El ex guitarrista de glam rock y actual folk-rock indie Aaron Lee Tasjan es una especie de camaleón musical. Después de mudarse a Nashville, sacar tres álbumes en solitario bien recibidos y sufrir al menos un período de bloqueo creativo provocado por serias dudas sobre sí mismo, el residente de Nashville ha lanzado su cuarto álbum, autorreflexivo y creativamente aventurero incluso para sus propios estándares. .
Tasjan! Tasjan! Tasjan! (★★★★ ☆) todavía posee algo de la crudeza folky de su trabajo anterior, pero también encuentra al artista jugando con un sonido más dinámico que recuerda al pop rock vintage sin sonar como una copia al carbón. El sonido de Tasjan es relajado sin ser perezoso, rico pero nunca maximalista, con voces suaves que a menudo evocan a Elliott Smith superpuestas sobre guitarras y sonidos de sintetizador, muchos de los cuales son en realidad guitarras hábilmente manipuladas. Sin estar dispuesto a dejar atrás el folk-rock, las guitarras acústicas y los pequeños adornos country-lite, como los silbidos resonantes, aportan profundidad al brillante sonido retro del álbum.
Por mucho que su título funcione como un grito de guerra personal, este álbum tiene a Tasjan sosteniendo un espejo de su propio sentido de sí mismo y su sensibilidad artística. En partes iguales, irreverente e incisivamente autorreflexivo, su composición regularmente apunta a sus propias peculiaridades y defectos. El abridor del álbum, "Sunday Women", es un sueño autocompasivo pero consciente de sí mismo para una chica de ensueño inexistente, un sentimiento que vuelve a visitar en "Dada Bois", un número totalmente enamorado de los Beach Boys con un toque extraño.
Uno de los éxitos del álbum, "Up All Night", destila muchas de las cualidades que hacen a Tasjan! tan interesante. Descrito como "mitad himno de fiesta, mitad cuento de advertencia", encuentra a Tasjan en una disección optimista pero franca en tiempo real de algunas opciones cuestionables. Esta es también la primera canción que trata directamente sobre la bisexualidad de Tasjan, entregada francamente en la letra, "Rompí con mi novio / para salir con mi novia / porque el amor es así".
Portada del álbum
Después de la grandilocuencia de "Up All Night", Tasjan se vuelve aún más autobiográfico con "Feminine Walk", un reconocimiento aún más directo y completo de la fluidez de su vida. Tasjan relata episodios de su vida en los que se jacta de sus "piernas durante días", se compara a sí mismo con "un Twitty metropolitano de Conway" y enumera influencias tan diversas como Bowie, Jagger, "Grace Jones, Joan Jett y To Wong Foo". "
Tasjan es más interesante cuando reflexiona sobre su vida interior y su historia personal. Su composición es constantemente nítida, pero pierde algo de su fuerza en pistas como "Cartoon Music", una pista ligeramente mordaz pero relajada que presenta la divertida letra "Cartoon music for plastic people" y una satisfactoria grabación lenta de una construcción hacia el fin. Sin un objetivo claro, sin embargo, la canción serpentea y, como resultado, es menos interesante que aquellos con una inclinación más autocrítica hacia ellos.
Tasjan! haría que un oyente creyera que su creador fue uno de los artistas activos más interesantes en la actualidad, y es difícil no creer en esa visión. Absorto en sí mismo de todas las formas correctas, el enfoque irreverente e introspectivo que ha adoptado Aaron Lee Tasjan nos da un álbum tan complejo y convincente como su creador.
Tasjan! Tasjan! Tasjan! será lanzado el 5 de febrero por New West Records y estará disponible en la mayoría de los servicios de transmisión. Visite www.aaronleetasjan.com .
En épocas sin precedentes o no, pocos habrán previsto que uno de los mejores álbumes de 2021 hubiera combinado el post-rock de la banda de culto de principios de los 90 Slint con música klezmer y referencias desgarradoras a Bruce Springsteen y NutriBullets. Los tesauros se han gastado tratando de describir el matrimonio impío de este Londres-vía-Cambridge de siete piezas de trabajo de guitarra intenso y largo y saxofón incandescente. En última instancia, Black Country, New Road impulsan el formato de "banda de rock" tanto como lo hacen bandas como Radiohead.
Hay solo seis pistas en su álbum debut . Dos - Gafas de sol y Atenas, Francia - han sido regrabados de sus versiones lanzadas anteriormente para reflejar muchos meses de dura gira en la que esta incipiente orquesta punk (algunos formados en conservatorio, otros autodidactas) tomó vuelo por completo. Si la interacción entre los instrumentos de la banda hace que la carne picada alegre del género, las letras igualmente notables del guitarrista Isaac Wood flotan regularmente hasta la cima de la mezcla. Medio hablados, medio cantados, se basan en referencias de escenas granulares (“Te dije que te amaba frente a Black Midi ”) y ocurrencias de la Generación Z, pero contienen mucha ternura y anomia atemporales.
"No quiero besarte / no quiero tocarte", canta Costello en un susurro vicioso, sin compañía, en la parte superior de "No Action", la primera canción de This Year's Model . La secuenciación es claramente algo que Costello se acerca deliberadamente, ya que esta es la segunda de una serie de tres ingeniosos temas iniciales consecutivos, comenzando con "Welcome to the Working Week" de My Aim Is True y terminando con "Accidents Will Happen" en las Fuerzas Armadas.(que contiene la brillante línea de apertura "Oh, no sé por dónde empezar"). Sin embargo, "No Action" los haría ganar a ambos. Como compositor de pop sólido, Costello no puede ser mucho mejor, o amargado, que esto. Después de dos ambiciosos compases de silencio, excepto por el beso mordaz y casi hablado de Costello, las atracciones, que son Pete Thomas a la batería, Bruce Thomas al bajo (sin parentesco) y Steve Nieve a los teclados, con entusiasmo hacen su entrada debut.
Elvis sigue la línea de apertura con "No quiero verte / porque no te extraño ... tanto". Es una expresión de aprensión exagerar cualquier "cosa" con una chica por la que el cantante ya no siente nada. "Cuando te sostengo como si tuviera esa baquelita / En mi mano / No hay acción" es una de las analogías más mal interpretadas y pedantes de Costello: está comparando la sensación antinatural de abrazar a su novia con la sensación literalmente sintética de sosteniendo un teléfono de plástico, sin ceder ninguna "acción, emocional o física. Elvis armoniza consigo mismo en la palabra" acción "de una manera beatlesca, mientras que una pista vocal separada canta un contrapunto, las palabras" No, no, no, no hay acción "
Al comienzo del segundo verso, se introduce otro personaje: el segundo hombre en el lugar de Elvis, lo que solo exacerba aún más las ya complejas ambivalencias de nuestro héroe. "Tiene las llaves del coche / Son las llaves del reino / Tiene todo lo que necesitas / Es una pena que no las haya traído" siguen siendo algunos de los golpes más maliciosos de Costello. En este punto de la canción, la banda suena como si fuera a dispararse en cualquier segundo. Hay golpes de guitarra dramáticos en el primer tiempo de cada compás, y Steve Nieve entra con una hermosa línea de teclado.
