Robert Lester Folsom, cantautor y guitarrista nacido en Georgia, fusiona la psicodelia suave, la música americana y el sonido nostálgico de la radio AM en un estilo inconfundiblemente propio. Su álbum debut, autoeditado en 1976, «Music and Dreams», un clásico de culto, circuló discretamente por el sureste de Estados Unidos antes de caer en el olvido. Esto cambió cuando, en la década de 2010, coleccionistas de discos y sellos discográficos de reediciones rescataron sus grabaciones. Tras este redescubrimiento, el material inédito de Folsom vio la luz gracias a «Ode to a Rainy Day: Archives 1972–1975» y «Sunshine Only Sometimes: Archives Vol. 2», dos aclamadas recopilaciones de demos conmovedoras que consolidaron la reputación de Folsom como un maestro olvidado del pop casero. En su presentación en Audiotree Live, Robert Lester Folsom interpreta canciones de toda su discografía, demostrando su talento para la melodía y los estribillos pegadizos, así como su profunda introspección, donde la luz y la oscuridad conviven en armonía. Durante su entrevista con el presentador de Audiotree, Psalm One, Folsom conversa sobre cómo The Beatles transformaron su vida, el resurgimiento de su música y algunos de sus artistas contemporáneos favoritos. ¡
Una mezcla perfectamente equilibrada de Alt. Canciones de amor country que suenan perfectas tanto para camionetas Chevy como para híbridos Toyota.
Supongo que tengo que emitir un descargo de responsabilidad aquí; ya que el productor de este lanzamiento de Robert Lester Folsom no era otro que nuestro propio Roy Peak; quien me envió una copia anticipada. Como le digo regularmente a la gente cuando hablan de la extraordinaria cantidad de álbumes que obtenemos aquí en RMHQ, "¡Deberías ver el tamaño de la caja con los que no revisamos!" Entonces, hasta cierto punto, cada álbum que revisamos en RMHQ tiene que merecer no solo nuestro precioso tiempo para escucharlos; pero su precioso dinero para comprarlos …… # BuyDon'tSpotify! Entonces; el hecho de que Roy estuviera involucrado no significaba que este álbum necesariamente pasaría nuestras estrictas barreras. Al igual que cuando éramos niños en una tienda de discos, la primera canción tiene que llamar mi atención de una forma u otra; y la canción principal instrumental, Autumn Lament lo hace con facilidad. La guitarra de acero súper genial y los instrumentos variados que se combinan para crear una melodía interesante y atmosférica para liderar un álbum fue una decisión valiente pero digna; y funciona mucho mejor de lo que debería. Sigue la primera canción real, It's Not You, y el estado de ánimo es similar al de esos álbumes de los 80 que nos llevaron a lo que ahora conocemos como Alt. País; no lo suficientemente country para ser country y tampoco suficiente entusiasmo para hacerlos Country Rock; pero lo suficientemente bueno como para seguir siendo escuchado veinte años después del lanzamiento. Tal vez sea porque varias de estas canciones han permanecido inactivas desde finales de los 70, sólo para cobrar vida a principios de este año para este 'Ciclo de canciones' sobre el amor y las relaciones; que no debería asustarte; ya que cada canción parece estar aquí por mérito; en lugar de "relleno" para mover una "Ópera Rock". Quizás Robert se decepcionará de mí; pero disfruté escuchando Winter Warning, Dancing With Piano In The Rain y Waiting For Summer por sus propios méritos, sin preocuparme por ninguna narrativa que los vincule. Presumiblemente con la ayuda del Legendario Roy Peak, Folsom se las arregla cómodamente para jugar con nuestras emociones usando cada regalo que un compositor y músico tiene en su caja de herramientas; yuxtaponiendo el suave rompecorazones acústico One More Song con el claustrofóbico Hop Hop Hop Hop Hippity Hop y luego cerrando el álbum con el sureño See You Later, I'm Gone, que suena genuinamente como Jason Isbell haciendo una versión de The Lemonheads. Esa última canción iba a ser mi canción favorita durante un par de semanas; pero recientemente, el oscuro y melancólico Missing You X 7 ha evolucionado y se ha desenredado de una manera que solo puede hacerlo jugar repetidamente; por lo que ahora gana el título; pero vale la pena echarle un vistazo a ambos antes de comprar el álbum. No había oído hablar de Robert Lester Folsom antes de recibir este álbum; lo cual es una triste sorpresa ya que parece ser bastante 'el gran problema' en Florida y Corea del Sur también. Lo cual no es ninguna sorpresa, ya que tiene una voz de canto que quema en tu alma y canciones que sin duda son iguales a muchos de sus compañeros actuales.
