LA ESCENA DE SAN FRANCISCO Y HAIGHT-ASHBURY
Entre los veranos de 1966 y 1967, los Beatles y los Beach
Boys dominaban el rock estadounidense con música cada vez más ambiciosa, pero
una escena psicodélica local se había desarrollado desde mediados de 1965 en
San Francisco. Una de las primeras señales importantes para el gran público de
que algo nuevo estaba surgiendo en la ciudad fue el Human Be-In, que se llevó a
cabo en Golden Gate Park en enero de 1967. Carteles la publicidad del evento lo
llamó una “reunión de las tribus” y reunió a miles de hippies del norte de
California para un día de poesía, espiritualidad y música proporcionada por
bandas locales como Quicksilver Messenger Service y Jefferson Airplane. El
Be-In atrajo la atención de los medios sobre la creciente cultura hippie de San
Francisco y en unos pocos meses el evento fue imitado en Nueva York y Los
Ángeles. Una empresa local de viajes en autobús de San Francisco comenzó a
ofrecer un "Tour Hippie Hop". En muchos sentidos, la escena psicodélica
de San Francisco surgió a partir del movimiento Beat de la zona de finales de
los 50 y principios de los 60: con reuniones en la librería City Lights de
Lawrence Ferlinghetti en North Beach, esta escena bohemia celebraba la poesía
de Allen Ginsberg y la prosa de Jack Kerouac. Ginsberg y sus compañeros de
Beats Michael McClure y Gary Snyder fueron mentores del movimiento hippie
emergente, e incluso ayudaron a organizar Human Be-In. Sin embargo, a pesar de
los muchos paralelismos entre los Beats y los hippies, también hubo diferencias
significativas, siendo la música la más crucial: el jazz de los músicos de
be-bop Charlie Parker y Dizzy Gillespie fue la elección de la mayoría de los
Beats, mientras que los hippies favorecieron la música. de los Rolling Stones,
Bob Dylan y los Beatles
The Red Dog, the Family Dog, and Kesey’s Acid Tests..
A mediados de la década de 1960, las escenas de la
contracultura se desarrollaron rápidamente en muchas áreas de los Estados
Unidos, con importantes bandas, periódicos y clubes surgiendo en Nueva York,
Detroit, Los Ángeles y el norte de California. San Francisco, y especialmente
el antiguo barrio victoriano de Haight-Ashbury, pronto se convirtió en el
centro de la escena psicodélica estadounidense. Sin embargo, los primeros
indicios de psicodelia tuvieron lugar en Virginia City, Nevada, en un bar
restaurado de estilo occidental llamado Red Dog Saloon. En junio de 1965, los
músicos de San Francisco, los Charlatans, se convirtieron en la banda de la
casa del Red Dog. Las noches de creación de música de forma libre y viajes con
ácido atraían cada vez más a los jóvenes a Virginia City para eventos
psicodélicos que servirían de modelo para los posteriores en el Área de la
Bahía. Para el otoño de 1965, un grupo de amigos que se hacía llamar Family Dog
comenzó a organizar bailes psicodélicos en los salones de baile locales de San
Francisco. El primero se llevó a cabo en octubre en el Longshoremen's Hall bajo
el título "Un tributo al Dr. Strange" y contó con los Charlatans, el
recién formado Jefferson Airplane y la Gran Sociedad. El segundo baile, "A
Tribute to Sparkle Plenty", se llevó a cabo varios días después con los
Charlatans y Lovin ’Spoonful (una banda de Nueva York). Alrededor de la época
de las danzas psicodélicas, el novelista Ken Kesey organizó una serie de
eventos que llamó "pruebas de ácido". Desde 1964, Kesey y una banda
de amigos vigorosamente bohemios que se llamaban a sí mismos los Merry
Pranksters habían estado viajando por el país en un autobús escolar pintado de
colores brillantes la palabra destino.Más.