Mientras tanto, Pete Thomas parece concentrarse únicamente en su propia batería, y la banda apenas evita el descarrilamiento aquí. Curiosamente, Bruce Thomas está inusualmente moderado aquí, tocando principalmente notas individuales, tal vez debido a que se dio cuenta de que el trabajo de bajo ocupado habría llevado la canción al límite. El segundo pre-coro engañosamente se lanza en el medio ocho en lugar del coro. El puente es en realidad más como una extensión del pre-estribillo, reflejando la propia persistencia del cantante. "Si estoy insertando mi moneda, lo estoy haciendo bien / Todas las cosas en mi cabeza comienzan a lastimarme", la última línea del pre-coro "real", podría ser un doble sentido .
"Cuando pienso en cómo solían ser las cosas / Saber que estás con él me vuelve loco / A veces te llamo cuando sé que no estás solo / Pero siempre desconecto justo a tiempo" pronostica el resto del álbum. Clima posesivo y neurótico. Reflexionar sobre los intercambios sexuales de una novia con personas distintas a él es uno de los temas "favoritos" de Costello, uno que comenzó a explorar en su debut con "I'm Not Angry" y culminó con la épica asfixiante "I Want You" de Blood & Chocolate . - pero estas neurosis se articulan de la manera más elegante y digerible en el modelo de este año .
Después de una repetición del coro, la canción termina en el acorde V sin resolverse adecuadamente, y después de solo un momento de cesación, Pete Thomas inesperadamente se lanza a más rellenos de batería, quizás anticipando un "grind" posterior a la canción que los otros miembros no estaban sintiendo una vez que les llegó el turno de seguir.
Durante las presentaciones en vivo de "No Action", la banda omitiría la captación vocal y agregaría una introducción a la guitarra. La presentación en vivo de estreno aparece en Live at Hollywood High , en la que Steve Nieve toca una línea de teclado probablemente satírica (pero increíble, no obstante) que recuerda fuertemente al Canon de Pachelbel durante el coro final de la canción. Un prototipo mucho más lento y apagado que se incluyó en la reedición de Rhino de My Aim Is True sugiere que la canción había estado en un segundo plano durante algún tiempo e incluso podría haber sido candidata para su inclusión en el primer LP de Costello (una actuación en vivo). de la canción que precede a This Year's Model by months también aparece en la reedición). Pero pertenece completamente al modelo de este año, tanto temática como musicalmente. Es la mejor apertura de Elvis y una excelente manera de presentar las atracciones al mundo.
2. "La chica de este año"
Si "No Action" es uno de los mejores abridores de álbumes de Elvis Costello, "This Year's Girl" es sin duda una de sus opciones más inteligentes para un segundo corte. El papel de la segunda canción en un álbum es menos obvio que el de la primera, pero no menos importante. Una buena segunda pista debería brindar al oyente la oportunidad de respirar, "enfriarse", y siendo una de las canciones más suaves y fluidas del álbum, la ubicación secuencial de "This Year's Girl" es ideal, especialmente después de su predecesor caótico.
Costello ha descrito esta canción como una "respuesta" a "Stupid Girl" de los Rolling Stones, aunque admite que sus palabras son "mucho menos despectivas". Sin embargo, es fácil escuchar la influencia de los Stones: Costello canta aquí con una ligera inflexión de blues y musicalmente no habría estado demasiado fuera de lugar en un disco como Aftermath . Pero déjele a Costello eclipsar a sus ejemplares (líricamente, de todos modos). Al igual que su plantilla, "This Year's Girl" se refiere a una Sra. Muy buscada y, en última instancia, inalcanzable, pero no es explícitamente misógina como la unidimensional en comparación "Stupid Girl"; de hecho, contiene algunos de los juegos de palabras más inescrutables del álbum. Si algo,
El ritmo de batería aislado y sincopado que inicia la canción recuerda mucho a la interpretación de Ringo Starr tanto en "Ticket to Ride" como en "Tomorrow Never Knows" de los Beatles, que solo realzan su sabor de mediados de los sesenta. La canción comienza solo con la batería, luego los instrumentos se apilan uno encima del otro, comenzando con la guitarra eléctrica con forma de motor (supuestamente una Gretsch Country Gentleman) que toca el riff principal, seguida del bajo y los shakers que aparecen simultáneamente. y concluyendo con la entrada del teclado.
Este es el primer momento del disco en el que realmente podemos vislumbrar la brillante interpretación del bajo de Bruce Thomas. Su ajetreado y melódico trabajo de bajo, a menudo comparado con el de Paul McCartney durante el período Revolver de los Beatles , es un aspecto integral del sonido de las atracciones, y el disco seguramente sería menos memorable sin él. "This Year's Girl" es también el primer tema donde el órgano "plástico" de Steve Nieve marcha a la vanguardia, ya que ocupa principalmente un puesto auxiliar en "No Action". "Mira su foto en mil lugares / Porque ella es la chica de este año / Crees que todos poseen pequeñas piezas / De la chica de este año" - prácticamente puedes escuchar las palabras raspando la sonrisa de desprecio de Costello cuando salen de su boca.
La canción también contiene una cantidad vertiginosa de cambios de clave que suenan sin esfuerzo, trucos que el joven y absorbente compositor probablemente aprendió del libro de McCartney. El único caso en el que un cambio de clave como este suena dramático es cuando el puente vuelve al verso, una alternancia señalada por la melodía vocal desordenada ("Ella ha olvidado mucho más de lo que está perdida"). Costello prolonga el coro final: "Esos sintetizadores de música disco / Esos tranquilizantes diarios / Los premios de culturismo / Esas coartadas de dormitorio" y luego canta la línea "Todo esto, pero no hay sorpresas para la chica de este año" tres veces antes de que la clave cambie nuevamente. , Elvis grita (!) Y la canción se desvanece un tanto indecisa. Durante el fadeout (Bruce), Thomas y Nieve participan en algunas tonterías instrumentales,
La primera versión en vivo de "This Year's Girl", nuevamente, aparece en Live at Hollywood High , donde durante la presentación de la batería, Elvis se divierte con la audiencia para llamar y responder. "¿Hay chicas aquí esta noche?" Costello pregunta. Cuando la reacción de la audiencia no es satisfactoria, dice: "Bueno, creo que los muchachos y yo será mejor que nos vayamos a casa si no hay chicas aquí". La multitud responde salvajemente. Enclavado entre el desquiciado "No Action" y el irregular "The Beat" en This Year's Model , el relativamente conservador "This Year's Girl" funciona perfectamente como una segunda pista. Pero aún están por venir cosas mucho mayores.