Si hay un músico de todos cuantos se cambiaron de carrera que dio un cambio que no se lo debió creer ni su padre, quien por cierto le ayudó a darlo, ese fueWalter Lure, de losHeartbreakersdeJohnny Thunders, posiblemente el grupo más yonqui que jamás haya existido. Veámoslo en perspectiva, empezando desde el principio.
Heartbreakers fueron el grupo que formaron Jerry Nolan y Johnny Thunders de las ruinas de New York Dolls, uno de los grupos pioneros del glam y del punk rock. Nolan llegó sustituyendo al batería Bill Murcia, que falleció de forma lamentable. Fue en una primera visita del grupo a Inglaterra. Habían sido invitados por Rod Stewart porque Melody Maker les había vendido como the next big thing, el secreto mejor guardado de los bajos fondos de Nueva York y esas etiquetas que colocaba periódicamente la prensa musical. Pasaron de tocar delante de no más de quinientas personas en clubes de mala muerte a hacerlo ante más de diez mil. Al final del show, Murcia acabó en una fiesta donde se hinchó a quaaludes, un barbitúrico. Se vino abajo y los presentes lo metieron en una bañera con agua helada para intentar reanimarlo. Lo que hicieron fue ahogarlo.
Así lo contó Marty Thau (fallecido en 2014), su primer mánager —quien también descubriera a Suicide, los Real Kids o los Fleshtones años después—, en Por favor, mátame: «Bill acabó en esa fiesta y por una combinación de alcohol y, según venía en la autopsia, quaaludes, se empezó a ahogar. Empezó a cambiar de color y se desmayó, y el piso, que estaba lleno de gente, se vació. La gente huyó. Les importó una mierda que ese pobre chico se estuviese ahogando hasta la muerte. Todos corrieron buscando salvar su propio pellejo. La gente que se quedó no quería escándalos, así que le metieron en una bañera de agua helada y dejaron correr el agua. Se ahogó. Lo que tendrían que haber hecho inmediatamente era llamar a una ambulancia, mandarlo al hospital a que se hiciera un lavado de estómago y habría estado bien». El grupo volvió directo a Nueva York y su mánager se quedó respondiendo las preguntas de Scotland Yard.
De vuelta en casa reclutaron al aludido Jerry Nolan. Poco después hubo otro viaje a Inglaterra y volvió a dejar huella, esta vez artística. Un chaval, Malcolm McLaren (muerto en 2014), estaba esperándolos loco por asistir a todos los conciertos que dieran en su país. En la actuación de los Dolls en el prestigioso programa Old Grey Whistle Test de la BBC, el presentador, Bob Harris, les trató con desprecio, tomándoselos a broma. Ya por aquel año, 1973, el rock «no era para reír», por decirlo de algún modo, había ya una tontería y unas ínfulas que los propios Dolls contribuyeron a derribar directa o indirectamente. Porque, de hecho, esa actuación televisada marcó a varios jinetes del Apocalipsis. Por un lado, los Sex Pistols, pero también un tipo con la importancia de Morrissey dijo de aquel show que fue su «primera experiencia emocional seria». El público reunido en el concierto que dieron en Londres era el colmo de la sofisticación. Estaban todos los artistas de la ciudad, la jet y personajes como Paul McCartney. La prensa los había vendido como lo más tope de lo tope, la nueva sensación. Sin embargo, aquello tenía poco de nuevo. Eran cinco tíos vestidos de puta tocando viejo y áspero rock and roll.
Sylvain Sylvain, guitarrista, lo reconoció sin ambages: «Esperaban que fuéramos la banda más increíble de todas y se encontraron con la sucia energía de cinco chavalillos punkis que le habían dado la vuelta a la música para empezar todo de nuevo».
En la siguiente escala en París el impacto no fue menor. Johnny Thunders vomitó, nada más aterrizar, delante de los fotógrafos. Esos días estaba empezando a ponerse de heroína seriamente. Luego, en la tristemente célebre sala Bataclan protagonizaron otro incidente. El público, quizá por esa pota que le cayó al periodista de Paris Match, hizo lo propio y comenzó a escupir a Johnny Thunders. Él se lanzó a por ellos pie de micro en mano y se montó una reyerta de la que salió con la cabeza sangrando y por patas, porque el equipo de seguridad se lio a porrazos con todos los presentes.