. Al igual que Timothy Leary, Kesey celebró los
efectos liberadores del LSD y quería compartir la droga lo más ampliamente
posible. Pero Kesey no buscaba sabiduría espiritual mediante métodos de contemplación
y revelación silenciosas. En cambio, él y los Bromistas querían proporcionar un
entorno rico en estimulación impredecible para aquellos que pagaron un dólar
para ingresar a las pruebas de fuego y experimentar el LSD. Además de una dosis
del fármaco, los participantes pudieron disfrutar de presentaciones de
diapositivas y luces, efectos de sonido extraños y música rock, todo con la
esperanza de intensificar los efectos del ácido. Kesey ofreció por primera vez
sus pruebas de fuego al público en noviembre de 1965 en Santa Cruz y
rápidamente se dieron cuenta. En enero de 1966, 2.400 personas asistieron a una
de las pruebas de ácido de Kesey en el Auditorio Fillmore de San Francisco. La
banda de la casa para la noche fue un grupo llamado Grateful Dead, que
recientemente había cambiado su nombre de Warlocks. Se necesita un pueblo para
armar un escándalo: conciertos, noticias, la tienda psicodélica y radio FM. Los
bailes de varios conciertos combinados con los aspectos impredecibles y
multimedia de las pruebas de ácido de Kesey se convirtieron en el modelo para
los eventos psicodélicos en San Francisco durante los próximos años. Pronto,
las tardes psicodélicas de LSD y música rock fueron una característica habitual
en el Área de la Bahía. El promotor Bill Graham comenzó a organizar
espectáculos en el Fillmore, mientras que Chet Helms promovió espectáculos en
el Avalon Ballroom. Ron y Jay Thelin abrieron Psychedelic Shop en el distrito
de Haight-Ashbury para satisfacer las necesidades contraculturales de los
hippies, y las bandas locales alquilaron grandes casas victorianas en el
vecindario que también sirvieron como espacios de ensayo. (The Grateful Dead
vivía en 710 Ashbury). En septiembre de 1966, el San Francisco Oracle se unió
al Berkeley Barb como el periódico de contracultura más importante del área, y
la revista Rolling Stone se unió a ellos en noviembre de 1967. Si bien muchos
fuera de la subcultura hippie pueden haberse enterado por primera vez en 1967
con la noticia del Human Be-In y el verano del amor, el movimiento hippie
underground en San Francisco ya estaba firmemente establecido en el otoño de
1966. Sin embargo, un lugar donde la música psicodélica estaba ausente era en
la radio. La radio de música pop todavía estaba completamente en el dial AM y
orientada hacia sencillos de éxito corto. Claramente, el nuevo rock psicodélico
más largo no encajaría en ese formato. El dial FM había estado disponible
durante algunos años y en su mayoría presentaba programación de servicio
público: conferencias universitarias, conciertos de música clásica y programas
en idiomas extranjeros. Muchas radios ni siquiera tenían un dial FM. El
veterano de la radio de San Francisco, Tom Donahue, miembro de la escena
psicodélica, se enfadó con el negocio de la radio AM y desarrolló un nuevo
enfoque de programación de forma libre. Su formato incluía pistas más largas
colocadas una detrás de la otra con más libertad para el disc jockey y menos
charlas entre canciones en la cara. La esposa de Donahue, Rachel, informa que
llamó a varias estaciones de FM en la guía telefónica local hasta que encontró una
donde el servicio telefónico se había desconectado. Con la idea de que
cualquier estación de radio que no pudiera pagar su factura telefónica podría
ser receptiva a nuevas ideas, Donahue finalmente llegó a un acuerdo con
KMPX-FM. Comenzando con un horario nocturno en abril de 1967, Donahue y un
personal creciente pronto se hicieron cargo de la programación del día
completo, en su mayoría reproduciendo discos de sus propias colecciones. Si
bien Donahue no fue el primero en lanzar un programa de radio FM de formato
libre, una estación de Nueva York había emitido uno brevemente en 1966 y otro
DJ había probado uno en KMPX justo un mes antes de que Donahue saliera al aire.
primera persona en hacer que el formato sea exitoso. En cuestión de meses,
también dirigía una estación en Los Ángeles, y las estaciones de rock en FM
aparecieron en todo el país a raíz del avance de la psicodelia en el verano de
1967.