3. "The Beat"
"The Beat", junto con "Pump It Up", es la canción más autoconsciente de "New Wave" y, en consecuencia, desgastada por el tiempo, en This Year's Model . La melodía vocal no está a la altura de los estándares de Costello, y cada una de sus atracciones está inusualmente restringida en este corte. La canción cambia de un lado a otro entre el coro en clave menor y los versos en clave mayor, y su falta de pegadizo o mucho en términos de variedad estructural la hace algo monótona.
Pero no importa demasiado, porque casi toda la magia de "The Beat" reside en sus gloriosas e impresionistas letras; todo lo demás parece una especie de ocurrencia tardía. La actitud cuestionable de Costello hacia las mujeres y las relaciones que ha llegado a caracterizar esta primera parte de su carrera se resume bruscamente en una sola línea de esta canción: "No quiero ser un amante / sólo quiero ser tu víctima". En ese momento, esta letra específica le valió una gran cantidad de idólatras y cierto grado de notoriedad en la prensa musical, y es fácil ver por qué. En el mejor de los casos, es un mantra para innumerables masoquistas de ideas afines cuyo autodesprecio patológico los lleva a relaciones tóxicas (y en el peor de los casos, es barato y sensacionalista).
Pero comencemos desde el principio. Como se ha dicho en otra parte, la línea de apertura de la canción "Todos nos vamos de vacaciones de verano" se toma prestada directamente de la canción de Shadows "Summer Holiday", y la siguiente línea "Vigilantes que salen para seguirme" es probablemente un subversión sarcástica de la sana reputación de Cliff Richard (así como una implicación de la paranoia del propio Costello). El otro individuo en la canción parece ser alguien con quien el narrador tiene miedo (o no puede) entablar una relación; es un deseo tan intenso que envuelve a los dos amantes potenciales, está claro que el apetito es correspondido por el destinatario. , pero por alguna razón inexplicable, Elvis es incapaz de hacer ningún tipo de movimiento.
El "Ver a tus amigos..." La sección del estribillo es una cita obvia, tanto lírica como melódicamente, de la canción "See My Friends" de los Kinks. Costello intenta constantemente justificar su miedo de hacer un movimiento para sí mismo y su objeto de deseo señalando las relaciones disfuncionales y sin provecho de sus amigos ("Ver a sus amigos en el estado en el que se encuentran / Ver a sus amigos metiéndose bajo la piel / Ver tus amigos son engañados ", y la segunda vez:" Ver a tus amigos caminando por la calle / Ver a tus amigos nunca completos / Ver a tus amigos poniéndose bajo sus pies ").
La autocompasión de Costello alcanza un incómodo apogeo durante el verso final, donde admite ser un amante insatisfactorio, de todos modos: las líneas "Oh, no quiero enfermarte / Pero no soy bueno con la maquinaria / Oh, yo no quiero congelarte "son una referencia a la anticoncepción y representan el atolladero del narrador en un nivel microcósmico. "Deja de mirar el paisaje / Sigo pensando en tu madre" podría interpretarse nuevamente como una referencia a la ineptitud y neurosis sexuales de Costello o su incapacidad para mantener la atención de su enamorado fuera del dormitorio, y la consiguiente frustración (tal vez imagina que está hablando con ella madre para que no se ponga nervioso durante la conversación, o tal vez se imagina que está haciendo el amora su madre en lugar de a ella para que el sexo dure más). En la deprimente línea final del último verso ("¿Creías que eras el único que esperaba una llamada?"), Costello reconoce la atracción mutua y su miedo de ser el primero en hacer algo al respecto. Nunca hay cierre de ninguna variedad, y Costello pierde su ventana de oportunidad. Cuando Costello "ve a sus amigos" en público ahora, lo menosprecian ("Mira a tus amigos tratarme como a un extraño").
Frenéticas versiones en vivo de "The Beat" aparecen en los dos álbumes en vivo de Costello de este período, Live at the El Mocambo y Live at Hollywood High . Ambas versiones son más rápidas que la grabación de estudio (que es habitual con Elvis) pero por lo demás son fieles. En los primeros giros, es fácil subestimar "The Beat". Musicalmente, es algo inolvidable. Pero un análisis de la letra revela un retrato de Costello en su estado más vulnerable y neurótico, como un adulto mayor incapaz de hablar efectivamente con las chicas que le gustan.
4. "Bombear"
"Pump It Up" es una de las canciones más desactualizadas de This Year's Model . También es el mayor éxito extraoficial (en Estados Unidos de todos modos, debido a la omisión indefendible de "(I Don't Want To Go To) Chelsea" de las ediciones originales de EE. UU., A las que llegaremos en un momento), y es el canción que muchos oyentes casuales asocian por sí solos con "Early (New Wave) Costello" (aunque, como la mayoría de los seguidores incondicionales quieren que sepan, hay canciones mucho mejores y quizás más representativas que "Pump It Up" de esta parte de Elvis carrera).
Pero la canción prospera sobre todo en el contexto de LP de This Year's Model . La mayoría de sus letras podrían interpretarse sin esfuerzo como alusiones a la masturbación y la frustración sexual masculina, y su combinación con el igualmente frustrado (y sugerente) "The Beat" realza el impacto de ambas canciones. Y a pesar de ser exagerado y estilísticamente algo confinado a su época, es una pieza esencial del rompecabezas más grande, al menos sirve como un arco entre el líricamente efusivo "The Beat" y el melodramático "Little Triggers", una transición que de otra manera no sería ser tan fluido.
Las contribuciones de Bruce y Pete Thomas son en gran parte responsables de hacer que la canción sea icónica: la intro de batería y bajo es posiblemente la sección más "clásica" e inconfundible del corte. Después de un poco más de una sola medida de bajo y batería, Costello entra con elegantes adornos de guitarra en ritmos extraños (que presagian la elegancia general de la canción). Hay una acumulación de batería, la guitarra y el bajo tocan una figura cromática ascendente y la canción florece en el verso propulsor. La guitarra y el teclado armonizan entre sí en un riff rítmicamente irregular y algo disonante hasta que entran las voces.
Déjele a Costello que aliste, para usar en la línea de apertura, nada menos, una palabra literalmente anticuada: "Estoy en ascuas / Terminando con miradas sucias". "Tenter hooks" se refiere a los ganchos de tela de lana en los que se colgó para secar, y la palabra describe alternativamente una intensa sensación de ansiedad. Su etimología no ha sido realmente relevante durante siglos. "Bombear, hasta que pueda sentirlo / Bombear, cuando realmente no lo necesite" - en cierto sentido, "Bombear" podría considerarse una extraña oda a la abstinencia. La masturbación se celebra aquí como una alternativa sin riesgos al "juego" comparativamente traicionero y estresante de conseguir una pareja.
En el segundo verso, el talento de Costello para las insinuaciones sexuales está en plena vigencia: "Abajo en el centro del placer / Infierno o enviado del cielo / Escuche la propaganda / Escuche la última calumnia / No hay nada secreto / Ella no lo haría entender". Luego, en el segundo estribillo, Elvis invierte las dos líneas, cantando "Pump it up / until you can feel it" primero y luego "Pump it up / When you really don't need it" segundo, un patrón que curiosamente retiene para el resto de los coros de la canción. En el tercer verso, Costello compara el encanto de una niña con el de un narcótico.