Estos incidentes y las ventas del primer disco, buenas para un debut, malas para un grupo con tanta promoción, hicieron que en su sello, Mercury, estuvieran con la mosca detrás de la oreja. El segundo álbum vendió aún menos y el sello se terminó desentendiendo del grupo. Fue en ese momento cuando aquel fan inglés, Malcolm McLaren, se convirtió en su mánager. Iba a relanzarlos y, por algún motivo, decidió que al travestismo había que darle una vuelta de tuerca y los atavió como putas comunistas en sentido literal. Cuero rojo y bandera gigante con la hoz y el martillo detrás del escenario. Ahora ya sí que nadie quiso ficharlos. El grupo se hundió para siempre. Era 1975 y McLaren al menos se quedó con la copla para no fallar con su siguiente cliente, los Sex Pistols. Al otro lado del charco las esvásticas funcionaron mejor que las estrellas rojas en Estados Unidos.
Mientras tanto, Johnny Thunders y Jerry Nolan, acuciados por la necesidad de liquidez para pagarse las drogas, se juntaron con nuestro protagonista, Walter Lure, para dar forma a los Heartbreakers.
Richard Hell de camino al CBGB, 1977. Fotografía cortesía de Bombed Out Punk.
Durante un tiempo, Richard Hell estuvo en el grupo. Este señor, ex de Television, fue quien tuvo que quitarse una camiseta que se había confeccionado él mismo donde se leía «Por favor, mátame» cuando un fan se ofreció voluntario para hacerlo, completamente convencido de que a su ídolo le agradaría. Hell se quejaba por aquel entonces de que ya nadie leía y que la poesía, a lo que él aspiraba, a ser poeta, solo estaba en grupos como el de Johnny Thunders y Jerry Nolan, por eso se unió a ellos. El rock and roll era la poesía por otros medios. Su paso por el grupo, que fue breve, anécdotas al margen, resultó clave en los Heartbreakers porque se llevó a los ensayos «Chinese Rock», la canción sobre la heroína que había compuesto Dee Dee Ramone en el apartamento de Debbie Harry tras un pique con él. Le retó a que no sería capaz de escribir algo mejor que «Heroin» de Lou Reed y ese fue el resultado.
Cuando Richard abandonó el grupo para montar sus Voidoids, los Heartbreakers no dejaron escapar la canción. Es más, con su implacable lógica yonqui, se la apropiaron. Tras la marcha de Hell, el grupo quedó configurado con nuestro Lure a la guitarra y un cuarto en discordia, Billy Rath, un sujeto que, según le describió Oriol Llopis en Ruta 66 después de tratarlo en persona, «era el puta que siempre sabe dónde está la onda de caballo».
Con esta formación el grupo echó a andar, si se le puede llamar así a esos andares. Después de la experiencia con New York Dolls, Johnny y Jerry eran toxicómanos totales. «Todo lo que hacíamos giraba en torno a la droga, no había ensayo si no nos drogábamos antes. Para todo lo que hacíamos nos teníamos que drogar», explicó después Nolan.
Pocos grupos habrá habido en los que todos eran yonquis, vivían tirados como yonquis y cantaban cosas de yonquis. Pleno al quince, no detallitos de yonqui por separado. Con esa filosofía, encendidas las alarmas por un estilo de vida que excedía ligeramente el relaxing cup of café con leche, a Johnny Thunders le llamaban la atención sus allegados, pero él replicaba que en el mundo del rockKeith Richards lo había logrado y era un yonqui, y entonces le tenían que explicar que Keith Richards primero lo había logrado y luego se había hecho yonqui, no al revés.
Sin embargo, los que en principio sí que lo lograron fueron otros gracias a ellos. Mientras descargaban en tugurios como el CBGB y el Max’s Kansas City, en Europa empezaban a escribirse artículos sobre la escena neoyorquina, con Talking Heads, Television, Ramones y ellos mismos como protagonistas de un cuento maravilloso, que en realidad era difícilmente perceptible en la calle. Pero en enero de 1976, en Newsday, Wayne Robins describía cómo vestían, qué influencias tenían y cómo eran estos posthippies cuyos días de reinado iban a llegar, anunciaba solemnemente, y no se equivocó.
El CBGB en 1977. Fotografía cortesía de Bombed Out Punk.