A San Francisco Timeline
June 1965: Charlatans begin at Red Dog Saloon
October 1965: Family Dog’s “A Tribute to Dr. Strange,” Longshoremen’s Hall, Charlatans, Great Society, Jefferson Airplane
October 1965: Family Dog’s “A Tribute to Sparkle Plenty,” Charlatans, Lovin’ Spoonful
November 1965: Kesey’s fi rst public acid test
December 1965: Acid test draws 400 in San Jose after Rolling Stones concert
January 1966: Acid test at the Fillmore Auditorium draws 2,400, Grateful Dead
January 1966: Three-evening Trips Festival, Longshoremen’s Hall, Grateful Dead, Big Brother
Early to mid-1966: Psychedelic Shop opens
September 1966: First issue of Oracle
January 1967: Human Be-In draws 20,000, Quicksilver, Jefferson Airplane, Big Brother
April 1967: KMPX-FM goes on the air
November 1967: First issue of Rolling Stone
The Grateful Dead.
La música estaba en el centro de la psicodelia de San Francisco, y el grupo en el centro de la música psicodélica en el Área de la Bahía era Grateful Dead. La banda tiene sus raíces en el movimiento folclórico de principios de la década de 1960. El guitarrista Jerry García comenzó como músico de folk, bluegrass y jug-band, tocando música tradicional en guitarra y banjo. Como muchos jóvenes músicos estadounidenses de su generación, los Rolling Stones le presentaron el blues eléctrico estadounidense. En la primavera de 1965, García estaba tocando una combinación de versiones de blues, canciones tradicionales basadas en el folk y música original con los Warlocks. Con base en el Área de la Bahía, los Warlocks también incluían a Ron “Pigpen” McKernan (órgano, armónica), Bob Weir (guitarra), Bill Kreutzmann (batería) y, finalmente, Phil Lesh (bajo). La banda pronto cambió su nombre a Grateful Dead y, como banda de la casa para las pruebas de ácido de Kesey, comenzó a desarrollar un enfoque altamente improvisado en el que las canciones individuales podían durar más que la mayoría de los álbumes. Si bien el estilo de forma libre del grupo funcionó bien en el contexto de las pruebas de fuego y en las actuaciones posteriores en Fillmore y Avalon, capturarlo en el estudio de grabación planteó dificultades significativas. Firmado por MGM en 1966, la banda y el sello se separaron después de varios meses sin que se lanzara un disco. La banda luego firmó con Warner Brothers y en marzo de 1967 lanzó un álbum debut, The Grateful Dead, que contiene melodías breves que no dan una indicación real de la naturaleza improvisadora de los shows en vivo de la banda. El segundo álbum del grupo, Anthem of the Sun (1968), no resolvió el problema de cómo grabar una representación representativa de su acto en vivo, pero proporcionó un ejemplo importante de la inclinación improvisadora de la banda. Compuesto por segmentos extraídos de grabaciones en vivo y de estudio, el álbum consta de dos caras que se ensamblaron a través de múltiples cintas en tiempo real. Así como los Beatles habían mezclado loops de cinta en tiempo real en "Tomorrow Never Knows", García y Lesh "mezclaron" cada lado de su álbum sobre la marcha con una cantidad considerable de improvisación de estudio sujeta al elemento del azar. Según García, el álbum se mezcló con el objetivo de intensificar la experiencia ácida. Lesh, un ex estudiante de composición, estaba familiarizado con la música electrónica de vanguardia y ha comentado lo impresionada que quedó la banda cuando escucharon "Tomorrow Never Knows". Los paralelismos entre las letras de Lennon (extraídas de The Psychedelic Experience de Leary, que aconseja a uno durante un viaje ácido) y la estética psicodélica de Anthem of the Sun, combinada con las similitudes en la manipulación de los sonidos grabados, hacen del álbum Grateful Dead una clara extensión. de la pista de los Beatles. Sin embargo, The Dead aún no había grabado su show en vivo, aunque el álbum de 1970 Live
Jefferson Airplane
Formado por el cantante Marty Balin y el guitarrista Paul
Kantner a mediados de 1965, Jefferson Airplane se estableció en la escena de
San Francisco un poco antes que los Dead. Formada para tocar en el club Matrix
de Balin, la actuación de la banda en la inauguración del club en agosto de
1965 obtuvo una crítica positiva del crítico del San Francisco Chronicle Ralph
Gleason (quien fue el mentor del joven editor Jann Wenner en los primeros años
de Rolling Stone) y llevó a un trato de grabación con RCA. Junto con los
miembros originales Jorma Kaukonen (guitarra) y Signe Anderson (voz), el
bajista Jack Cassady y el baterista Spencer Dryden completaron la formación de
la banda que grabó Jefferson Airplane Takes Off. Grabado a finales de 1965, no
se publicó hasta finales de 1966. Sin embargo, en octubre de 1966 Anderson
había sido reemplazado por Grace Slick, que había sido miembro de otro grupo de
San Francisco, la Gran Sociedad. Slick trajo dos canciones con ella, las cuales
se convirtieron en singles de éxito: "Somebody to Love" (p5, 1967) y "White
Rabbit" (p8, 1967). El segundo álbum de Jefferson Airplane, Surrealistic
Pillow (1967), que contenía ambas canciones, contó con Slick y subió al número
tres en las listas de álbumes estadounidenses. Esta Posteriormente, la
alineación grabó una serie de álbumes exitosos y a menudo innovadores,
incluidos After Bathing at Baxter's (p17, 1967), Crown of Creation (p6, 1968),
Bless Its Pointed Little Head en vivo (p17 uk38, 1969), y el políticamente
inspirado Volunteers (p13 uk34, 1969), todos los cuales se convirtieron en
elementos básicos de la radio FM progresiva de finales de la década de 1960.