El punto culminante lírico de "Pump It Up" está contenido dentro de este verso, con la brillante desorientación y la línea aterradoramente audaz "Quieres torturarla / Quieres hablar con ella". Costello está yuxtaponiendo el deseo sádico con el deseo de simplemente subir y saludar a una chica atractiva, tal vez sugiriendo, con autocrítica, que son lo mismo. Durante el desvanecimiento después del coro final, Costello cambia la melodía de la línea "realmente no lo necesito", y antes de que la canción se desvanezca por completo, Pete Thomas cambia a un ritmo más frenético y orientado al charles.
Al igual que varias de las canciones de This Year's Model , "Pump It Up" aparece tanto en Live at Hollywood High como en Live at the El Mocambo , y ambas versiones presentan introducciones instrumentales significativamente extendidas, aunque por lo demás son fieles (aunque un poco más rápidas, según usual).
El significado de "Pump It Up" para el álbum en general radica principalmente en su posición en la secuencia de pistas: entre "The Beat" y "Little Triggers", dos pistas que no podrían colocarse una al lado de la otra. Pero en otro sentido, "Pump It Up" no agrega mucho al modelo de este año, es esencialmente una "broma de idiotas" y eso es todo. No quiere decir que Costello no inyecte humor en sus canciones, pero rara vez es el foco como parece estar aquí. Se siente como el tipo de canción escrita con un éxito en mente y, dicho sea de paso, después de "Pump It Up", This Year's Model da un giro mucho más oscuro.
5. "Pequeños gatillos"
Si tienes alguna duda sobre la destreza de Elvis Costello como vocalista (lo que no te haría demasiado inusual), "Little Triggers" debería dejarlas descansar por sí solo. La interpretación de la cantante en este corte en particular es impresionante, mucho más intensa y sensual que el canto en su equivalente más cercano, la balada simbólica del disco anterior, "Alison", y convenientemente, la canción también es genial (es bastante sorprendente Linda Ronstadt lo pasó a favor de la relativamente arcana "Party Girl" de las Fuerzas Armadas ; "Little Triggers" es mucho más una "canción de cantante"). La apropiación doo-wop de Costello aquí parece más falsamente sarcástica (y viceversa) que aduladora, ya que son algunos discos más adelante en Get Happy !!- Costello y su banda son simplemente demasiado cohibidos para que haya otra explicación para la sensación de showboat-y 6/8, la introducción de piano sobreemocional y el final francamente cómico adjunto a la interpretación en vivo que aparece en Live at the El Mocambo .
Líricamente, "Little Triggers" es Costello en su cumbre enamorada. Los "pequeños desencadenantes" a los que se refiere son, en última instancia, las pequeñas cosas (los matices de un beso, el roce de los cuerpos, una expresión esbozada en los labios) que se sienten trascendentales al comienzo de una relación. Ese estado de excitación neuronal que caracteriza esas primeras etapas del enamoramiento, la insoportable "esperar la llamada": no debería sorprendernos que Rob Fleming (el avatar de Nick Hornby en su novela High Fidelity) enumera "Little Triggers" como el número dos en su lista de "las cinco mejores canciones de Elvis Costello". "Pequeños gatillos, que tiras con tu lengua / Pequeños gatillos, no quiero que me cuelguen, que me colguen / Cuando no llamas" son ejemplos del tipo de elegancia lírica y simplicidad que Costello haría más o menos menos abandono después del modelo de este año . Si bien el intérprete estrella es Costello (naturalmente), todas las contribuciones de las atracciones a esta canción son invaluables e imaginativas, con Steve Nieve llegando en un sólido segundo; su vivacidad para tocar el piano complementa perfectamente el tema.
Como se mencionó anteriormente, una versión aún más dramática de "Little Triggers" aparece en Live at the El Mocambo (y desafortunadamente no en Live at Hollywood High, que tiene un sonido superior). En esta versión, la introducción al piano se sustituye por cuatro compases de guitarra eléctrica empapados en trémolo. La canción se siente un poco escasa en ausencia de las pistas vocales de fondo adicionales y los garabatos de piano de Steve Nieve. Un outro de guitarra ("inesperado" ni siquiera comienza a describir lo aleatorio que se siente) se agrega al final de esta versión, y la canción se resuelve correctamente en lugar de concluir en el acorde de V tentativo (Elvis emplea el mismo truco en " Sin acción "). "Little Triggers" no es simplemente un homenaje simplista, que algunos parecen ignorar. Personalmente, siento que es uno de los aspectos más destacados del disco, aunque solo sea por la incomparable interpretación vocal de Elvis. Y eso es decir algo, considerando este año '
6. "Me perteneces"
Si te sientes incómodo cantando "You Belong to Me" (lo cual es casi inevitable si tienes cuerdas vocales funcionales e incluso el más mínimo aprecio por la música pop, el estribillo de esta canción se encuentra entre los más pegadizos de Costello), probablemente seas un decente. ser humano. La posesividad romántica y las neurosis sexuales del autor que simplemente se insinúan en selecciones anteriores como "No Action" y "The Beat" alcanzan su apogeo volcánico aquí (solo mire el título de la canción), donde permanecen durante el apasionado resto del disco.
La canción comienza con un riff de guitarra vibrante que presagia la melodía vocal en el verso. La guitarra durante esta sección introductoria se siente un poco rítmicamente fuera de lugar (por cierto, ocurre un descuido similar en "(What's So Funny 'Bout) Peace, Love & Understanding" del siguiente disco). No es una revelación que la guitarra de Costello sea el eslabón más débil de las atracciones, y en realidad solo se nota cuando el instrumento está aislado (como está aquí) o al principio de la mezcla (como en "Peace, Love & Understanding" ). En su mayoría, la guitarra de Elvis juega un papel puramente de textura; después de todo, es un guitarrista rítmico, con la excepción de sus ocasionales "excitables", ya veces lamentables, pistas principales. Después de dos compases de solo guitarra, una pandereta sumergida en reverberación entra en la mezcla (iluminando esta leve disparidad rítmica). Pete Thomas toca un sencillo relleno de "abejorro" en la trampa, y el resto de las atracciones entran. El falso órgano de Steve Nieve es particularmente discordante en esta pista, ya que principalmente se adhiere a un registro más alto, respondiendo a cada una de las líneas de Elvis durante el verso con una melodía propia.
La burla característica de Costello es extraordinaria y apropiadamente amenazante en la línea de apertura "¿Qué van a decirles a sus madres, niñas?" La banda aumenta en el pre-estribillo (incluso Costello, supuestamente un "cantante muy ruidoso en el estudio", suena como si estuviera ejerciendo moderación) antes de explotar en el estribillo. La transición está señalada por otro relleno de trampa, y algunas de las insinuaciones más groseras de Costello: "Te comportas como un tonto, dices que estás tan entumecido / Dices que no estás bajo su control". Después de que Elvis canta las palabras "goodie-goodie", todos los instrumentos parecen colgar en suspensión, anticipando el "hit" rítmico, mientras Bruce Thomas toca una línea de fondo en respuesta directa a las voces (sin duda, una de sus contribuciones más brillantes y memorables al álbum).