Cuando los Heartbreakers desembarcaron en Inglaterra un año después, 1977, ya estaban en marcha los Sex Pistols, los Clash, los Buzzcocks y los Damned. Estos grupos, alimentados por un deseo de volver al rock primigenio, como estaban haciendo en Nueva York los Ramones, con ganas de meter cera como el ruido de los Stooges de Iggy Pop, e incluso queriendo imponerse en la jerarquía del caos como había pasado en el rock alemán, el kraut, dieron con la fórmula para llevárselo crudo. No obstante, en una gira con todos ellos, «The Anarchy in the UK Tour», concebida para dar el pelotazo, como era de esperar no salió como era de esperar, válgame la redundancia, y se quedaron tirados en Londres sin un duro.
De veintiséis conciertos planificados pudieron dar solo cuatro o cinco. Tirados, al menos aprovecharon para registrar en los Essex Studios su primer álbum. Su título, LAMF (Like a motherfucker: «Como un hijo de puta»), era una pintada que habían visto en las calles de su ciudad. El sonido corría la misma suerte. Era lamentable y ha sido objeto de remezclas y nuevas grabaciones durante treinta años. Claro que, ¿a quién le interesa un disco de punk que suena bien? Gente, hay gente para todo, pero…
Sin embargo, el impacto de los Sex Pistols fue bestial y se convirtió rápidamente en una máquina de hacer dinero. Su influencia conquistó América, tal y como había ocurrido tiempo atrás con la british invasion, cuando el blues robado por los niños blancos fue devuelto triunfante y transformado a Estados Unidos. Para ese momento, nuestro amigo Walter Lure ya se estaba dando cuenta de que todo aquello no era más que el enésimo gran timo del rock and roll, aunque en Gales tuvo que ver cómo un grupo de sacerdotes y padres se manifestaba frente al teatro donde iban a actuar pidiendo a los críos que no entraran, que dentro se encontraba el diablo, y distribuyendo Biblias entre el personal. Para su sorpresa, todo el mundo se tomaba en serio aquella pantomima.
Entrevistado por John Savage en Sounds en octubre del 77, Lure dio una visión prosaica y desapasionada de todo ese movimiento que se supone que abanderaban. Decía que en Nueva York la moda del punk empezaba a ser más popular que la música. Las fiestas más famosas de la ciudad eran los eventos «punk» que organizaban los grandes diseñadores de moda, se mofaba. En las revistas de sociedad te encontrabas con que Cher y Gregg Allman se habían dejado caer por una fiesta punk. Aquello era una tontuna de mucho cuidado, aunque al menos servía para el sarcasmo, «Cher se acaba de arreglar la cara con cirugía estética, así que ella sí que parece bastante punk», apostillaba.
De repente, la ciudad estaba plagada de tiendas punk y fotos de Johnny Rotten por todas partes. El detonante por lo visto fue un especial de la NBC que exageraba el punk británico como antes habían exagerado los periodistas británicos el punk neoyorquino. La chispa saltó cuando los New York Dolls, que se habían autoproclamado estrellas antes de ni tan siquiera haber lanzado un disco, le enseñaron a la gente que comportarse como un perfecto gilipollas no era óbice para llegar a rock star. Los Ramones cogieron el guante, eso llegó a oídos de los británicos, apareció la televisión y así el punk conquistó las escenas, el mercado y arruinó a muchos músicos virtuosos de los de «el rock no es para reír». La desgracia para muchos de los grupos neoyorquinos fue que, para ese momento en el que les podrían haber volado la cabeza a los británicos con su punk rock auténtico y genuino, como el de los Heartbreakers, ellos ya se habían hecho al molde autóctono de sus grupos locales. Así lo explicó Walter Lure en una entrevista en 2009 en L. A. Record.
Con esta desazón, Johnny Thunders tomó la decisión a finales de ese mismo 77 de empezar una carrera en solitario y el grupo quedó finiquitado. Walter, desde entonces, colaboró en algunos discos de los Ramones mientras sus excompañeros llevaban una trayectoria errante no exenta de discos mágicos, como el aclamado So Alone de su jefe.
Johnny Thunders en 1980. Fotografía: Herzco (CC).