Las primeras influencias del grupo fueron el folk y el blues estadounidenses,
pero se pueden encontrar elementos de jazz modal y música india en toda su
música, especialmente en sus solos instrumentales extendidos. El single
"White Rabbit" muestra cómo Jefferson Airplane fue capaz de combinar
la ambición musical con el formato de single AM. La canción está en forma AABA,
con una introducción. A los dos primeros versos les sigue un puente y luego un
verso ampliado, que también incluye un final dramático. La letra de la canción
se refiere a las historias de Alicia en el país de las maravillas de Lewis
Carroll, aunque la referencia clara en líneas como "alimenta tu cabeza"
es el uso de drogas psicodélicas. Las imágenes surrealistas de Slick resuenan
con las de muchos otros compositores psicodélicos, especialmente John Lennon,
cuya "Lucy in the Sky with Diamonds" también se inspiró en parte en
Alicia en el país de las maravillas. Jefferson Airplane modeló la música de
"White Rabbit" en el bolero español, escuchado especialmente en las
líneas de guitarra de Kaukonen que suenan en español en la introducción. Slick
recuerda haber escuchado el álbum de jazz orquestal de Miles Davis y Gil Evans
Sketches of Spain en busca de inspiración, pero la forma dinámica general de la
pieza se asemeja mucho a una conocida obra orquestal del compositor francés
Maurice Ravel titulada Boléro (1927-28). A menudo utilizado por los educadores
musicales para ilustrar la amplia variedad de colores de tono disponibles para
el orquestador maestro, el Boléro de Ravel emplea una sola melodía con tintes
españoles que se repite varias veces, pero contextualizada de manera diferente
en cada repetición para explotar la gama completa de colores orquestales
disponibles. Sin embargo, lo que es más importante para nuestra discusión de
"White Rabbit", Boléro se construye como un solo crescendo largo: se
construye continua y gradualmente hacia su violento clímax musical. Esto es
precisamente lo que hace “White Rabbit”, aunque en una escala de tiempo más
comprimida (la pieza de Ravel dura casi quince minutos). Al igual que con
Anthem of the Sun de Grateful Dead y "Tomorrow Never Knows" de los
Beatles, nuevamente encontramos una canción que trata sobre la experiencia
ácida y emplea técnicas ambiciosas tomadas de la música clásica. En el caso de
“White Rabbit”, sin embargo, la música clásica involucrada no es música de
vanguardia, sino música orquestal de principios del siglo XX.
Big Brother y la Holding Company y Janis Joplin.
Al igual que Grateful Dead y Jefferson Airplane, Big Brother
y la Holding Company experimentaron con música clásica y de vanguardia. En un
momento dado, la banda interpretó regularmente una versión de "Hall of the
Mountain King" de Edvard Grieg de la obra Peer Gynt, y contempló una pieza
experimental llamada "Bacon", que duraría tanto tiempo como para
freír un plato de tocino en etapa. Sin embargo, la banda disfrutó de su mayor
aclamación y éxito, apoyando a la cantante Janis Joplin en temas de blues
eléctrico. Joplin había dejado su ciudad natal de Port Arthur, Texas, a
principios de la década de 1960 para cantar en clubes nocturnos de Austin. A
mediados de la década, se dirigió a San Francisco, donde cantó durante un breve
período antes de dejar la música para regresar a Port Arthur. Big Brother and
the Holding Company fue formado en parte por el promotor de conciertos Chet
Helms, quien la convenció de regresar a San Francisco para unirse a la banda.