El segundo verso está plagado de ingeniosas, aunque huecas, insinuaciones sexuales (una interpretación línea por línea sería groseramente gratuita). "Tus ojos están ausentes, tu boca está en silencio / Bombeando como una boca de incendios / Las cosas que ves se están volviendo difíciles de tragar / Te guían fácilmente, pero tienes demasiado miedo de seguir": las últimas líneas que suenan incómodas sugieren el apego de Costello a las palabras y aparente desprecio por la correspondencia silábica (ver también: "anestesiar" en "Radio, Radio"). La repetición de notas de Costello de las palabras "me perteneces" durante el puente recuerda a la coda vocal que suena "oriental" de "I Want to Tell You" de los Beatles, fuera de Revolver , como su pariente sónico más cercano. "La chica de este año", "-era canción de los Beatles (piensa en "She Said, She Said" o "Got to Get You Into My Life").
Las interpretaciones en vivo aparecen tanto en Live at Hollywood High como en Live at the El Mocambo , y "You Belong to Me" sigue siendo un elemento básico del set en vivo de Costello incluso ahora. En estas dos actuaciones grabadas, la banda "muele" antes de que la canción se resuelva, en lugar de desaparecer en la grabación. También vale la pena mencionar que "You Belong to Me" cierra la primera cara del disco original; el contraste entre él y la siguiente pista, mucho menos enérgica "Hand in Hand", se pierde un poco si escuchas el álbum en cualquier otra forma.
7. "De la mano"
Si bien no se sabe que Costello sea el tipo de artista que emplea el sortilegio de estudio (especialmente en este punto temprano de su carrera, cuando adoptó la concisión del punk rock más que cualquier otra cosa) la introducción de "cinta al revés" a "Hand in Hand "marca el primero de un total de dos casos en los que hace algo así en el modelo de este año (el segundo es el cacofónico final de" Night Rally "). El fade-in hipnótico (presumiblemente la retroalimentación artificial de la guitarra, suena muchísimo como el comienzo de "It's All Too Much" de los Beatles: ¡el saqueo de los Fab Four de Costello nunca se detiene!) Parece menos aleatorio en el contexto original del disco de vinilo, ya que "Hand In Hand" es la primera pista en la segunda cara del álbum.
"Hand in Hand" recuerda en general a Merseybeat, sin duda una de las principales piedras de toque de Costello para Modely más allá. La interpretación vocal relativamente dócil y la melodía animada ofrecen un marcado contraste con las palabras, que son, como mejor describió el crítico Dermot Stokes en su revisión inicial del disco, "guerra de relaciones" (vale la pena señalar que la premisa es bastante similar a "Two Little Hitlers" del siguiente registro, sin magníficas metáforas de la historia europea). "No, no me pidas que me disculpe / No te pediré que me perdones / Si voy a bajar / Vas a venir conmigo", expresa el estado estacionario de la relación en cuestión; tanto Costello como su pareja son demasiado tercos, demasiado irrazonables, para comprometerse, lo que resulta en la disolución de su sociedad. Elvis, por supuesto, está señalando con el dedo ("Tú dices '¿Por qué no eres un hombre al respecto?'
Costello cambia su tono en la sección "B" de la canción, cantando con deliberada agudeza en las líneas "¿por qué no te portas mal?", Quizás indicando que es alguien más quien está hablando. Pete Thomas toca un ritmo de batería al estilo de Motown durante los primeros ocho compases de la sección B (casi idéntico al ritmo de "No Dancing" de My Aim Is True, por así decirlo), pero cambia a un ritmo "rock" más tradicional una vez que entra el teclado centelleante de Steve Nieve. El "¡mano a mano!" - cantada en armonía de dos partes - que presagia el regreso a la sección A (que es el coro, para todos los propósitos prácticos) es tan Beatles que es casi espeluznante - si cierras los ojos lo suficientemente fuerte, podrías convencerte de que Paul y John cantando la línea en lugar de un Costello de doble pista (que es en realidad). La naturaleza de dos secciones de la canción le da una sensación de "La canción que nunca termina", y puedes imaginar que ciertamente no lo hace - ¡el "de la mano"! el estribillo se repite cuando la canción se desvanece (la repetición se vuelve irritante casi inmediatamente antes de que la canción se desvanezca por completo).
Curiosamente, "Hand in Hand" no aparece en ninguno de los álbumes en vivo lanzados oficialmente por Costello de este período. No parece ser una cuestión de ser demasiado elaborado para ser interpretado en vivo de manera efectiva (ya que Costello interpretó la canción en giras posteriores en la década de 1980), y actualmente es parte del conjunto "Spectacular Spinning Songbook", como un (brillantemente apropiado) mash-up con los Beatles "And Your Bird Can Sing". Entonces, ¿quizás Costello no pensó demasiado en la canción después de su lanzamiento? Independientemente, "Hand in Hand" es una de las gemas pop subestimadas de Costello. Líricamente, su carácter confesional y lineal es singular en el catálogo de Elvis.
8. "(No quiero ir a) Chelsea"
Al comienzo de este artículo, mencioné brevemente lo que describí como la omisión indefendible de "(No quiero ir a) Chelsea" de las ediciones originales de Estados Unidos del Modelo de este año . El argumento de Columbia de que "Chelsea" era "demasiado británico" para que el público estadounidense lo consumiera, a pesar de su éxito como single en Inglaterra, era falaz. Ciertamente, la canción no es más británica que "Less Than Zero" (que hace referencia al fascista británico Oswald Mosley en su primera línea) o la mayoría de cortes de las Fuerzas Armadas., que son principalmente de naturaleza inglesa. (¿Sabías que "Senior Service" es una marca de cigarrillos del Reino Unido, preferida por los marineros, o que "Green Shirts" era un nombre abreviado del Social Credit Party de Gran Bretaña e Irlanda del Norte? Tampoco los "grandes" en Columbia Records, supongo).
Sin embargo, quizás sea el título de la canción lo que disparó la alarma. Chelsea es una región decadente del oeste de Londres, ocasionalmente asociada con la prostitución, que parece ser el foco fundamental de "Chelsea". Independientemente, el hecho de que la mayoría de las audiencias estadounidenses no escucharon la canción hasta su aparición subrepticia en las caras B y la compilación de curiosidades variadas Taking Liberties es una tragedia: es la quintaesencia de las atracciones. El propio Costello admite que la canción fue más o menos una estafa de Who hasta las contribuciones irregulares de Pete y Bruce Thomas, y la introducción a la batería de Pete Thomas es definitivamente uno de los aspectos más destacados de la canción (podría ser el momento más llamativo de su historia registrada con el grupo) .