En 1991 murió Johnny Thunders en extrañas circunstancias tras toda una vida dedicada al exceso. Y un año después se fue Jerry Nolan tras una meningitis que pudo haber contraído pinchándose. Ambos están enterrados el uno junto al otro en el cementerio de Queens, a cinco metros de distancia. También podría estar junto a ellos Billy Rath, pero en 1985 dio la espantada y desapareció del mapa. Tomó esa decisión porque se veía con un pie en la tumba por su adicción a la heroína. Durante la rehabilitación le pasó lo que a muchos, le dio por leer la Biblia y le gustó lo que encontró. Tanto que terminó convirtiéndose en sacerdote y llegó a llevar varias iglesias en las que trabajaba en la ayuda a los adictos, enfermos a los que conocía bien. Murió en 2014 con sesenta y seis años. Lo que nos lleva a la gran pregunta: ¿cómo logró sobrevivir Walter Lure?
Pues cuando se quedó sin los Heartbreakers tuvo que recurrir a su padre, que había sido banquero toda su vida. Este lo recomendó a brokers de bolsa que necesitaban trabajadores temporales a su cargo. Walter se metió a currar un par de días a la semana y aprovechó el resto de los días libres para «resolver problemillas de los viejos tiempos», en sus propias palabras. Cuando estuvo limpio, pasó a ser empleado a tiempo completo y no se le debió dar mal el mercado bursátil, porque en los noventa llegó a tener a su cargo a ciento veinticinco personas en Wall Street. Sin másteres ni posgrados: «Entré por la puerta de atrás, porque yo no había estudiado», explicó. Gracias al curro logró mantenerse limpio durante veinticinco años y por ahí sigue danzando. Podría decirse el tópico rockero de que con actitud uno puede lograr lo que se proponga, pero Walter, según declaró en Uber Rock, no se hace muchas pajas mentales y considera que el hecho de no estar muerto, como todos sus compañeros, no ha sido más que cuestión de suerte:
No te creas que yo fui del todo inocente en aquellos días solo porque estoy vivo ahora. Todos fuimos absorbidos por ese estilo de vida con ligeras variaciones y nos costó unos cuantos años de adaptación antes de volver a la normalidad. Yo tuve suerte de tener estilos de vida alternativos al aterrizar para sustituir los que eran demasiado perjudiciales. También tuve suerte de encontrar un trabajo e incluso disfrutar lo que estoy haciendo en Wall Street. Si hubiese encontrado trabajo de taxista, quizá no habría durado tanto tiempo También conseguí mantenerme fuera de cualquier problema legal durante años, más por suerte que por otra cosa.
Por suerte o por desgracia, si todo el mundo representa un papel en el circo del rock and roll, el de Johnny Thunders, Jerry, Walter y Billy, los Heartbreakers, por la época y la entrega que pusieron, fue cinema verité. Y el paso de Walter Lure por el mundo de la heroína neoyorquino de los setenta y Wall Street en los últimos veinticinco años le convierte en, posiblemente, el hombre que más mierda ha visto en su vida en todo el mundo.
WIKIPEDIA Barbara Lynn, nacida Barbara Lynn Ozen, en Beaumont, Texas, el 16 de enero de 1942,1 es una cantante, guitarrista y compositora de rhythm and blues estadounidense.
Biografía
Desde
niña comenzó a tocar el piano, pasando posteriormente a la guitarra,
encordada para tocar con la mano izquierda, ya que Lynn es zurda.
Influida tanto por artistas de moda como Brenda Lee, Connie Francis o Elvis Presley1 como por los músicos de blues, Guitar Slim o Jimmy Reed, se presentó a varios concursos de talentos locales y pronto fundó su propia banda juvenil, llamada Bobbie Lynn and Her Idols.
Comenzó a actuar en clubes locales de Texas hasta que fue descubierta por el cantante Joe Barry que le presentó al productor Huey P. Meaux.
Con el consentimiento de sus padres, Meaux, se llevó a Lynn a Nueva Orleans para grabar su primer single “You’ll Lose a Good Thing” coescrita por Lynn y Meaux, y que contó con la colaboración de importantes músicos profesionales como Mac Rebennack (Dr.John).
Publicado por Jamie Records, “You’ll Lose a Good Thing” llegó al número 1 de las listas de éxitos nacionales de rhythm and blues y entró en el top ten de las listas pop de 1962. La canción fue posteriormente grabada por artistas como Aretha Franklin o Freddy Fender. Lynn también lanzó un álbum, titulado You’ll Lose a Good Thing que contenía diez de sus composiciones.
