acabaran de anunciar la muerte de su madre
21 abr 2021
14 abr 2021
Robert Lester Folsom Bridge/Autumn Lament
https://robertlesterfolsom.bandcamp.com/
Un maravilloso fracasado llamado Robert Lester Folsom
https://rockingmagpie.wordpress.com/2020/06/30/robert-lester-folsom-autumn-lament/
Robert Lester Folsom
Autumn Lament
Abacus Records
Una mezcla perfectamente equilibrada de Alt. Canciones de amor country que suenan perfectas tanto para camionetas Chevy como para híbridos Toyota.
Supongo que tengo que emitir un descargo de responsabilidad aquí; ya que el productor de este lanzamiento de Robert Lester Folsom no era otro que nuestro propio Roy Peak; quien me envió una copia anticipada.
Como le digo regularmente a la gente cuando hablan de la extraordinaria cantidad de álbumes que obtenemos aquí en RMHQ, "¡Deberías ver el tamaño de la caja con los que no revisamos!"
Entonces, hasta cierto punto, cada álbum que revisamos en RMHQ tiene que merecer no solo nuestro precioso tiempo para escucharlos; pero su precioso dinero para comprarlos …… # BuyDon'tSpotify!
Entonces; el hecho de que Roy estuviera involucrado no significaba que este álbum necesariamente pasaría nuestras estrictas barreras.
Al igual que cuando éramos niños en una tienda de discos, la primera canción tiene que llamar mi atención de una forma u otra; y la canción principal instrumental, Autumn Lament lo hace con facilidad. La guitarra de acero súper genial y los instrumentos variados que se combinan para crear una melodía interesante y atmosférica para liderar un álbum fue una decisión valiente pero digna; y funciona mucho mejor de lo que debería.
Sigue la primera canción real, It's Not You, y el estado de ánimo es similar al de esos álbumes de los 80 que nos llevaron a lo que ahora conocemos como Alt. País; no lo suficientemente country para ser country y tampoco suficiente entusiasmo para hacerlos Country Rock; pero lo suficientemente bueno como para seguir siendo escuchado veinte años después del lanzamiento.
Tal vez sea porque varias de estas canciones han permanecido inactivas desde finales de los 70, sólo para cobrar vida a principios de este año para este 'Ciclo de canciones' sobre el amor y las relaciones; que no debería asustarte; ya que cada canción parece estar aquí por mérito; en lugar de "relleno" para mover una "Ópera Rock".
Quizás Robert se decepcionará de mí; pero disfruté escuchando Winter Warning, Dancing With Piano In The Rain y Waiting For Summer por sus propios méritos, sin preocuparme por ninguna narrativa que los vincule.
Presumiblemente con la ayuda del Legendario Roy Peak, Folsom se las arregla cómodamente para jugar con nuestras emociones usando cada regalo que un compositor y músico tiene en su caja de herramientas; yuxtaponiendo el suave rompecorazones acústico One More Song con el claustrofóbico Hop Hop Hop Hop Hippity Hop y luego cerrando el álbum con el sureño See You Later, I'm Gone, que suena genuinamente como Jason Isbell haciendo una versión de The Lemonheads.
Esa última canción iba a ser mi canción favorita durante un par de semanas; pero recientemente, el oscuro y melancólico Missing You X 7 ha evolucionado y se ha desenredado de una manera que solo puede hacerlo jugar repetidamente; por lo que ahora gana el título; pero vale la pena echarle un vistazo a ambos antes de comprar el álbum.
No había oído hablar de Robert Lester Folsom antes de recibir este álbum; lo cual es una triste sorpresa ya que parece ser bastante 'el gran problema' en Florida y Corea del Sur también. Lo cual no es ninguna sorpresa, ya que tiene una voz de canto que quema en tu alma y canciones que sin duda son iguales a muchos de sus compañeros actuales.
12 abr 2021
7 abr 2021
6 abr 2021
Fanny
https://fannyrocks.com/about-2/
FANNY fue una banda de rock verdaderamente pionera, la primera de su tipo. Su carrera rompió las barreras para las mujeres músicas en el rock. De hecho, ¡eran las “madrinas de las mujeres rockeras” originales!
FANNY: cuatro mujeres jóvenes que fueron instrumentalistas y cantantes de rock consumadas ... que nunca dependieron solo de su sexualidad para vender la música ... que se describieron a sí mismas como músicas en primer lugar y como mujeres en segundo lugar. Pero el hecho de que ERA mujeres, y de que alcanzaran un nivel de éxito nunca antes visto para una banda de rock compuesta únicamente por mujeres, fue un logro notable.