"Chelsea" es la canción con más capas del disco (suponiendo que la tuya no sea la edición original de Estados Unidos). Está repleto de innumerables interpretaciones, probablemente deliberadas, considerando el genio lírico y la destreza de Costello. El narrador parece casi voyerista, observando el desprecio de mal gusto que ocurre en Chelsea desde un punto de vista oculto (imagina que el narrador invulnerable es la fotografía de Costello detrás de la cámara en la portada del álbum; es útil y aterrador). "Fotografías de trucos extravagantes / Para divertirte a los 66 / Piensa en todos los labios que lame / Y en todas las chicas que va a arreglar" - el hombre al que se hace referencia aquí podría ser un "cliente" o el de la mujer " procurador ", siendo esta última interpretación más convincente. ¿Quizás está tratando de "reclutar" modelos del año pasado? "La llaman Natasha cuando se parece a Elsie": la mujer conserva el exótico nombre Natasha, pero se ha dejado llevar por completo; en las propias palabras de Costello, en la actualidad se parece a Elsie, la mascota de Borden Dairy. "No quiero ir al Chelsea", reflexiona Costello en la parte superior del coro.
El segundo verso es aún más perturbador que el primero, ya que Costello intenta establecer alguna relación entre el modelaje, el posterior recurso a la prostitución o alguna ocupación de turbidez equivalente una vez que la industria ya no te necesita, y la inevitable locura resultante que se produce al ser un lavado (en cierto sentido, esta canción podría tomarse como una "secuela" de "This Year's Girl"). La exmodelo ingresa en un pabellón psiquiátrico (quizás el Asilo Hanwell, que estaba ubicado en el oeste de Londres), presumiblemente ("Todos tienen nuevas órdenes / Sé buenas chicas y besa a los guardianes / Ahora la maestra está fuera / Todos los niños empezar a jugar ").
Una vez que los niños empiezan a jugar, "los hombres vienen gritando, vestidos con batas blancas / Te sacuden muy suavemente por el cuello / Uno se llama Gus, otro se llama Alfie" y cuando Elvis canta "No quiero ir a Chelsea", se refiere algo totalmente diferente esta vez, que nunca sucumbirá a esto. Costello repite el primer verso para el final de la canción, pero esta vez suena agotado cuando canta el final de cada frase. Para el pre-coro, Pete Thomas comienza a tocar un ritmo más frenético en la batería, mientras que Bruce Thomas y Steve Nieve continúan tocando la misma figura irregular en el bajo y las teclas, respectivamente.
La voz de Costello en Chelsea es casi tan clara como el cristal, impresionante como lo es su voz destacada en Model , "Little Triggers", pero es esa línea de base e ingeniosa figura rítmica, además de la letra, lo que realmente lleva la canción a casa. Sería interesante escuchar el arreglo original de Costello, aunque basado en su descripción, probablemente no sea tan bueno como el producto terminado (a diferencia de la versión Merseybeat de "Everyday I Write the Book", donde ocurre lo contrario). Casi no vale la pena escuchar Model a menos que sea una versión que contenga "Chelsea", ya que la presencia de la canción es esencial para el impacto general de This Year's Model .
9. "Servicio de labios"
Sr. La fijación de Costello con Lennon / McCartney culmina en la novena pista del disco, "Lip Service". El riff vibrante que abre la canción está claramente influenciado por los Beatles, al igual que la pista rítmica de la guitarra acústica de textura, el bajo melódico y alegre de Bruce Thomas y las armonías de dos partes en el coro. Según algunas fuentes, la línea de apertura es "Dejaste correr el agua", lo que sería una cita directa del clásico titular de Otis Redding, y la cadencia es ciertamente similar, pero la letra de la canción en el sitio web oficial de Elvis Costello. revelan que la línea es, de hecho, "Dejaste el motor en marcha".
"Lip Service" es inusualmente inexplicable para Costello. Teniendo en cuenta al autor, es imposible pasar por alto la posibilidad de insinuaciones en el título y el coro de la canción (una vez más, no debería tener que dar más detalles), pero probablemente sea exagerado. La mayoría de las letras parecen referirse a la frustración y el encaprichamiento del narrador con una mujer confusa y particularmente altiva (ejemplos: "¿Realmente solo estás siguiendo los movimientos?"; "¿Cuándo te volviste tan exigente? / No actúes como tú". estás por encima de mí, solo mira tus zapatos ").
Por el coro, está harto: "¡Servicio de labios, es todo lo que obtendrás de mí!" Costello se confiesa, en uno de sus momentos vocales más feroces del disco. Presumiblemente, la niña ha rechazado a Elvis (¿qué hay de nuevo?); admite haber hecho un "servicio de boquilla", lo que en sí mismo puede ser una mentira, algo que el autor sólo dice para calmar su propia decepción. Tanto "Alison" como "Espero que seas feliz ahora" contienen "frases de despedida" mordaces similares (el despectivo "Mi objetivo es cierto" al final del coro en "Alison" y "Entonces supe lo que sé ahora / nunca te amé de todos modos "al final de" Espero que seas feliz ahora ").Sin embargo, este es un poco diferente, como se lamenta Costello: "Si cambias de opinión, puedes enviármelo en una carta" al final del coro en "Lip Service". Esto no es exactamente sarcástico como "Alison", o francamente mezquino como "Espero que seas feliz ahora"; de hecho, es tan vulnerable y lamentable que es difícil imaginar que venga de Costello. Realmente tiene esperanza.
La sencillez de la música refleja la sencillez de la letra. De manera algo extraña, Steve Nieve está completamente ausente de esta pista, con la excepción de un acorde de órgano sostenido al final de la canción (que es un acorde de seis mayor, nuevamente, muy (primeros) Beatles). La verdadera estrella aquí bien podría ser Bruce Thomas y su bajo vibrante; con frecuencia me encuentro tarareando la línea de bajo de esta canción, lo que debería decir mucho sobre los dones melódicos que a menudo se pasan por alto de Thomas.
Una versión en vivo de "Lip Service" realizada ya en 1977 aparece como un bonus track en la reedición de My Aim Is True , aunque a un tempo mucho más lento. Existen imágenes de una interpretación particularmente apasionada de la canción en la televisión española, y la canción aparece tanto en Live at the El Mocambo como en Live at Hollywood High , lo que sugiere que en un momento EC parecía tener mucha confianza en la canción. Con todo, "Lip Service" es un número de power-pop comparativamente dócil que completa la segunda cara, que de otro modo sería amenazante, del modelo de este año .
10. "Vivir en el paraíso"
"Living In Paradise" es una de las obras maestras anónimas de Elvis Costello. La ubicación inconveniente de la canción en la secuencia de la pista podría ser en parte responsable de su relativo anonimato. El ridículo pasaje instrumental que se repite a lo largo de la canción: el desordenado bajo de Bruce Thomas, la batería ska de Pete Thomas empapada en ese anticuado efecto phaser que lamentablemente asomará la cabeza dos veces más en "Lipstick Vogue" y "Radio Radio", y El toque de teclado especialmente escandaloso de Steve Nieve - lo distingue de cualquier otra cosa en el disco (ciertamente cualquiera de los cortes en el segundo lado).