Lynn constituyó un fenómeno inusual para la época, ya que se trataba
de una mujer afroamericana que componía sus propias canciones y que
además tocaba la guitarra principal. Pronto estuvo de gira junto a
grandes músicos de soul como Gladys Knight, Stevie Wonder, Smokey Robinson, Dionne Warwick, Jackie Wilson, Sam Cooke, Otis Redding, James Brown, Al Green, Marvin Gaye, Ike & Tina Turner, The Temptations y B.B. King. Apareció en dos ocasiones en el espectáculo American Bandstand en el Teatro Apollo de Nueva York y su canción “Oh Baby (We´ve Got A Good Thing Goin’)” de 1964 fue versioneada por los Rolling Stones en el álbum de 1965 The Rolling Stones Now!.
Barbara Lynn continuó grabando para el sello Jamie Records hasta 1966, año en el que grabó “You Left the Water Running”, su último éxito antes de firmar con Atlantic Records
al año siguiente. Con esta nueva discográfica grabó en 1968 su álbum
Here Is Barbara Lynn. En 1970, a los 28 años, Lynn se casó por primera
vez. Fruto de este matrimonio nacieron sus tres hijos y se trasladó a
vivir a Los Angeles.
La escasa promoción de su discográfica y la dedicación a su familia,
hicieron que Barbara Lynn tomara la decisión de retirarse
profesionalmente de la música. No obstante, durante la década de los 70 y
parte de los 80, reaparecía ocasionalmente en clubes de Los Angeles y grabó algunos sinlges en pequeñas discográficas. En 1984 realizó una gira por Japón, y grabó un álbum en vivo, You Don’t Have to Go, que fue lanzado posteriormente en EE.UU. Tras la muerte de su marido, reanudó su carrera musical y volvió a Beaumont, Texas,
donde vivía su madre. Siguió realizando giras internacionales, por
Europa y otros lugares. En 1994, por primera vez en más de veinte años,
Lynn vuelve a grabar un álbum de estudio, So Good. En 1999 recibió el premio Pioneer Award concedido por la Rhythm and Blues Foundation.
En la actualidad, Barbara Lynn, continúa residiendo en su ciudad natal y participando en conciertos por todo el mundo.
Robert Lester Folsom - "Ginger" from Mexican Summer on Vimeo.
Otro de esos casos curiosos del mundo de la música.Disco y artista que pasa totalmente desapercibido en su momento y que debido a una reedición acapara cierta atención de los fans. Un empleado de una tienda de discos, que había formado parte de diferentes bandas decide grabar un disco en un estudio profesional en Atlanta llamado -Music and Dreams-(1978) del cual se hicieron 1000 copias. Como la mayoría de aficionados, teniendo una familia que mantener se decide por un trabajo seguro, pintor de casas.Tocando por su localidad en bandas de versiones para divertirse. Panda Bear escucha las grabaciones y se reeditan en el sello independiente de Brooklyn Mexican Summer en 2010. Ahora en 2015 se reeditan grabaciones caseras aunque sigue con su trabajo de pintar casas.
Nils Lofgren nació en Chicago el 1951, su procedencia es italiana y sueca.Se trasladó a la localidad de Bethesda, Maryland. Su primer instrumento fue el acordeón clásico. Después de estudiar música clásica y jazz Lofgren cambió su énfasis a la música rock y se centró en el piano y la guitarra. En 1968, formó la banda Grin, con el bajista George Daly, y el batería Bob Berberich. El grupo tocó en toda el área de Washington, DC. Lofgren había sido gimnasta en la escuela secundaria, una habilidad que apareció más tarde en su carrera. Durante este tiempo, se reunió Lofgren, Neil Young y tocó para él.
Lofgren se unió a la banda de Neil Young a los 17 años, tocando el piano y la guitarra en el álbum After the Gold Rush,le dieron esta responsabilidad a pesar de tener poca experiencia; Lofgren trabajó en sus partes durante todo el día. Lofgren mantiene una estrecha relación musical con Neil Young, que aparece en su álbum Tonight's the Night entre otros. También fue brevemente un miembro de Crazy Horse, que aparece en su LP de 1971 y contribuyó a sus canciones.