FANNY fue el primer grupo de rock femenino en grabar un álbum completo para un sello discográfico importante, y de hecho grabó y lanzó cinco álbumes para las principales discográficas. FANNY fue el primer grupo de rock femenino que alcanzó una prominencia real en los EE. UU. Y Europa. Reconocido tanto por la prensa como por sus muchos fans como un acto en vivo increíble, en palabras de Steve Peacock, uno de los principales periodistas musicales del Reino Unido de la época, "si cierras los ojos, es como escuchar a los Stones", FANNY realizó una gira incansable por hasta nueve meses de cada año. En una carrera que se extendió desde 1970 hasta 1975, tuvieron una serie de sencillos exitosos y también tocaron en las grabaciones de estudio de algunos artistas legendarios. Además de sus muchos conciertos en vivo, actuaron en los mejores programas de televisión de variedades y música de la época, incluidos The Old Grey Whistle Test, Sonny and Cher Show, American Bandstand y The Beat Club, el programa de bandas más famoso de Alemania.
Los cuatro miembros originales de FANNY fueron June Millington (guitarra, voz), Jean Millington (bajo, voz), Alice de Buhr (batería, voz) y Nickey Barclay (teclados, voz). June y Nickey fueron los principales compositores de la banda, pero Jean y Alice hicieron contribuciones significativas al repertorio de FANNY y los cuatro participaron en los arreglos de las canciones y la elaboración de sus presentaciones en el escenario. Algunas de las estrellas de la música más importantes de la época, desde David Bowie hasta Deep Purple, George Harrison y The Kinks, quedaron tan impresionados por estos cuatro rockeros adolescentes que hicieron todo lo posible para promocionar la banda y reservarlos como apertura. actuar.
A pesar de su éxito, FANNY nunca fueron superestrellas, pero prepararon el camino para las mujeres en el rock. Cuando empezaron, la idea de las mujeres jóvenes como intérpretes de rock era tan impensable como lo había sido la idea de que las mujeres tuvieran el voto para las generaciones anteriores. Recientemente, FANNY fue finalmente honrada al recibir el premio ROCKRGRL WOMEN OF VALOR por su logro vital, y fue celebrada en Berklee College of Music el 20 de abril de 2007 con una noche de gala que incluyó testimonios y una “rockestra” de estudiantes de Berklee tocando las canciones de FANNY.
FANNY: una leyenda cuyo legado perdura en las mujeres músicas de rock de hoy.
Esta es su historia ...
Las hermanas June y Jean Millington, nacidas en Filipinas, hijas de un oficial naval estadounidense y una socialité filipina, se mudaron con su familia a Sacramento, California en 1961. Rodeadas de extraños en un país desconocido, tomaron la música para animarse y actuar. en la escuela secundaria, primero como dúo con June en la guitarra y Jean en el bajo y luego formando un cuarteto de mujeres, The Svelts. Su primer baterista fue su amiga Brie Berry, quien abandonó la banda para tener un bebé (pero finalmente regresó a la música como Brie Brandt y se unió a FANNY en las últimas etapas de su historia).
Los Svelt tocaron en clubes de la costa oeste y de Nevada. Después de varios cambios de personal, Jean y June se unieron en 1968 a la guitarrista Addie Clement (de la banda California Girls) y la baterista Alice de Buhr, oriunda de Mason City, Iowa, que se había mudado a California a la edad de diecisiete años en busca de de la proverbial fama y fortuna. En esta configuración de cuatro piezas, los Svelt dieron una vuelta por Occidente en un autobús urbano renovado, principalmente tocando covers.
Más tarde ese año, Alice y Addie dejaron a los Svelt para fundar otra banda femenina, Wild Honey, y tocaron brevemente en el Medio Oeste antes de regresar a California para reunirse con los Millington. Como Wild Honey, que ahora toca versiones de Motown, se dirigieron a Los Ángeles en 1969 para "firmar con un sello discográfico o volver a la escuela". Fue casi lo último: nadie en la industria de la música de Hollywood los tomó en serio, y después de un tiempo, Wild Honey estaba lista para rendirse y regresar a casa. Pero en lo que pensaron que sería su última noche en Los Ángeles, tocaron en una noche de micrófono abierto en el famoso Troubadour Club de Doug Weston, y por casualidad la secretaria de Richard Perry estaba allí para ver bandas sin firmar.