Su compañero más cercano en la obra de Costello es "Sunday's Best" del siguiente disco Armed Forces , que también es demasiado despreocupado para su propio bien. Se retrasa, mientras que el resto del álbum es propulsor y enfático (también conocido como "punk"); es el único momento en que Costello suelta un poco el pie del acelerador. Ambas canciones interrumpen el flujo de sus respectivos álbumes, hasta cierto punto; entre el autoritario "Lip Service" y "Lipstick Vogue", "Living In Paradise" es un enfriamiento incómodo (probablemente hubiera sido mejor como, digamos, la última pista del primer lado). Pero aunque musicalmente puede estar fuera de lugar, también es la representación más fluida de la naturaleza misógina y codiciosa del autor en el registro.conseguir pasar por alto la canción por completo.
El desprecio contenido solo en la línea de apertura ("No me gustan esas otras chicas que miran tus curvas") parece bastante difícil de pasar por alto, incluso en medio de la cordialidad de la música que lo acompaña. Es seguido por el igualmente acusatorio "No me gusta que andes dando tirones físicos", que podría implicar que la chica sobre la que canta Elvis tiene un séquito de chicos musculosos que la siguen o, más probablemente, mueve su cuerpo. sugestivamente. No está claro si esta chica realmente "pertenece" a Costello, o si ella es solo un objeto de sus fantasías, alguien que el narrador desea desde lejos. Corriendo con la última interpretación, Elvis ocupa una especie de papel de acosador aquí: la ilusión del afecto recíproco solo conduce a una mayor decepción, mientras Elvis sigue a su tema y es testigo de cómo ella coquetea y besa a otros hombres. Se siente posesivo con una mujer con la que ni siquiera tiene una relación, para satisfacer sus propias tendencias patológicas autodestructivas.
La guitarra slide en el pre-coro es uno de los pocos aspectos perdurables de una versión temprana con tintes country que se grabó durante las sesiones de My Aim Is True . Durante el segundo verso, Costello critica su ineptitud sexual en una de las líneas más sutiles del disco: "Porque mientras tanto en el cielo, están esperando en las puertas / diciendo" Siempre supimos que lo lograrías, ¿verdad? Creo que llegarías tan tarde ". Las cosas se intensifican en el tercer verso, donde Costello observa a la chica de la que está enamorado" tocar "a otro chico desde el ojo de la cerradura de su puerta (" Porque soy el primero en saber cuándo los planes se colocan "- de nuevo, insinuación).
Para el coro final, Costello repite "Aquí estamos, viviendo en el paraíso" un total de cuatro veces y luego canta "¡lujo limitado!" en una melodía diferente (armonizadora), con toda su energía. Durante medio minuto, repite la frase "ya estás buscando a otro tonto como yo" mientras Steve Nieve toca una melodía de teclado independiente debajo de él. La repetición aquí es más efectiva (y francamente, menos molesta) que en "Hand In Hand" - a medida que la canción se desvanece, casi se puede imaginar a Costello hundiéndose cada vez más en un abismo de autocompasión.
Una versión en vivo de la canción aparece en Live at Hollywood High . Al comienzo de la pista, Costello agradece al público por "quedarse después de la escuela" y con razón dedica "Living in Paradise" a "todos los chicos de la pista, los chicos del vestuario y todos los idiotas físicos". "Living in Paradise" es una de las canciones más subestimadas de Elvis de este período y, en mi opinión, una de las pistas más destacadas de This Year's Model . No dejes que una pequeña tontería te detenga.
11. "Lipstick Vogue"
"Lipstick Vogue" se basa en temas establecidos previamente en This Year's Model en canciones como "The Beat" y "Hand In Hand" (y fragmentos de todo lo demás): disolución de relaciones, culpa e inseguridad sexuales y posesividad romántica. Pero aquí, las atracciones son simplemente desenfrenadas: como en "Sin acción", las cosas suenan como si pudieran desmoronarse en cualquier segundo. Y durante el puente, en cierto modo lo hacen.
La canción comienza con un relleno de batería, pero en comparación con la introducción de "(No quiero ir a) Chelsea", esta es imprecisa (casi puedes imaginarte a Pete Thomas agitándose detrás de su equipo, piensa en Animal de los Muppets ). Steve Nieve comienza con una línea de teclado, y luego entra el resto de la banda mientras Pete Thomas se instala en un ritmo estable. Bruce Thomas está nuevamente en buena forma, manteniendo la canción melódicamente interesante incluso en ausencia de una línea vocal (a veces, las líneas de bajo de Bruce son tan pegadizas, después de todo).
Costello presumiblemente se dirige a una chica cuyo afecto es sospechoso: "No digas que me quieres cuando es solo un rumor / No digas una palabra si hay alguna duda". Costello compara su relación estancada con un tumor y sugiere que deberían "cortarlo", en la primera de las dos escalofriantes analogías de automutilación de la canción. "Dices que lo sientes por las cosas que has hecho / Dices que lo sientes pero sabes que no lo dices en serio / No me preocuparía si me divertí tanto / A veces casi me siento como un ser humano "- en esta segunda parte del verso, el narrador reconoce las ventajas sexuales de la relación, y agrega sarcásticamente que" casi lo hicieron sentir humano "a pesar de sus neurosis. Costello suena sin aliento cuando canta aquí, y complementa la canción '
La guitarra rítmica es más prominente en la mezcla que en la mayor parte del álbum. Durante la mayor parte del verso, Elvis "frota" agresivamente en un acorde, aunque su interpretación es más moderada durante los coros. Steve Nieve toca una melodía de piano de una sola nota durante la breve transición a la tonalidad mayor relativa de la canción durante el coro que recuerda a Abba, ya sea intencionalmente o por accidente (un claro presagio de la emulación total de "Dancing Queen" de la banda en Armed Forces ' "Ejército de Oliver"). En "eres tú" en el coro, Costello hace un intento descuidado y agudo de vibrato, una técnica que no dominaría hasta Trust , al menos.
Las atracciones "bajan un poco las cosas" para el segundo verso: no hay guitarra, solo bajo y batería, y un acorde de órgano sostenido silenciosamente por Steve Nieve. Después de la última línea del segundo verso, el críptico y realmente aterrador "Dices que no tengo sentimientos / Bueno, esta es una buena manera de matarlos", la banda degenera en el momento más confuso del disco (que ocasionalmente se extendería durante las presentaciones en vivo). Cada instrumento se vuelve cada vez más pronunciado y justo cuando crees que la banda ha llegado a su punto de ruptura, todos dejan de tocar abruptamente excepto Pete Thomas (con toques de piano adicionales cortesía de Steve Nieve), que toca una variación del patrón de batería de apertura.