Lofgren formó la banda con el bajista original George Daly y el batería Bob Berberich, y el grupo tocó en toda el área de Washington DC antes de ir a California. Daly dejó la banda desde el principio para convertirse en ejecutivo de Columbia Records A & R y fue reemplazado por el bajista Bob Gordon. Los álbumes de Grin fueron aclamados por la crítica del rock pegadizo, duro, a partir de 1971 a 1974, con la guitarra como instrumento principal de Lofgren. Lofgren escribió la mayoría de las canciones del grupo, y con frecuencia compartía los derechos de voz con otros miembros de la banda (sobre todo el batería Bob Berberich). Después del segundo álbum Nils agregó a su hermano Tom Lofgren como guitarrista rítmico.
En 1974 se disolvió Grin. El álbum de debut de Lofgren como solista fue un éxito en las críticas: (en 1975 Jon Landau (crítico de Rolling Stone) calificó como uno de los álbumes más finos de rock del año), fue el número 5 en la lista de NME de los álbumes del año y "Cry Tough" fue votado como 10 en la ronda de 1976 NME. Logró éxitos de radio de rock progresivo a mediados de la década de 1970 con "Back It Up", "Keith Don't Go" y "I Came to Dance". Su canción "Bullets Fever", sobre el campeón de la NBA en el 1978 Washington Bullets, se convertiría en una de las favoritas en el área de Washington. A lo largo de la década de los 70, Lofgren lanó discos como solistas y salió de gira con una banda de acompañamiento que otra vez incluya a su hermano Tom en la guitarra rítmica. Los conciertos de Lofgren hicieron gala de su reputación, como tocar la guitarra mientras haci volteretas.
En 1971 apareció en el escenario en el Roy Buchanan Especial, televisión PBS, con Bill Graham. En 1973 apareció en la NBC en el especial de medianoche, tocando tres canciones en vivo. En 1978 escribió y cantó el "Nobody Bothers Me", para el anuncio de Jhon Rhee Tae Kwon Do, y también apareció en la película Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. En 1987 contribuyó en el TV Show de Hunter. En 1993 contribuyó en Los Simpson, en dos villancicos con Bart. En 1995 apareció en un homenaje a los Beatles.
En 1984, se unió a Bruce Springsteen y la E Street Band como el reemplazo de Steven Van Zandt a la guitarra y voz, en la masiva gira Born in the USA. Después de la gira apareció en Late Night with David Letterman, para promocionar su disco en solitario Flip 1985. La E Street Band, salió de gira de nuevo con Bruce Springsteen en 1988 en la gria Tunnel of love Express. En 1989, Springsteen disolvió la E Street Band, pero Lofgren y Van Zandt se reincorporaron en la reunión de la banda en 1999, seguido de otra gira masiva en 2002 y 2003, luego otra vez para el álbum Magic y de nuevo gira mundial en 2007/2008, y más recientemente para Working on a Dream Tour.
Lofgren continuó grabando y de gira como solista, con Patti Scialfa, con Neil Young, y como miembro de las Starr-Ringo Starr Band. Muchas de las personas que trabajaron en esas giras aparecieron en su álbum de 1991, Silver Lining. Durante la década de 2000 tuvo su propio "Día de Nils Lofgren" en el Condado de Montgomery, Maryland (25 de agosto). En 2006 publicó Sacred Weapon, con invitados como David Crosby, Graham Nash, Willie Nelson y Martin Sexton. En 2006 grabó un DVD en vivo Nils Lofgren & Friends: Acústico.
El 23 de junio de 2006, Lofgren realizó un concierto benéfico de Arthur Lee en el Beacon Theater de Nueva York, junto con Robert Plant, Ian Hunter y Garland Jeffreys. En 2007, tocó la guitarra como parte de la "banda de acompañamiento de Lewis, Jerry Lee Lewis Last Man Standing conciert DVD. Él lanzó The Loner - Nils sings Neil, un disco acústico de versiones de canciones de Neil Young, en 2008.
En septiembre de 2008, Lofgren se sometió a cirugía de reemplazo de cadera, como resultado de años de jugar al baloncesto, acrobacias en el escenario y la edad.
El novelista Clive Cussler vive cerca de casa Lofgren de Arizona, y colaboró en una canción con él, que co-escribió y grabó, titulado, "What Ever Happened to Muscatel?" canción con él, que co-escribió y grabó, titulado, "What Ever Happened to Muscatel?"
En 2010, Lofgren -quien se describe como "gran aficionado a los deportes"- escribió una larga carta abierta a ESPN condenando el tratamiento del regreso de Michael Vick a la fama del fútbol.
Lofgren principalmente utiliza una variedad de guitarras Fender.