Perry, miembro del personal de Warner Brothers Records y productor líder con una lista de éxitos en su haber (Leo Sayer, Carly Simon, Barbra Streisand, etc.), siempre había soñado con descubrir una banda de mujeres jóvenes que pudieran rockear poderosamente, y Una vez que Wild Honey hizo una audición para él, no perdió tiempo en convencer al jefe de WB, Mo Ostin, de que los firmara. De hecho, Perry estaba tan seguro del potencial de Wild Honey que consiguió que la banda firmara con la subsidiaria de WB, Reprise Records, sin ser visto, ¡y sonando inaudito! Wild Honey, ahora un trío (Jean, June y Alice), entró en Western Recorders con Perry en diciembre de 1969 para trabajar en su primer álbum de canciones originales. Sin embargo, después de que se grabaron varias pistas, tanto la banda como el productor sintieron que faltaba algo, es decir, un teclista.
Encontrar un buen teclista rockero que también fuera joven y mujer no fue tarea fácil en 1969, cuando la mayoría de las chicas jóvenes eran más propensas a sentarse cortésmente al piano en lugar de tocar en una banda de rock. Wild Honey invitó a posibles teclistas de lugares tan lejanos como Nashville e incluso Canadá, pero nadie cumplió con todos los criterios hasta que encontraron a Nickey Barclay, un joven pero experimentado músico de sesión profesional que era miembro fundador de Musicians Contact de Sterling Haug, con sede en Los Ángeles. Servicio.
Solo había un problema: Nickey solo había trabajado con músicos masculinos y no estaba interesado en unirse a una banda de mujeres. Como dijo Nickey en una entrevista de 1974 *, “Estaban entusiasmados con la forma en que jugaba, realmente les gustó. Pero me desanimé. Supongo que estaba acostumbrada a ser la única chica del grupo ... Parecían tener una amistad real y un entendimiento como las bandas, pero nunca había visto eso con las chicas. Tuvieron que volver a ponerse en contacto conmigo porque no los llamé ... "
Nickey se convirtió en el cuarto miembro en enero de 1970 e inmediatamente comenzó a grabar con Wild Honey, incorporando su fondo de blues-soul-funk para darle al sonido de la banda un toque más duro. Pero se fue durante varios meses para hacer una gira como miembro de Mad Dogs and Englishmen, que pronto será legendaria de Joe Cocker, apareciendo en el exitoso álbum en vivo y sencillos y en la película Mad Dogs. Regresó vacilante a Wild Honey después de la gira, en parte porque Cocker la convenció de que sería una buena idea, y firmó formalmente como miembro de la banda, terminando la grabación del que sería el primer álbum de Fanny para Reprise.
Después de que Nickey se unió a la banda y el lanzamiento del álbum era inminente, surgió la cuestión de un nuevo nombre: los cuatro mismos, Richard Perry, su sello y su administración, Blue peacock Company. Todos sintieron que lo que se necesitaba era un nombre de mujer, algo corto, memorable y a la vez femenino y atrevido. Después de considerar una serie de sugerencias, la banda se decidió por el nombre FANNY, y el resto fue historia. June explicaría más tarde: “Realmente no pensamos en [el nombre Fanny] como un trasero, un término sexual. Sentimos que era como el espíritu de una mujer cuidándonos ".
Antes y después del primer lanzamiento de LP (homónimo) de la banda, Reprise Records no perdió el tiempo en explotar el nombre a través de fotos promocionales y anuncios que mostraban a las mujeres de FANNY desde atrás, y distribuyendo calcomanías en los parachoques instando a los compradores de discos a PONERSE DETRÁS DE FANNY. , y una campaña publicitaria posterior proclamando FANNY: EL FIN DE UNA ERA. “Ambos lemas fueron obra mía”, ha dicho Nickey. “Los sugerí como una broma, pero [el manager Roy] Silver y el sello los tomaron en serio y corrieron con ellos. Ciertamente llamaron la atención de la gente ... También estaba jugando con los diferentes significados de la jerga del término fanny en Estados Unidos y el Reino Unido ".
La banda ya había atraído mucha atención en Los Ángeles incluso antes del lanzamiento de su primer álbum. Como una de las bandas locales favoritas en el Whiskey-a-Go-Go, fueron contratados allí con tanta frecuencia que efectivamente fue una residencia para ellos. Compañeros músicos y creadores de escenas como George Harrison, David Bowie, Deep Purple, Rolling Stones, The Who, The Kinks, Rod Stewart, Ringo Starr, Harry Nilsson, Rodney Bingenheimer y Kim Fowley admiraban a Fanny y ayudaron a promover la banda por palabra de boca en los niveles más altos de la industria de la música, pero el público sería más lento para "ponerse detrás" de la banda.