Entonces entra Costello, ¿este es el verso final? Toda la banda entra de nuevo en una repetición de la línea destacada de la canción ("A veces casi me siento ... ¡como un ser humano!"). Durante este coro final, Elvis canta una armonía baja poco convencional en la palabra "tú" que es prácticamente imperceptible a un volumen bajo. Durante la coda, Elvis participa en una llamada y respuesta lúdica de 2 tonos con las atracciones. La canción termina con un acorde no resuelto, y Pete Thomas y Steve Nieve proporcionan puntos instrumentales sobre otro de los espeluznantes y sostenidos acordes de órgano de Nieve.
Las interpretaciones en vivo aparecen tanto en Live at Hollywood High como en Live at the El Mocambo , y existe una gran cantidad de imágenes de la canción interpretada en vivo durante este período de la carrera de Elvis. Costello tenía buenas razones para sentirse seguro al respecto: es otro de esos cortes representativos de las atracciones (quiero decir, ¿te imaginas que esta canción aparezca en My Aim Is True ? Pensé que no).
12. "Rally nocturno"
La inclinación de Costello por la analogía nazi surge en "Night Rally", la duodécima y penúltima pista de This Year's Model , y una interesante predicción de las Fuerzas Armadas (que hace el mismo tipo de cosas con más precisión). El corte tiene sus momentos, pero es lo más parecido a una pista débil en Model y su omisión en algunas ediciones estadounidenses del récord no es demasiado lamentable (a diferencia de "Chelsea"; pero como "Chelsea", se incluyó más tarde en el recopilación de probabilidades y fines Taking Liberties). Los aspectos de las pistas son sospechosamente similares a "Green Shirt" del siguiente disco: los versos de ambas canciones tienen la misma sensación aglomerante de un cuarto de tiempo, con intervalos de anticipación entre el bajo y la batería durante los versos.
En el coro, el (siempre consciente de la melodía) Pete Thomas toca la caja al compás de la melodía vocal ("Night ... ral-ly"). Los coros catárticos y el puente Spector-esque (que presenta un cambio dramático de tono) son los aspectos más destacados de la canción. El significado de la letra se limita a su época, ya que Costello supuestamente escribió la canción en respuesta a una repentina abundancia de manifestaciones neonazis en Londres a fines de la década de 1970. El estribillo ("Crees que son tan tontos, crees que son tan divertidos / Espera hasta que te tengan corriendo al mitin nocturno") es una advertencia para las masas susceptibles de no subestimar la ideología viral. Un ruido de retroalimentación espeluznante entra y atrapa la canción durante el desvanecimiento, y Costello canta deliberadamente "night rally" en un melodía desordenada (¿una impresión de zombi?) para contribuir a la cacofonía. la canción se vuelve progresivamente más fuerte y luego se corta abruptamente. Casi suena como una falla técnica.
Bonus Track: "Radio Radio"
En las versiones originales de This Year's Model , "Night Rally" fue la última canción de la secuencia y, por lo tanto, el final del álbum. "Radio Radio" se agregó a las ediciones posteriores debido a su éxito como single, y su inclusión cambia enormemente el tono del disco. "Night Rally" es amenazante y está lleno de imágenes devastadoras, y "Radio Radio", aunque no es menos subversivo en su tema, es más optimista y, de manera más satisfactoria, contiene una resolución adecuada.
"Radio Radio" es una de las composiciones más comentadas y amadas de Costello, y por una buena razón. El hecho de que se haya convertido en una de las canciones más reconocibles de la obra del artista solo se suma a su extraño y consciente sentido de la ironía. Es casi contrario a Elvis estar criticando la comercialización y la censura en una canción pop hermosa y completamente consumible (en lo que respecta a las canciones de power-pop, esta es una de las mejores de Elvis). Se dice que la canción se inspiró en los esfuerzos de la BBC para suprimir la popularidad de "God Save the Queen" de los Sex Pistols. Elvis debutó la canción en Saturday Night Live meses antes de This Year's Model'slanzamiento (casualmente, como un complemento de último minuto para los Sex Pistols) en un acto incendiario propio: Elvis y su banda en realidad estaban listos para tocar "Less Than Zero", otra canción política (pero esotérica) de My Aim Is Cierto , y en una decisión impulsiva tocó "Radio Radio" en su lugar. El creador / productor de SNL , Lorne Michaels, afirma que no le indignó el tema inflamatorio, sino la decisión de Costello de interpretar una canción que el equipo de cámara no conocía.
La canción es indeleble desde el principio: la introducción al teclado de Steve Nieve es verdaderamente clásica. Costello canta aquí con su desprecio característico: su interpretación vocal en "Radio Radio" es la "más malcriada" del disco, una culminación adecuada. En el pre-coro ("Estaba pensando seriamente") Elvis alterna entre dos acordes de potencia, y la ascensión del bajo les da una complejidad armónica. Una armonía vocal entra en el coro ("Radio, es una salvación de sonido"): el narrador está atacando al gobierno por pensar que su jurisdicción sobre la radio es un método confiable para prevenir la insubordinación, con la palabra "sonido" siendo un ingenioso referencia al tema de la canción, además. "Dicen que es mejor que escuches la voz de la razón / No te dan ninguna opción".
En el puente, Elvis reconoce la incongruencia de atacar lo mismo que le deja comer, pero su desdén por la censura es intratable: "Quiero morder esa mano que me da de comer / Quiero morder esa mano con tanta fuerza / Quiero hacer que deseen nunca me había visto ". En el segundo verso, Costello canta sobre cómo la mayoría de las personas son manipuladas por los medios de comunicación para que sean indiferentes, que las personas ("sus amigos") que se preocupan por lo que se les niega son un grupo escindido: "Algunos de mis amigos se sientan todas las noches y se preocupan por los tiempos que se avecinan / Todos los demás están abrumados por la indiferencia y la promesa de una cama temprano ").
El pre-coro esta vez es diferente, irregular: la banda corta y toca brevemente hits sincopados al comienzo de cada compás, con la mayoría de las voces de Elvis aisladas. Se las arregla, apenas, para encajar "anestesiar" en la última línea, una de sus lanzamientos líricos más ambiciosos en el disco. Después de una repetición del coro, Elvis canta, con un sarcasmo ardiente y casi tangible, "Radio maravillosa / radio maravillosa". La hilarante coda es en sí misma un envío de "Dios salve a la reina", como en la revista nacional británica himno, no la canción de los Pistols.
"Radio Radio" sigue siendo un elemento básico en el set en vivo de Costello. La banda lo toca hacia el comienzo de un set o en un bis en sus giras "Spectacular Spinning Songbook" incluso si no está seleccionado por la rueda. La canción también aparece en sus dos famosos álbumes en vivo de la época, Live at Hollywood High y Live at El Mocambo . "Radio Radio" es una interesante pista de cierre en el sentido de que se desvía del enfoque principal del álbum de romance no realizado. Pero de alguna manera, quizás inexplicablemente, cumple su función mejor que cualquiera de las otras selecciones del Modelo de este año (quizás porque es un soplo de aire fresco).