El primer álbum homónimo de la banda fue lanzado en el otoño de 1967. Su
segundo álbum, Cheap Thrills, se convirtió en un enorme éxito comercial,
alcanzando el número uno en las listas de álbumes de Estados Unidos en el otoño
de 1968, mientras que el sencillo "Piece of My Heart ”Subió al número
doce. Joplin pronto dejó a Big Brother para embarcarse en una carrera en
solitario, y en el otoño de 1969 su álbum debut, I Got Dem Ol ’Kozmic Blues
Again Mama !, llegó al número cinco en la lista de éxitos de Estados Unidos. A
lo largo de su vida adulta, Joplin luchó con el abuso de drogas y alcohol y el
4 de octubre de 1970, fue encontrada en una habitación de hotel muerta por una
sobredosis. Su álbum Pearl, lanzado póstumamente, se convirtió en su lanzamiento
más popular, llegando al número uno a principios de 1971, mientras que su
versión de "Me and Bobby McGee" de Kris Kristofferson alcanzó la cima
de las listas de sencillos de Estados Unidos. El poderoso estilo de blues y la
imagen de vida dura de Joplin recordaban a los cantantes de blues anteriores
como Ma Rainey, Bessie Smith y Big Mama Thornton, a quienes emulaba. Fue una
figura central en la escena de Haight-Ashbury antes del verano de 1967 y su
estilo de canto basado en el blues ofrece un ejemplo importante de la conexión
entre la psicodelia y la música afroamericana. Los músicos de Big Brother
estaban más en sintonía con otros aspectos de la estética psicodélica y, aunque
reconocieron la importancia del blues en su música, también enfatizaron cómo se
esforzaban por encontrar algo nuevo, un estilo que llamaron "blues en
tecnicolor".
Country Joe and the Fish
Dirigidos por el
cantante y guitarrista Joe McDonald de Washington, D.C. y Barry "The
Fish" Melton de Nueva York, Country Joe and the Fish participaron
activamente en la política radical en Berkeley, California. Si bien la política
de los radicales de Berkeley y la contracultura de los hippies de San Francisco
se consideran típicamente como aspectos diferentes de la misma escena local,
las dos comunidades a menudo tenían dificultades para ponerse de acuerdo sobre
cuestiones de cambio cultural y político. La música era importante para ambos
grupos, pero para muchos de los radicales, los hippies parecían espaciosos y,
en general, ajenos a los problemas políticos que más les preocupaban. Para
muchos hippies, los radicales parecían demasiado intensos y colgaban de la
acción política. Country Joe and the Fish eran una especie de puente entre las
dos comunidades. En 1965, por ejemplo, la banda publicó una grabación de
reproducción extendida (EP) que se incluyó en un número de Rag Baby, una
revista radical fundada por McDonald que circulaba en el área de San Francisco.
Dos años más tarde, la banda lanzó un álbum debut marcadamente psicodélico,
Electric Music for the Mind and Body (p39, 1967). Si bien este álbum muestra
claramente los orígenes de la banda en el blues acústico y el folk, es más
notable por sus muchos momentos influenciados por el uso de LSD por parte de la
banda. La “Sección 43” atmosférica y experimental es el mejor ejemplo de esto.
Según los relatos de la banda, todo el disco fue diseñado, como el Himno del
sol de Grateful Dead, para realzar el viaje ácido del oyente. El siguiente
álbum del grupo, I-Feel-Like-I'm-Fixin'-toDie (p67, 1968), incluía la canción
principal, grabada originalmente en 1965 como una denuncia abierta de la guerra
de Vietnam, y el "Fish Cheer". que la banda se hizo famosa al
insertar la palabra “joder” en lugar de “Fish” en presentaciones en vivo, sobre
todo en Woodstock. Si bien Together (p23, 1968) trajo el mayor éxito comercial
del grupo, ya marcó el declive musical de la banda.
https://www.rochester.edu/popmusic/courses/rock-history.html
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