Si bien el lanzamiento del primer álbum de la banda, FANNY, fue innovador en el sentido de que cada nota del álbum fue cantada y tocada por mujeres, la prensa de rock en general no quedó muy impresionada. Fanny fue vista erróneamente más como un acto novedoso que como músicas serias con algo que decir. Un crítico escribió que la banda se estaba "esforzando demasiado". Fanny estaba abriendo un camino, pero la mayoría de los críticos no tenían un punto de referencia, ninguna base de comparación para juzgar a un grupo de mujeres que tocaban música rock.
Fanny tendría que convertirse en ese punto de referencia.
En Inglaterra, donde la palabra “fanny” es un término del argot para la vagina de una mujer, la banda fue aclamada como feministas indignantes. Pero las integrantes de FANNY no se consideraban necesariamente feministas, al menos no en los primeros días; eran músicos en primer lugar y mujeres en segundo lugar, vistiendo más como los chicos, luchando por ganar credibilidad en el medio de un hombre. Nickey Barclay habló más tarde sobre la imagen física de la banda: “Sentimos la presión de tener que demostrarnos a nosotros mismos. Cuando comenzamos a actuar, simplemente subimos al escenario vistiendo lo que estuviéramos usando. Equivalía a disculparnos por ser mujeres, alejarnos de cualquier tipo de glamour o atractivo en el escenario ". La apariencia de la banda se volvió más femenina y elegante una vez que demostraron su valía a través de la dura rutina de las giras internacionales.
La segunda oferta de FANNY, CHARITY BALL de 1971, recibió una recepción mucho más cálida por parte de la prensa de rock, y el LP incluso provocó algunas predicciones de superestrella. La canción principal llegó a las listas de sencillos en los EE. UU., Alcanzando el número 40 en las listas de sencillos de Billboard en noviembre, y FANNY viajó extensamente para apoyar el avance. Miles de apostadores en varios continentes vinieron a reírse de lo que se esperaba que fuera un "espectáculo de fenómenos" y se fueron como verdaderos creyentes. La banda recibió más credibilidad al convertirse en el acto de apoyo favorito de varias de las bandas más importantes de la época, pero al mismo tiempo se convirtieron en cabezas de cartel por derecho propio en grandes salas de conciertos.
Antes de la llegada de Fanny, ninguna banda compuesta exclusivamente por mujeres en ningún género de la música moderna, que tocaba sus propios instrumentos y escribía la mayor parte de su propio material, había conocido el verdadero éxito; Fanny fue la primera. Y en el negocio de la música, entonces como ahora, el éxito genera imitación. Otros sellos vieron un nuevo nicho de mercado para explotar y comenzaron a promover bandas exclusivamente femeninas. Si uno desea señalar algún momento en el tiempo en el que las puertas se abrieron de patadas para las bandas de rock femeninas, no necesita buscar más allá del lanzamiento de FANNY HILL, el tercer LP de Fanny en 1972.
FANNY HILL, grabado en los Apple Studios de los Beatles en Londres, fue aclamado por la prensa de rock líder del día como el mejor hasta ahora. El álbum presenta algunos de los mejores momentos de estudio de la banda y mostró la madurez musical de lo que ahora fueron varios años de grabaciones y giras; cuando Rhino Records decidió lanzar un CD retrospectivo de FANNY ambientado en 2002, nombraron de manera reveladora a la colección FIRST TIME IN A LONG TIME, en honor a una de las pistas más memorables de FANNY HILL.
A estas alturas, FANNY era un nombre para evocar. Ya no eran el hazmerreír, pero fueron reconocidos y admirados como una banda de rock seria. Incluso pasaron la “prueba de fuego” de la credibilidad rockera al hacer que uno de sus sencillos, Young and Dumb, fuera prohibido por BBC Radio 1 (y al no poder tocar en vivo en el Albert Hall, ¡por ser “demasiado provocativo”!). Continuaron girando casi constantemente por América del Norte y Europa, deteniéndose solo para grabar otro álbum, su segundo lanzamiento en diez meses. Todd Rundgren reemplazó a Richard Perry como productor en el cuarto álbum de FANNY, MOTHER'S PRIDE de 1973, que probablemente sea el LP de rock más "duro" de la banda y también fue el único de sus cinco álbumes que no incluyó una foto de la banda en la portada. "Trabajar con Todd fue mucho más satisfactorio para el alma que trabajar con Richard [Perry]", dijo Nickey.
Las mujeres de FANNY estaban aceptando y aprendiendo a equilibrar sus roles como mujeres y como músicas de rock, pero la tensión estaba comenzando a pasar factura dentro de la banda. Poco después del lanzamiento de su cuarto álbum, FANNY colapsó temporalmente como resultado de lo que la escritora Barbara O'Dair ** llamó “tensiones internas, tensiones acumuladas y los riesgos laborales ordinarios de triunfar en un mundo de hombres basado en el sexo, las drogas y rock and roll." A raíz de la creciente discordia, Alice y June abandonaron el grupo uno por uno. June fue reemplazada en la guitarra y voz principal por Patti Quatro, hermana mayor de la sensación del pop Suzi; Alice fue reemplazada en la batería por la ex Svelte Brie Brandt. Nickey y Jean eligieron quedarse, y fue esta formación la que grabó el último álbum de FANNY, ROCK AND ROLL SURVIVORS.
ROCK AND ROLL SURVIVORS resultaría ser el último esfuerzo de la banda. Incluía el sencillo Butter Boy, que alcanzó el puesto 29 en las listas de sencillos de Billboard en febrero de 1975, pero cuando el sencillo se convirtió en un éxito, no quedaba ninguna banda para promocionarlo.
A finales de 1974, Nickey dejó a Fanny. Según todos los informes, la banda se estaba moviendo en una dirección con la que Nickey no estaba contento; encontró a Patti Quatro un reemplazo insatisfactorio para June, y su sentimiento final fue que, sin June y Alice, ya no era FANNY. Cam Davis, un amigo de June, fue contratado para reemplazar a Brie en la batería cuando Brie se fue para casarse con el compositor James Newton Howard al final de las sesiones de ROCK AND ROLL SURVIVORS. Como nunca había grabado con la banda, Cam tendía a ceder ante los demás.
Patti comenzó a asumir un papel de liderazgo y toma de decisiones dentro de Fanny, una situación que a Jean le molestaba por haber estado involucrado con la banda desde sus inicios. Las cosas llegaron a un punto crítico a principios de 1975: Cam se fue, y Patti lo siguió poco después. Como sucedió cuando Butter Boy subió rápidamente en las listas nacionales, y Jean estaba especialmente desanimado: Fanny se estaba preparando para tener su mayor éxito y no había una banda que ayudara a impulsarlo.
En la primavera de 1975, Jean convenció a June de que volviera para una gira más, y Brie Brandt-Howard también aceptó firmar. La banda se completó con Patti Macheta (una amiga de June) en percusión y voz y Wendy Haas, esposa de Martin Mull y una vieja amiga de los miembros originales de la banda FANNY, en teclados y voz. Pero aunque aparentemente volvieron a estar juntos para promocionar a Butter Boy, no interpretaron nada del material de FANNY, una de las condiciones de junio para regresar fue que la banda solo hiciera canciones nuevas. También descontinuaron el uso del nombre FANNY, y en su lugar se anunciaron como los LA All-Stars. A principios de 1976, varios sellos expresaron interés en financiar un álbum; sin embargo, el interés de la etiqueta se centró estrictamente en una continuación del legado y el nombre de FANNY. LA
La carrera de FANNY había llegado a su fin, pero el legado de sus esfuerzos pioneros para las mujeres en el rock perdura hasta el día de hoy. Los muchos fanáticos que vieron a FANNY tocar en vivo sabían, y aún recuerdan, que se balanceaban más fuerte en el escenario de lo que sugerían la mayoría de sus pistas grabadas producidas por hombres. No es una exageración decir que todas las mujeres que se mueven y se mueven en el mundo del rock, desde Joan Jett hasta Courtney Love y en adelante, tienen una deuda de gratitud con FANNY por poner ese primer pie tan importante en la puerta y mostrarle al mundo que ¡las mujeres realmente pueden rockear!
DESPUÉS DEL BALÓN ...
David Bowie escribió sobre FANNY en la revista Rolling Stone - 29/12/99:
“Una de las bandas femeninas más importantes del rock estadounidense ha sido enterrada sin dejar rastro. Y esa es Fanny. Eran una de las mejores bandas de rock de su tiempo, alrededor de 1973. Eran extraordinarios: escribieron todo, tocaron como hijos de puta, eran simplemente colosales y maravillosos, y nadie los mencionó nunca. Son tan importantes como cualquier otra persona que lo haya sido, nunca; simplemente no era su momento. Revivifica a Fanny. Y sentiré que mi trabajo está hecho ".
Ese respaldo a FANNY lo dice todo.
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